Disponibile per lo streaming in alta definizione 4K

La storia segue Judy Hopps, un coniglio pieno di energia che sogna di diventare poliziotta nella grande metropoli di Zootropolis, dove prede e predatori vivono — almeno in apparenza — in perfetta armonia. Tuttavia, quando arriva il momento di dimostrare il suo valore, Judy si scontra con una realtà fatta di stereotipi, discriminazioni e diffidenze.

La sua occasione arriva grazie a un’improbabile alleanza con Nick Wilde, una volpe truffaldina ma affascinante, che diventerà il suo partner in un caso di scomparsa che si trasformerà presto in un complotto più grande di entrambi.

Una fiaba sociale mascherata da commedia

Zootropolis riesce a essere allo stesso tempo un film d’avventura, una commedia brillante e un racconto sociale. La forza del film sta nel suo linguaggio doppio: per i bambini è una storia divertente e colorata; per gli adulti, invece, è una riflessione sottile sul pregiudizio e il potere delle etichette.

Attraverso metafore e ironia, la pellicola affronta temi complessi come il razzismo, la paura del diverso e la manipolazione della paura a fini politici. E lo fa con una leggerezza che non banalizza mai. Ogni specie animale diventa uno specchio della società contemporanea, dove anche chi ha buone intenzioni può cadere nella trappola del pregiudizio.

Inoltre, il ritmo è perfetto: dialoghi vivaci, comicità intelligente e una trama poliziesca costruita con cura tengono alta l’attenzione fino alla fine.

Immaginazione e cuore

Visivamente, Zootropolis è un trionfo di creatività. La città è un microcosmo straordinario: quartieri climatici diversi, mezzi di trasporto personalizzati per ogni specie e una quantità di dettagli che premiano la curiosità dello spettatore.

Il messaggio del film, però, è ciò che lo rende davvero memorabile: nessuno è definito da ciò che gli altri si aspettano che sia. Judy e Nick, così diversi, finiscono per rappresentare il coraggio di cambiare prospettiva e di credere nel proprio valore.

La colonna sonora di Shakira, con la canzone “Try Everything”, amplifica il senso di speranza e determinazione che attraversa tutto il film. Non a caso, è diventata un inno motivazionale per una generazione di giovani spettatori.

Pro & Contro

Punti di forza	Debolezze
Trama intelligente e ricca di significati	Alcune metafore potrebbero sfuggire ai più piccoli
Umorismo brillante per tutte le età	Ritmo leggermente frenetico verso il finale
Design e world-building eccezionali	Qualche cliché nei personaggi secondari
Messaggio universale su uguaglianza e empatia	Morale esplicita in certi passaggi

Valutazione: ★★★★★ (5/5)

Disponibile per lo streaming in alta definizione 4K

Il film segue Adam (Tom Hiddleston), un musicista geniale ma depresso, e Eve (Tilda Swinton), la sua compagna di secoli, che vive lontano da lui nella magica decadenza di Tangeri. Quando Eve capisce che Adam sta sprofondando in una crisi esistenziale, decide di raggiungerlo nella sua casa di Detroit, città spenta, svuotata, metafora di un mondo che non produce più arte ma solo consumo.

Jarmusch trasforma questa premessa in una poesia visiva e sonora. In effetti, Solo gli amanti sopravvivono è meno un film sui vampiri e più un film sulla sopravvivenza dell’arte in un’epoca sterile. Ogni inquadratura, ogni dialogo, ogni canzone è un inno all’amore e alla conoscenza che resistono al tempo.

La lentezza come forma di vita

L’intero film scorre come una musica lenta. Le luci calde degli interni, la notte perpetua di Detroit e le melodie psichedeliche firmate Jozef van Wissem e SQÜRL costruiscono un’atmosfera ipnotica. Tuttavia, questa lentezza non è un difetto: è una scelta estetica. Jarmusch invita lo spettatore a rallentare, a osservare, a contemplare.

Inoltre, il contrasto tra Adam e Eve è costruito con grande eleganza: lui rappresenta la disperazione dell’artista che non trova più un posto nel mondo, lei la saggezza di chi ha visto tutto e ha imparato a perdonare. Insieme incarnano due visioni della vita, unite da un amore che supera la morte, la morale e perfino il tempo.

Nonostante ciò, il film non si priva di ironia: quando arriva Ava (Mia Wasikowska), la sorella impulsiva di Eve, la quiete si rompe. Il suo arrivo è il caos che riporta i protagonisti alla realtà, ricordando loro che la sopravvivenza è un atto di volontà, non di magia.

Oltre il genere

Solo gli amanti sopravvivono è anche una riflessione filosofica. In effetti, il sangue qui diventa simbolo di ispirazione e memoria: ciò che mantiene vivi i protagonisti non è la violenza, ma la cultura. Leggono Shakespeare, ascoltano Schubert, ricordano Galileo come un amico.

Jarmusch usa il mito dei vampiri per raccontare la fragilità dell’intelligenza in un mondo che dimentica, trasformando il film in un’opera sull’arte stessa. E, alla fine, il messaggio è chiaro: solo chi ama davvero — la vita, la conoscenza, l’altro — può sopravvivere.

Pro & Contro

Punti di forza	Debolezze
Atmosfera ipnotica e fotografia poetica	Ritmo lento, non per tutti
Interpretazioni intense di Hiddleston e Swinton	Trama quasi assente, più sensazione che storia
Colonna sonora straordinaria e coerente	Finale volutamente sospeso
Dialoghi e citazioni colti, mai forzati	Pochi momenti “narrativi” tradizionali

Valutazione: ★★★★★ (5/5)

Curiosità

• Girato tra Detroit e Tangeri, due città opposte ma ugualmente decadenti.

• Il titolo deriva da un verso di Christopher Marlowe, che nel film viene citato come “vecchio amico” dei protagonisti.

• Tilda Swinton e Tom Hiddleston hanno trascorso settimane a studiare gesti, ritmi e postura per sembrare creature ultraterrene.

• La colonna sonora ha vinto il Premio Speciale a Cannes per la sua originalità.

Disponibile per lo streaming in alta definizione 4K

Dopo aver abbandonato l’MI6, Bond vive un’esistenza solitaria in Giamaica. La pace, però, dura poco: il suo vecchio amico Felix Leiter (Jeffrey Wright) lo convince a tornare in azione per salvare uno scienziato rapito. La missione lo porterà a scontrarsi con un nuovo nemico, Lyutsifer Safin (Rami Malek), e a riaprire una ferita mai chiusa: Madeleine Swann (Léa Seydoux).

La trama è complessa e intrecciata, ma ciò che davvero colpisce è il tono malinconico del film. Per la prima volta, Bond non è solo un’icona, ma un uomo che affronta il peso delle proprie scelte.

Tra azione e sentimento

Le scene d’azione di No Time to Die sono realizzate con precisione millimetrica. In effetti, Fukunaga bilancia esplosioni e introspezione con una regia elegante e dinamica. Dalla corsa tra i vicoli di Matera alle sparatorie in Norvegia, ogni sequenza è costruita per lasciare il segno.

Tuttavia, la forza del film non è solo nella spettacolarità. È nella fragilità. Craig porta sullo schermo un Bond più umano che mai, capace di piangere, amare e sacrificarsi. La relazione con Madeleine è il cuore emotivo della storia, un legame che resiste al tempo e al pericolo.

Inoltre, la colonna sonora di Hans Zimmer – con il tema “No Time to Die” di Billie Eilish – accompagna ogni momento con una malinconia struggente. Non c’è spazio per l’ironia classica dei vecchi 007: qui domina la nostalgia, il peso del tempo, la consapevolezza che ogni eroe è destinato a cadere.

Il coraggio di chiudere un’epoca

Pochi franchise osano fare ciò che No Time to Die fa: dare una conclusione definitiva al proprio protagonista. Il film non si limita a rinnovare il mito, lo trasforma. Inoltre, mostra un Bond che sa lasciare andare, che capisce di non poter essere eterno. È una scelta narrativa audace, che divide, ma anche eleva la saga.

Alcuni spettatori hanno criticato la lunghezza e il tono più introspettivo, ma il risultato resta coerente: un epilogo degno, emotivo, che celebra e insieme smonta il mito dell’agente perfetto. Dopo quasi sessant’anni, Bond diventa finalmente umano.

Pro & Contro

Punti di forza	Debolezze
Finale potente e coraggioso	Durata eccessiva (oltre 160 minuti)
Regia elegante e fotografia d’autore	Alcune sottotrame potevano essere più incisive
Colonna sonora evocativa e coerente	Villain non sempre all’altezza della tensione
Daniel Craig in stato di grazia	Rischio di eccessiva malinconia per parte del pubblico

Valutazione: ★★★★☆ (4.5/5)

Curiosità

• Daniel Craig è il primo Bond della storia a ricevere una vera conclusione narrativa.

• Le scene di Matera sono tra le più spettacolari mai girate in Italia per un film d’azione.

• Il tema “No Time to Die” di Billie Eilish ha vinto l’Oscar 2022 come miglior canzone originale.

• Le riprese si sono interrotte più volte a causa della pandemia e di un infortunio di Craig.

Disponibile in streaming 4k gratis su Altadefinizione Premium.

Da Io Capitano al rettangolo verde

Seydou Sarr è un volto che non si dimentica. Dopo l’impatto emotivo travolgente del suo ruolo in Io Capitano, in pochi si sarebbero aspettati di ritrovarlo, mesi dopo, con gli scarpini da calcio, ad allenarsi con lo sguardo fisso su un altro sogno: quello di diventare un calciatore professionista.

Il documentario racconta proprio questo: la doppia traiettoria di un ragazzo che non vuole scegliere tra le sue due passioni. Che non vuole essere etichettato, chiuso dentro una definizione comoda per gli altri. Seydou corre, recita, osserva. E nel farlo, diventa uno specchio potente per tutti i giovani che si sentono “fuori posto”.

Un viaggio tra inclusione e appartenenza

Ma Seydou – Il sogno non ha colore non è solo il racconto di un sogno. È anche, e forse soprattutto, una riflessione sull’identità e sull’inclusione. La voce di Seydou si intreccia a quelle di grandi calciatori e personaggi del mondo dello sport e dello spettacolo, in una narrazione corale che svela quanto possa essere faticoso crescere in un paese che troppo spesso ti guarda ancora come “l’altro”.

Il razzismo non viene urlato, ma raccontato con lucidità e grazia. E proprio questa scelta narrativa rende il messaggio ancora più forte: non servono accuse violente, basta la verità.

Un documentario sincero e necessario

La forza di questo documentario sta nella sua sincerità. Non c’è spettacolarizzazione, non c’è retorica. C’è un ragazzo che si interroga, che si emoziona, che sorride mentre corre su un campo da calcio, che si commuove mentre parla di casa. C’è la voglia di raccontare un’Italia diversa, quella che accoglie ma anche quella che giudica. Quella che esclude ma che può imparare ad ascoltare.

Ogni scena ha una sua verità. Ogni dialogo, anche il più semplice, contribuisce a costruire un quadro complesso, sfaccettato, profondamente umano.

Perché guardarlo

Seydou – Il sogno non ha colore è molto più di un documentario biografico. È una lettera aperta a chi è cresciuto con più domande che risposte. È un promemoria per chi ha dimenticato cosa significa sognare con tutto sé stesso. È uno sguardo pulito, forte e dolce, su un ragazzo che vuole vivere pienamente ogni possibilità.

Un’opera che andrebbe mostrata nelle scuole, nei campi di calcio, nei teatri, e ovunque si parli di sogni, identità e cambiamento.

Non è importante se il futuro di Seydou sarà in uno stadio o su un set.
Ciò che conta è che ci sta già insegnando qualcosa. E lo fa con coraggio, semplicità e una voce che vale la pena ascoltare.

GUARDALO GRATIS IN 4k SU ALTADEFINIZIONE

Disponibile per lo streaming in alta definizione 4K

I protagonisti, Irving Rosenfeld (Christian Bale) e Sydney Prosser (Amy Adams), sono due truffatori di talento che vivono di piccole frodi e grandi sogni. Quando vengono incastrati dall’agente dell’FBI Richie DiMaso (Bradley Cooper), accettano di collaborare con lui per smascherare un giro di corruzione politica. Da quel momento, verità e menzogna si confondono. Tutti fingono qualcosa, persino quando credono di essere sinceri.

La narrazione scorre con ritmo frenetico, arricchita da dialoghi brillanti e situazioni al limite dell’assurdo. Tuttavia, dietro la leggerezza, il film nasconde una malinconia profonda: quella di chi vive travestito, sperando che l’illusione diventi realtà.

Tra realismo e spettacolo

La regia di Russell combina energia visiva e costruzione teatrale. Ogni scena è curata nei minimi dettagli: abiti, pettinature, luci e movimenti di macchina ricreano un’America seducente e fragile. Inoltre, la colonna sonora – che spazia da Duke Ellington ai Bee Gees – amplifica l’effetto nostalgia e trasporta lo spettatore nel caos dorato di quell’epoca.

Christian Bale offre una delle sue interpretazioni più trasformative: ingrassa, cambia postura, respira come un uomo che mente anche a se stesso. Amy Adams è magnetica e spietata, mentre Bradley Cooper costruisce un agente vanitoso, prigioniero del proprio ego. Ma è Jennifer Lawrence a rubare la scena: la moglie instabile di Irving, personaggio tragicomico che brucia in ogni battuta.

L’equilibrio tra dramma e commedia è costante. Infatti, American Hustle riesce a farti ridere anche nei momenti più crudeli. E mentre i personaggi ballano tra champagne e bugie, lo spettatore intuisce che nessuno di loro riuscirà davvero a vincere.

Il tema della verità

Uno dei meriti maggiori del film è la sua capacità di mostrare la verità come costruzione. Ogni personaggio indossa una maschera diversa a seconda di chi lo guarda. Tuttavia, nessuno di loro è del tutto falso. In un mondo di truffatori, persino la sincerità diventa una strategia.

Russell evita di giudicare i suoi protagonisti. Al contrario, li osserva con ironia e compassione. Così, American Hustle non parla solo di truffe economiche, ma di autoinganni morali: tutti fingiamo qualcosa per sopravvivere, per sentirci migliori, o semplicemente per non restare soli.

Pro & Contro

Punti di forza	Debolezze
Regia vivace e stilisticamente impeccabile	Alcune scene risultano troppo caotiche
Cast eccezionale, con performance memorabili	Ritmo leggermente altalenante nella seconda parte
Colonna sonora e ambientazione anni ’70 perfette	Finale meno incisivo rispetto alla prima ora
Dialoghi intelligenti e ironia pungente	Troppi personaggi in competizione per la scena

Valutazione: ★★★★☆ (4.5/5)

Curiosità

• Il film è stato candidato a 10 premi Oscar, ma non ne ha vinti nessuno, nonostante il grande successo di critica.

• Christian Bale ha impiegato mesi per imparare la camminata zoppicante e la voce roca del suo personaggio.

• Jennifer Lawrence ha improvvisato molte battute, tra cui la celebre scena del microonde.

• La storia reale che ispira il film – lo scandalo Abscam – coinvolse diversi senatori americani e un finto sceicco.

Guardalo in streaming 4k gratis su Altadefinizione

La trama riprende il mito di Kevin Flynn (Jeff Bridges), geniale programmatore scomparso da anni nel mondo virtuale che lui stesso aveva creato. Suo figlio Sam (Garrett Hedlund), ribelle e disilluso, si ritrova catapultato nella “Grid”, un universo di neon e geometrie perfette dove tutto è codice, potere e controllo. Qui scopre non solo la verità sul padre, ma anche il volto del suo doppio oscuro: CLU, copia digitale di Flynn, creata per costruire la perfezione — e poi ribellatasi a essa.

Un’estetica che ha riscritto il cyber-cinema

Il punto più alto del film è la messa in scena visiva. Kosinski trasforma il mondo digitale in un labirinto di luci, vetro e silenzio, costruendo un’estetica fredda ma magnetica, in bilico tra Blade Runner e un sogno in 3D. Ogni inquadratura è un manifesto visivo di equilibrio e controllo.

Ma a rendere Tron: Legacy un’esperienza ipnotica è soprattutto la colonna sonora dei Daft Punk: una sinfonia elettronica che si intreccia con l’orchestra classica, trasformando l’azione in coreografia, il movimento in ritmo. È uno di quei casi rari in cui la musica non accompagna il film — lo domina.

Jeff Bridges offre una doppia performance intrigante, tra il padre stanco e il dittatore digitale; Olivia Wilde, nei panni di Quorra, aggiunge fascino e sensibilità a un mondo disumano; mentre Hedlund tiene il centro con una fisicità energica ma controllata.

I limiti dietro la perfezione

La debolezza di Tron: Legacy sta nel suo cuore narrativo. Dietro la grandiosità visiva si nasconde una storia convenzionale: padre e figlio, creatore e creatura, ribellione e perdono. Il film preferisce la forma alla sostanza, sacrificando l’emozione per la coerenza grafica. Il risultato è un’opera di grande impatto, ma fredda, più da contemplare che da vivere.

Eppure, proprio in questa freddezza c’è la sua identità. Tron: Legacy non vuole essere realistico — vuole essere un sogno elettronico. E come i sogni, non si spiegano: si ricordano per immagini e suoni.

Pro & Contro

Punti di forza	Debolezze
Estetica visiva unica, un’esperienza sensoriale	Narrazione convenzionale e prevedibile
Colonna sonora dei Daft Punk leggendaria	Dialoghi a volte deboli o troppo didascalici
Ottima costruzione del mondo digitale	Personaggi secondari poco sviluppati
Fascino visivo e concettuale che resiste nel tempo	Emozione sacrificata alla forma

Valutazione: ★★★★☆ (4/5)

Curiosità

• I Daft Punk compaiono nel film come DJ nella scena del club “End of Line”.

• Per creare CLU, è stato usato uno dei primi sistemi di de-aging digitale applicato a un intero personaggio.

• Il regista Joseph Kosinski dirigerà poi Top Gun: Maverick, dove perfezionerà la sua visione tecnica e spettacolare.

• Tron: Legacy è oggi considerato un film di culto per estetica e colonna sonora, più che per la trama.

Disponibile per lo streaming in alta definizione 4K

Questa sfida crudele diventa il motore di un viaggio nell’oscurità interiore, dove i fantasmi del passato si rivelano più letali degli spettri esterni. Le regole del patto tremano al confronto con i ricordi, le colpe e le necessità che Polly cerca di sopprimere. Ogni scelta rivela ferite nascoste, e ogni rifiuto serrato sembra un passo verso l’abisso.

Dakota Fanning dà corpo a una figura tormentata: non soltanto vittima, ma combattente contro i suoi incubi, obbligata a guardare ciò che reprime da anni. La regia di Bryan Bertino ruba spazio alla logica: la casa diventa un labirinto di echi, voci, rumori che non sai riconoscere come reali o immaginati. Le sequenze sono costruite con tensione crescente, ma l’effetto è più che visivo: è psicologico, viscerale.

Tuttavia, Vicious mostra anche imperfezioni. Alcuni momenti faticano a mantenere il ritmo, simboli troppo allargati si appoggiano su metafore non sempre lucidissime, e quando si alza il sipario sull’orrore, la conclusione perde parte della tensione accumulata. È come se il film avesse il coraggio di entrare nella ferita, ma esitasse nel lasciare che il sangue parlasse fino in fondo.

Nonostante queste cadute, ciò che resta è forte: un’esperienza che non urla con mostri, ma sussurra con le proprie paure. Vicious è un film che diventa tuo quando il buio chiude la porta e ti costringe a scegliere cosa sei disposto a perdere per restare vivo.

Pro & Contro

Punti di forza	Limiti
Atmosfera claustrofobica e disturbante	Alcune sequenze rallentano il ritmo
Protagonista con vulnerabilità e forza	Simboli e metafore a volte troppo espliciti
Tensione crescente senza orrore gratuito	Il finale lascia interrogativi più che risposte
Elemento psicologico dominante, non solo visivo	Alcuni personaggi secondari rimangono poco caratterizzati

Valutazione: ★★★★☆ (4/5)

Disponibile per lo streaming in alta definizione 4K

La protagonista è Lo (Laura Blacklock), giornalista coraggiosa che, in cerca di una storia forte, accetta un incarico su una nave di lusso. Lì, la sua routine da reporter si trasforma in incubo: quando testimonia un crimine, tutti — equipaggio e passeggeri — negano che l’evento sia accaduto. La cabina numero 10, simbolo dell’evento oscuro, diventa il nodo intorno al quale ruotano bugie, ambizioni e identità celate.

Keira Knightley veste Lo con determinazione: non una vittima passiva, ma una donna che insiste sul punto quando tutti gli indizi dicono il contrario. Guy Pearce è il ricco proprietario dello yacht, con segreti che gravano come ombre sulla sua gentilezza apparente. Alla tensione del plot si affiancano ambienti lussuosi, corridoi lustri e un’ambientazione marina che spinge il mistero verso l’isolamento.

Il ritmo è teso all’inizio, ma verso la fine inciampa: colpi di scena già anticipabili, momenti di certezza che si sgretolano, twist che emergono quasi per inerzia. La sceneggiatura si appoggia spesso su personaggi archetipici — l’artista in crisi, il medico ambiguo, il partner che sa più di quello che dice — e su dialoghi che talvolta appaiono costruiti per spingere la macchina del thriller, più che per approfondire il carattere. Alcune scelte narrative rallentano l’impeto iniziale, e il finale fatica a mantenere la tensione accumulata.

Ma La donna della cabina numero 10 non è senza meriti. Ha il coraggio del punto di vista femminile in un thriller che spesso tende al voyeurismo, tiene accesa la curiosità nel mare dell’illusione e dei rifiuti. E, almeno all’inizio, riesce a fare del dubbio il suo atto più disturbante.

Pro & Contro

Punti di forza	Limiti
Atmosfera claustrofobica in mare aperto	Twist finali poco originali
Protagonista forte che insiste nella verità	Personaggi secondari spesso stereotipati
Buona dose di tensione, soprattutto nella prima parte	Rallentamenti in alcuni momenti
Situazione credibile quanto basta a far vacillare la realtà	Finale che perde qualcosa in coerenza

Valutazione: ★★★☆☆ (3/5)

Disponibile per lo streaming in alta definizione 4K

Hirayama — interpretato con grazia e umiltà da Kōji Yakusho, premiato a Cannes come miglior attore — è un uomo che vive nel presente. Non lo dice mai, ma lo respira. Osserva gli alberi, la luce che filtra, i visi che incontra per pochi secondi. Ogni cosa, per lui, è degna di attenzione. È un film che non spiega, mostra. E nel mostrare, commuove.

La fotografia di Franz Lustig è un abbraccio visivo: colori morbidi, geometrie urbane, luce che diventa sentimento. Ogni inquadratura è composta con la cura di chi ama le cose piccole. Il sonoro – da Lou Reed a Patti Smith – accompagna i gesti quotidiani come se ogni canzone appartenesse a una memoria segreta.

Wenders parla di solitudine senza tristezza: quella scelta, quella che non è isolamento ma consapevolezza. Perfect Days non ha bisogno di conflitto, perché la tensione nasce dal silenzio. Quando, nel finale, un ricordo riemerge e la routine si incrina, il film non cerca spiegazioni: lascia che sia lo spettatore a capire che la vita non è altro che una somma di momenti imperfetti e perfetti allo stesso tempo.

È un film lento, sì. Ma chi riesce a rallentare, scopre qualcosa di prezioso: il valore dell’attenzione. Guardare il mondo come se fosse la prima volta.

Punti di forza e debolezze

Punti di forza	Debolezze
Regia contemplativa e profondamente umana	Ritmo estremamente lento, non per tutti
Interpretazione straordinaria di Kōji Yakusho	Mancanza di trama tradizionale
Fotografia e colonna sonora perfettamente in armonia	Qualche sequenza può apparire ridondante
Emozione pura senza bisogno di parole	Finale volutamente aperto e sospeso

Valutazione: ★★★★★ (5/5)

Curiosità

• Il film è stato nominato all’Oscar 2024 come miglior film internazionale.

• I bagni che Hirayama pulisce sono reali, progettati da architetti contemporanei per il progetto “The Tokyo Toilet”.

• Wenders ha dichiarato che l’idea gli è nata “camminando, osservando Tokyo al mattino, e pensando che la semplicità può essere rivoluzionaria”.

Guardalo in streaming 4k gratis su Altadefinizione

Non è una storia epica, ma un racconto intimo: non assiste a cataclismi, ma a gesti piccoli che rimangono. Pedro non diventa un eroe, ma un uomo che si scopre vulnerabile, che impara a chiedere aiuto, che si lascia toccare da ciò che non controlla. E Caramelo non è un animale da compagnia, ma un compagno che, con silenzio e fedeltà, restituisce speranza.

La regia di Diego Freitas mescola toni leggeri e ombre dolorose: il film non scade mai nella retorica, pur affrontando la malattia, la solitudine, il fallimento. E quando Pedro cucina, quando accarezza Caramelo, quando tenta di rialzarsi — quegli atti piccoli diventano epici. L’umorismo lieve e alcune battute alleggeriscono le lacrime che spuntano inevitabili.

Il film non è perfetto: la trama non sorprende chi ha visto molte storie simili, e certi momenti avrebbero potuto essere più “spinti” emotivamente. Ma è proprio nella misura che Caramelo vince: non pretende di essere memorabile, ma riesce a farsi ricordare. È un film che “parla piano”, ma a lungo.

Pro & Contro

Pro	Contro
La presenza del cane come vero personaggio, non espediente	Racconto già visto in molte sue varianti
Trattamento delicato del tema della malattia	Alcune scene emotive un po’ prevedibili
Momenti di luce e umorismo che mitigano la tensione	Non sempre la narrazione dà spazio a tutti i personaggi
Atmosfera onesta e sincera, senza forzature	Finale “pulito” che non osa troppo

Valutazione: ★★★★☆ (4/5)