Il risultato è un thriller crudele e a tratti urgente: non è perfetto, ma ha potenza nelle sue peggiori ferite — nei sensi di colpa, nella paura, nella fiducia che si rompe.

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Trama e tematiche

Dopo anni passati dietro le sbarre, Nate esce di prigione deciso a ricostruirsi una vita onesta. Ma gli errori passati lasciano marchi profondi. Dopo che alcuni ex affiliati della gang che lo controllava scoprono della sua uscita, la famiglia di Nate — in particolare sua figlia Polly — viene presa di mira. Disperato, Nate decide di sparire con Polly, e intraprende una fuga per proteggere ciò che resta.

Il film affronta temi forti:

• la difficoltà di reinserimento dopo il carcere,

• come il passato perseguita anche quando si cerca di cambiare,

• la protezione di un figlio come priorità assoluta,

• fiducia, tradimento, paura e sopravvivenza.

Cosa funziona

• • Taron Egerton fa centro come protagonista tormentato: la sua interpretazione dà credibilità a un uomo in bilico tra redenzione e paura.

  • Tensione costante: sin dall’inizio si percepisce l’odore del pericolo, e la fuga tiene lo spettatore con il fiato sospeso.

  • Relazione padre-figlia intensa: il legame tra Nate e Polly (così vulnerabile e spaventata) aggiunge cuore a una vicenda di violenza e criminalità.

  • Atmosfera cruda e realistica: il film non edulcora nulla: mostra le ferite, la paranoia, le conseguenze della violenza.

  • Temi attuali e socialmente rilevanti: reinserimento, recidiva, protezione, colpa — tutto trattato con dignità.

Cosa convince meno

• Alcune forzature narrative: certe svolte e decisioni dei personaggi sembrano dettate più da necessità drammatiche che da realismo.

• Villain e antagonisti non sempre all’altezza: la gang nemica a volte sembra generica, poco caratterizzata.

• Ritmo altalenante: le sequenze d’azione funzionano, ma le lunghe fasi di tensione psicologica rischiano di appesantire.

• Prevedibilità in alcuni momenti: chi frequenta il genere thriller potrebbe anticipare alcune mosse.

Valutazione finale

Educazione criminale non è un film perfetto — ma è sincero nei suoi drammi, crudele quando serve, e capace di generare empatia.
È un buon thriller di sopravvivenza e redenzione, con un protagonista imperfetto ma umano, e una storia che non cerca di addolcire la realtà.

Voto: 7 / 10

Pro e Contro

La storia segue Charlie, un ex ladruncolo che ha giurato di cambiare vita, ma che viene trascinato controvoglia in un piano folle: rubare una collezione di gioielli natalizi durante la parata cittadina più seguita dell’anno.
Il tutto mentre prova (invano) a ricucire il rapporto con la figlia e a convincere la sua famiglia che stavolta è davvero un uomo nuovo.

La trama mescola crime, slapstick, atmosfera natalizia e un pizzico di rom-com, risultando in un cocktail che non sempre regge, ma che intrattiene con energia e spirito festivo.

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Trama e tematiche

Il piano criminale è semplice sulla carta, ma disastroso nella pratica:
travestimenti da elfi, fughe su slitte a motore, droni impazziti e un detective che conosce Charlie fin troppo bene.

Il film tocca alcuni temi chiave:

• seconda possibilità e redenzione

• famiglia imperfetta ma affezionata

• l’avidità che rovina le feste

• il Natale come ultima occasione per rimettere ordine nella propria vita

La storia ha buona volontà, anche se spesso si perde nell’eccesso di gag e nella confusione narrativa.

Cosa funziona

• Atmosfera natalizia fortissima: luci, musiche, parate, neve, tutto crea un mood festivo riuscito.

• Charlie è un protagonista simpatico: goffo, affettuoso, pieno di difetti ma impossibile da odiare.

• Buon ritmo comico: quando il film punta sul caos fisico, diverte davvero.

• Rapina creativa: l’idea di sfruttare una parata natalizia è carina e ben sfruttata.

Cosa convince meno

• Trama prevedibile: ogni colpo di scena si vede arrivare a chilometri.

• Gag ripetute: alcune scene sembrano copiate da altri film natalizi più famosi.

• Villain deboli: poco minacciosi, troppo caricaturali.

• Momenti emotivi un po’ forzati: la parte familiare funziona, ma non sempre tocca davvero.

Valutazione finale

Jingle Bell Heist – Rapina a Natale è un film che non punta all’eleganza: vuole solo farti ridere, rilassare e ricordare che anche chi combina disastri merita una seconda chance sotto l’albero.
Non è un must-watch, ma è una buona scelta per una serata natalizia leggera, in cui cerchi più divertimento che profondità.

Perfetto per chi ama i film di Natale con un pizzico di azione.

Voto: 6,5 / 10

Pro e Contro

Curiosità

• Il film utilizza vere parate cittadine come sfondo, integrate con scene girate in studio.

• Il titolo “Jingle Bell Heist” nasce come parodia dei classici film natalizi anni ’90.

• Gran parte degli inseguimenti è girata con stunt comici in stile slapstick.

Disponibile per lo streaming in alta definizione 4K

Trama (senza spoiler eccessivi)

Un mattino qualunque la base militare in Alaska rileva un missile balistico lanciato da un luogo non dichiarato nell’Oceano Pacifico. Il vettore è diretto verso gli Stati Uniti, più precisamente verso Chicago, e il conto alla rovescia inizia: circa 18-20 minuti per capire chi ha lanciato, se intercettarlo, se rispondere e in che modo.
La storia viene raccontata in tre “capitoli” da tre prospettive distinte:

• dalla sala operativa militare in Alaska;

• dal comando strategico negli Stati Uniti;

• dal presidente degli Stati Uniti e dal suo staff alla Casa Bianca.
  Si alternano corsa contro il tempo, valutazioni morali, pressione geopolitica e il senso dell’imprevedibilità. Il finale resta volutamente ambiguo: l’identità del nemico non viene rivelata, la decisione del presidente è lasciata aperta.

Temi principali

• Fragilità del sistema nucleare: l’idea che basti un solo vettore non identificato per scatenare il caos globale.

• Tempismo e responsabilità: decisioni che si prendono in pochi minuti, ma con conseguenze potenzialmente irreversibili.

• Potere, trasparenza e paura: nei luoghi del potere il terrore non è solo del nemico, ma dell’imprevedibile dentro il proprio sistema.

• Silenzio dell’ignoto: non sapere chi ha lanciato il missile diventa un elemento centrale, perché lascia lo spettatore senza “villain” chiaro e riflette su una minaccia globale spesso invisibile.

• Umano in mezzo alla macchina: il film non è solo tecnologia e protocollo, ma anche paura, famiglia, errori, persone costrette a reagire.

Regia, cast e messa in scena

Il cast è corale e di enorme livello: Idris Elba veste i panni del Presidente degli Stati Uniti, Rebecca Ferguson è la capitana Olivia Walker nella Situation Room, Jared Harris, Tracy Letts, Gabriel Basso, Anthony Ramos e altri completano l’ensemble.
La regia di Bigelow è precisa, nervosa, con una fotografia e un montaggio che accentuano la tensione continua. Le sale operative, la corsa contro il tempo, il suono metallico e asettico delle decisioni di guerra: tutto contribuisce a un’atmosfera claustrofobica e angosciosa.
Il film dura circa 112 minuti e alterna momenti di azione pura con fasi più riflessive che dipingono la complessità del potere.

Cosa funziona

• Incredibile tensione, fin dalle prime scene: lo spettatore è calato subito nel tempo critico.

• Scelte formali interessanti: la divisione in tre prospettive aiuta a comprendere la mole delle decisioni e delle istituzioni coinvolte.

• Interpretazioni di alto livello, soprattutto Elba e Ferguson che danno umanità a ruoli istituzionali.

• Tema contemporaneo e urgente: l’ombra della distruzione nucleare torna a essere protagonista, con realismo e angoscia.

• Produzione e regia di qualità: Bigelow dimostra che sa ancora come gestire il ritmo e la materia “crisi globale”.

Cosa lascia perplessi

• L’uso del tempo ripetuto (tre volte la stessa sequenza da prospettive diverse) può far “crollare” un po’ la tensione nella seconda parte.

• L’ambiguità della fine: molti spettatori potrebbero sentirsi insoddisfatti dalla mancanza di risposte chiare su chi ha lanciato o su cosa succede dopo.

• Alcuni personaggi secondari non vengono approfonditi come ci si aspetterebbe in un film che tratta così tante istituzioni.

• Il film è molto tecnico in certi momenti: se non si segue bene il linguaggio militare o politico, si può essere un po’ disorientati.

Voto finale

8 / 10
A House of Dynamite è un film che colpisce, scuote e invita a riflettere. Non perfetto, ma potente nella sua ambizione e nella sua capacità di rendere visibile l’invisibile: la minaccia che non sappiamo, ma che potrebbe essere reale.

Pro & Contro

Pro	Contro
Tensione altissima e ritmo serrato.	Finale ambiguo che può lasciare insoddisfatti.
Regia e produzione di grande livello.	Seconda “ripetizione” del tempo perde un po’ forza.
Cast di prim’ordine e interpretazioni convincenti.	Approfondimento di alcuni personaggi e istituzioni limitato.
Tema urgente, contemporaneo e rilevante.	Elementi tecnici e militari che richiedono attenzione.
Struttura narrativa originale (tre blocchi temporali).	Per spettatori in cerca di narrativa classica e risolutiva potrebbe non bastare.

Curiosità

• A House of Dynamite è stato presentato in anteprima mondiale alla 82ª Mostra del Cinema di Venezia il 2 settembre 2025.

• Kathryn Bigelow torna al lungometraggio dopo diversi anni, affrontando nuovamente il tema della guerra e della crisi (tema già presente in The Hurt Locker e Zero Dark Thirty).

• Non viene rivelato chi ha lanciato il missile né cosa succede esattamente dopo: la scelta è voluta per stimolare la riflessione e non dare una risposta comoda.

• Il titolo “A House of Dynamite” è una metafora: il mondo intero è una “casa di dinamite”, pronta a esplodere per un solo errore o lancio non controllato.

• Il film tratta un arco temporale molto breve (circa 18 minuti reali nella storia) ma lo espande in tempo filmico per mostrare l’impatto umano, politico e militare.

Conclusione

Se siete interessati a un thriller politico che va oltre l’azione e porta alla riflessione su cosa significhi vivere in un mondo vulnerabile, A House of Dynamite è una visione che vale. Non è un film leggero o di evasione: richiede concentrazione, e alla fine vi lascerà con domande più che risposte.
Consigliato per chi ama il cinema di tensione, il cinema che fa pensare e che ha il coraggio di non spiegare tutto.
Se invece siete alla ricerca di un finale risolutivo e di un “colpevole unico”, forse non è il film giusto.

La protagonista, Mia, è una fotografa introversa che incontra Evan, uomo affascinante, perfetto, troppo perfetto. Quello che sembra un colpo di fulmine si rivela presto un gioco sporco, orchestrato da qualcuno che conosce Mia meglio di quanto lei vorrebbe.
Da lì in poi la storia corre verso un crescendo fatto di stalking digitale, segreti sepolti e una spirale di controllo quasi impercettibile… finché diventa letale.

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Trama e tematiche

Mia scarica Heart Eyes, un’app di incontri che promette “match emotivi scientifici basati sui micro-espressivi del volto”.
Quando conosce Evan, tutto sembra filare liscio: è presente, comprensivo, brillante, affettuoso.

Troppo affettuoso.

L’amore lampo si trasforma in un’ombra costante: messaggi continui, apparizioni non richieste, coincidenze inquietanti.
Mia scopre che Evan potrebbe non essere chi dice di essere. E che qualcuno sta usando la tecnologia per osservare, prevedere e manipolare le sue scelte.

Temi principali:

• la vulnerabilità digitale del mondo degli appuntamenti

• amore romantico vs ossessione patologica

• identità online come maschera

• controllo emotivo attraverso algoritmi

• gaslighting e dipendenza affettiva

Cosa funziona

• Atmosfera in evoluzione: parte soft, poi il thriller cresce come un’onda che non avevi visto arrivare.

• La protagonista è credibile: Mia è fragile ma non ingenua, e la sua crescita è uno dei punti forti.

• Riflessione moderna sulle app di dating: mostra la faccia oscura dell’algoritmo sentimentale.

• Suspense crescente: il film ingrana veramente negli ultimi 45 minuti.

Cosa convince meno

• Antagonista un po’ archetipico: Evan funziona, ma non sempre sorprende.

• Finale un po’ troppo “ordinato”: dopo tanta tensione, la chiusura risulta prevedibile.

• Alcuni dialoghi troppo esplicativi: spiegano cose che si potevano intuire visivamente.

• Secondari sottoutilizzati: amici e colleghi appaiono e spariscono senza peso reale.

Valutazione finale

Heart Eyes – Appuntamento con la morte è un thriller romantico che sa come giocare con le aspettative: inizia come un film da domenica pomeriggio, finisce come un incubo lucido e inquietante.
Non è perfetto, ma funziona: intrattiene, tiene col fiato corto nella seconda metà e lascia una domanda che punge più di ogni colpo di scena.

Quanto siamo davvero protetti quando cerchiamo amore online?

Voto: 7 / 10

Pro e Contro

Curiosità

• il titolo “Heart Eyes” è ispirato all’emoji con gli occhi a cuore, usata nell’app come simbolo dei match “perfetti”.

• Gran parte delle riprese utilizza schermi, chat e notifiche come elementi diegetici.

• Il film gioca volutamente con il contrasto tra luce calda da rom-com e palette fredda da thriller

Il film gioca su due piani temporali — passato e presente — e usa la memoria e la nostalgia come fili invisibili che uniscono i protagonisti. È una storia che parla di attese, di scelte e di quanto sia fragile ma potente una scintilla sopita.

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Trama e tematiche

Bilge è una donna pragmatica, determinata, abituata a decidere con la testa; Can è un uomo dalla mente curiosa, romantica, innamorata del passato e delle tracce che lascia. Il loro primo incontro — carico di innocenza, speranza e vulnerabilità — resta nella memoria, ma la vita li porta lontano. Quando il destino li fa rincontrare, emergono dubbi, rimpianti, ma anche la speranza che quell’incontro ancestrale non fosse un errore.

Temi principali:

• il tempo che separa e che può riunire

• memoria, identità e nostalgia

• scelte di vita vs sentimenti veri

• seconda opportunità e destino

• l’amore come “desiderio sospeso” che attende il momento giusto

Cosa funziona

• Il cast principale ha chimica e intensità emotiva: gli attori trasmettono bene la malinconia di due vite parallele.

• Struttura a due tempi efficace: passato/presente si alternano con delicatezza, dando profondità alla storia.

• Atmosfera romantica e sognante: la componente nostalgica e riflessiva è il vero punto di forza del film.

• Temi universali: amore, perdita, ricordi — elementi che parlano al cuore e trasversalmente a molti spettatori.

Cosa convince meno

• Prevedibilità della trama: chi ha visto decine di romance con “amore perduto → ritrovo” riconoscerà subito tutti i passaggi.

• Personaggi secondari poco caratterizzati: la storia rimane centrata su Bilge e Can, gli altri restano sullo sfondo.

• Ritmo un po’ dilatato: alcune scene di ricongiungimento e introspezione allungano la narrazione rispetto a quello che serve.

• Melodramma piuttosto marcato: non è un difetto per chi ama il genere, ma può risultare eccessivo per chi cerca realismo sobrio.

Valutazione finale

Due mondi, un desiderio è un film romantico perfetto per chi cerca una storia d’amore che sa di passato, rimpianto e speranza. Non è originale nella struttura, ma punta con onestà sul sentimento e sulla nostalgicità, e per questo può colpire.
È ideale per una serata “cuore”, con la giusta predisposizione al romantico e all’introspezione.

Voto: 6,5 / 10

Pro e Contro

Curiosità

• Il film è diretto da Ketche e vede nel cast principale Hande Erçel e Metin Akdülger.

• Il film usa il tema del desiderio espresso — o sussurrato — da bambini come metafora del destino che si riapre anni dopo.

Il film cerca di reinventare la saga, concentrandosi sulle origini di Seiya e sulla nascita del suo ruolo come Cavaliere di Pegasus.
L’idea poteva funzionare: ripartire da un personaggio, renderlo centrale, raccontare un nuovo inizio.
Peccato che il risultato sia un action movie industriale, con poco cuore, poca mitologia e una comprensione superficiale di ciò che ha reso i Saint Seiya un fenomeno mondiale.

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Trama

Seiya è un giovane combattente di strada che scopre di possedere un potere misterioso, “il cosmo”, e viene trascinato in una guerra tra fazioni che proteggono o vogliono eliminare Lady Sienna, incarnazione della dea Atena.
Tra addestramenti, inseguimenti, armature tecnologiche e predestinazione, il film imbastisce un percorso dell’eroe piuttosto standard e poco ispirato.

Temi presenti, anche se solo accennati:

• Il cosmo come risveglio interiore

• Destino e sacrificio

• Protezione della dea come missione

• Amicizia e lealtà (qui quasi assenti, purtroppo)

• La crescita di Seiya come guerriero

Chi conosce l’anime e il manga nota immediatamente quanto manchi l’essenza emotiva e spirituale della saga originale.

Cosa funziona

• Alcune coreografie nei combattimenti sono ben gestite e dinamiche.

• L’estetica delle armature tenta una fusione tra stile moderno e richiami ai Cloth originali.

• Mackenyu (Seiya) porta presenza scenica e un minimo di intensità al protagonista.

• Il lato action è più solido del lato narrativo.

Cosa convince meno

• Storia impoverita: elimina quasi tutta la mitologia dei Cavalieri.

• Tono troppo occidentale: sembra un cinecomic qualunque, non Saint Seiya.

• Personaggi secondari inesistenti: Shiryu, Hyoga, Shun, Ikki? Non pervenuti.

• Villain poco sviluppati e minaccia generica.

• Armature troppo “Power Rangers” nell’estetica e nel montaggio.

• Pacing disomogeneo: parte lenta, finale affrettato.

Valutazione finale

I Cavalieri dello Zodiaco (2023) non è un disastro totale, ma è lontanissimo da ciò che i fan si aspettavano.
È un film che avrebbe potuto essere epico, ma si accontenta di essere un action fantasy medio, con ambizioni più produttive che artistiche.

Non cattura la spiritualità del cosmo, non esalta il legame tra Cavalieri, non valorizza la mitologia.
Eppure, paradossalmente, ha abbastanza buone intenzioni da farti sperare che un eventuale sequel — se mai dovesse accadere — possa imparare dagli errori.

Voto: 5,5 / 10

Pro e Contro

Curiosità

• Le armature sono più simili a esoscheletri che ai Cloth dell’anime: scelta voluta per un look più “occidentale”.

• Il film avrebbe dovuto essere l’inizio di un universo cinematografico, ma l’esito critico e commerciale ha congelato i piani.

• Solo pochi elementi richiamano davvero l’opera originale, come il simbolismo di Pegasus e l’idea del cosmo.

• Le riprese hanno privilegiato combattimenti ravvicinati e set chiusi per contenere i costi.

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Cast e Regia

Il film è diretto da Darren Aronofsky, maestro del cinema psicologico, che questa volta sorprende con un approccio più ironico e movimentato. Al fianco di Butler troviamo Zoë Kravitz, Regina King, Liev Schreiber, Vincent D’Onofrio, Matt Smith, Bad Bunny e altri interpreti che contribuiscono a rendere la storia corale, ricca di personalità e contrasti.

Stile e Atmosfera

Aronofsky abbandona momentaneamente i toni cupi e introspettivi dei suoi lavori più celebri per abbracciare lo stile del crime caper pulp. New York diventa un vero personaggio: sporca, rumorosa, pulsante, con un ritmo narrativo serrato che alterna momenti di ironia a esplosioni di violenza. L’estetica richiama Scorsese e il cinema anni ’90, ma con la cifra stilistica personale del regista.

Voto

★★★½ / 5

Pro e Contro

Pro

• Atmosfera pulp originale e coinvolgente

• Cast di grande livello, con un Austin Butler convincente

• New York resa viva e protagonista assoluta

Contro

• Trama a volte troppo densa e affollata

• Alcuni personaggi secondari risultano stereotipati

• Il tono ibrido può spiazzare chi si aspetta un thriller più lineare

Curiosità

• Il film è tratto dal romanzo Caught Stealing di Charlie Huston, il primo di una trilogia.

• Il progetto è stato avviato già nel 2013 con un team diverso, ma solo nel 2024 ha preso forma con Aronofsky e Butler.

• La colonna sonora porta la firma di Rob Simonsen in collaborazione con la band Idles, scelta che amplifica l’energia del film.

Al centro della storia ci sono il chirurgo plastico Robert Ledgard (Antonio Banderas) e Vera, una donna rinchiusa nella sua villa-laboratorio, avvolta in una seconda pelle sintetica che lui stesso le ha impiantato.
Ma questa è solo la superficie: ciò che nasconde il film è molto più oscuro, più crudele, più tragico.

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Trama e tematiche

Dopo aver perso la moglie in un incendio, Ledgard si ossessiona con la creazione di una pelle artificiale in grado di resistere al fuoco.
Quando scopre l’identità del rapitore e presunto stupratore della figlia, decide di vendicarsi… ma a modo suo.
La vendetta diventa un progetto chirurgico, scientifico, perverso: un atto di distruzione psicologica e identitaria che va oltre la violenza fisica.

Temi principali:

• identità e corpo

• trasformazione forzata

• vendetta e follia

• desiderio come controllo

• la pelle come prigione e come maschera

Il film non parla solo di cosa ci rende “noi stessi”, ma di quanto sia fragile la nostra identità quando altri possono manipolarla.

Cosa funziona

• Antonio Banderas magnetico: glaciale, misurato, inquietante, in una delle sue migliori interpretazioni.

• Atmosfera elegante e velenosa: colori saturi, ambientazioni curate, tensione palpabile in ogni inquadratura.

• Il colpo di scena: agghiacciante, perfettamente dosato, impossibile da dimenticare.

• La scrittura di Almodóvar: sofisticata, malata e poetica allo stesso tempo.

Cosa convince meno

• Tono molto cupo: non è un film facile, né digeribile da tutti.

• Alcune sequenze sgradevoli: volutamente disturbanti, possono risultare eccessive per un pubblico sensibile.

• Ritmo a tratti irregolare: alcuni passaggi sono volutamente lenti e contemplativi.

• Morbidità della trama: non tutti reggono un livello di manipolazione psicologica così alto.

Valutazione finale

La pelle che abito è un viaggio nella follia, nella vendetta e nella distruzione dell’identità umana.
È un film esteticamente bellissimo e moralmente devastante, che rimane nella testa per giorni.
Almodóvar costruisce un’opera d’arte disturbante che non scende mai a compromessi.

Voto: 8,5 / 10

Pro e Contro

Curiosità

• Il film è ispirato al romanzo Tarantula di Thierry Jonquet.

• Segna la reunion cinematografica tra Almodóvar e Banderas dopo oltre vent’anni.

• La villa-laboratorio, con le sue linee fredde e colori saturi, è diventata iconica per il contrasto tra bellezza e orrore.

• Almodóvar considera questo film la sua opera più “crudele”.

È una commedia d’azione pensata per famiglie, con il mix “padre che protegge”, “figlia indipendente”, “minacce che tornano” e un viaggio che diventa missione. Il tono è leggero, a tratti troppo, ma concede momenti spettacolari che rischiano però di risultare privi di vera energia.

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Trama e tematiche

Dan Morgan ha voltato pagina: non più solo assassinato segreto, ora vuole essere padre presente, marito affidabile e famiglia in vacanza. Ma la vacanza in Europa si trasforma in campo di battaglia quando un uomo del suo passato (Kit Harington) emerge e costringe i Morgan a combattere per stare insieme.

Temi chiave:

• la famiglia come primo nemico e poi prima alleata;

• il passato che non muore mai, anche se credi di averlo lasciato alle spalle;

• la vacanza perfetta che esplode in caos;

• protezione vs fiducia: quanto puoi controllare la vita dei tuoi figli?

L’ambientazione europea regala freschezza: Londra a Natale, Parigi che corre — ma la sceneggiatura fatica a sfruttare a pieno tutto il potenziale.

Cosa funziona

• Mark Wahlberg nei panni del padre/eroe familiare: tiene la scena, ha carisma, mostra padronanza del ruolo.

• Location europee spettacolari: girato tra Londra e Parigi, l’ambiente rende il film più cinematografico.

• Momenti di azione visivamente efficaci: sequenze su autobus panoramici, inseguimenti, panorami festivi. 

• Accessibile per la famiglia: il tono generale è quello di “azione leggera + risate + momenti emotivi”.

Cosa convince meno

• Trama troppo prevedibile: sequel che ripete formule già viste.

• Humor e colpi di scena poco incisivi: sembra più “prodotto” che originale.

• Personaggi secondari poco caratterizzati: si concentra quasi esclusivamente su Dan e famiglia.

• Contrasti tonali stridono: vacanza natalizia + rapine + minacce possono risultare poco credibili come mix.

Valutazione finale

The Family Plan 2 è un film che farà felice chi vuole una serata leggere con la famiglia, pronto per popcorn e relax — ma non è una “azione-commedia” che cambia le carte in tavola.
Se cercate originalità e grandi sorprese, rischiate di uscire un po’ insoddisfatti. Se volete ritmo, location belle e Mark Wahlberg che protegge la sua famiglia… allora sì, è una scelta abbordabile.
Voto: 6 / 10

Pro e Contro

Non troverete corse frenetiche o dialoghi urlati. Troverete invece alberi che cadono, treni che fischiano al tramonto, sguardi che valgono più di mille parole e un uomo che fa i conti con quel che resta.
È un film che richiede calma, attenzione e spazio per respirare — ma ripaga.

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Trama e tematiche

Robert Grainier cresce negli anni dieci nel nord-ovest americano, lavora tra foreste immense e ferrovie in costruzione. Spesso lontano da casa, testimone di tragedie e sfruttamento, si innamora, costruisce una famiglia, sperimenta la perdita.
La narrazione si sviluppa in modo frammentato, come i ricordi che si insinuano senza ordine: un licenziamento, un incendio, un ritorno a casa che non è più la stessa.

Temi principali:

• il prezzo del progresso e la natura che soccombe;

• la solitudine dell’uomo che lavora la terra e vede il mondo cambiare;

• la memoria, come custode e come tortura;

• la famiglia e la perdita, in un contesto di “essere invisibili” agli occhi della Storia;

• il tempo che avanza, inevitabile.

Cosa funziona

• Joel Edgerton in una prova intensa e contenuta: pochi gesti, pochi dialoghi, un volto che racconta più di mille scene.

• Ambientazione magnifica e fotografia immersiva: le foreste, il treno, la polvere, il silenzio — tutto trasuda autenticità.

• Tono meditativo e coraggioso: non convenzionale, non “urlato”, ma precisamente calibrato.

• Tematica profonda e poco comune: non il solito eroe, ma un uomo qualunque che vive l’ordinarietà e la straordinarietà insieme.

Cosa convince meno

• Ritmo lento e dilatato: per chi cerca azione o colpi di scena costanti, questo può essere un freno.

• Struttura frammentata: la narrazione non è lineare e alcuni salti temporali possono disorientare.

• Meno personaggi familiari o “popolari”: non c’è la resa spettacolare del grande evento, è la vita che sfuma — e non tutti lo apprezzano.

• Tono cupo e riflessivo: non è un film “leggero”, quindi va visto con la giusta predisposizione.

Valutazione finale

Train Dreams è un film che resta, che tende all’essenziale e riesce a rendere epica una vita che sembra normale.
Se siete pronti a seguirlo, vi troverete davanti a una piccola gemma: visivamente potente, emotivamente sincera.
Non è per tutti, ma per chi ha occhi per il silenzio e cuore per la storia, è uno di quei titoli da non perdere.

Voto: 8 / 10

Pro e Contro

Curiosità

• Il film è tratto da una novella premiata di Denis Johnson, e lo stile visivo è stato spesso paragonato al cinema di Terrence Malick per le sue inquadrature, silenzi e natura protagonista.

• Le riprese sono state girate in gran parte nella zona del nord-ovest americano, per catturare paesaggi autentici e clima reale, contribuendo all’atmosfera immersiva.

• Il titolo “Train Dreams” richiama l’idea del viaggio per ferrovia, ma anche dei sogni – dormiti, infranti o semplicemente vissuti – che attraversano una vita intera.

• La voce narrante guida lo spettatore come se fosse un testimone del tempo che passa, rendendo la pellicola più un ricordo filmato che un thriller convenzionale.