La storia segue John Dutton (Kevin Costner), patriarca di un enorme ranch che lotta per difendere la propria terra da politici, speculatori, tribù native, ambientalisti, corporate e qualsiasi forza possa minacciare ciò che per lui è più sacro: il territorio che i Dutton proteggono da generazioni.
Ma Yellowstone non è una serie sulla terra: è una serie su tutto ciò che si è disposti a fare per difenderla.

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Trama e tematiche

La serie intreccia politica, famiglia, violenza e identità americana. Tra guerre territoriali, vendette, ricatti, amore complicato e polvere da sparo, i Dutton affrontano minacce sempre più grandi mentre cercando di rimanere uniti in un mondo che cambia a velocità brutale.

Temi centrali:

• Famiglia e lealtà: spesso tossica, ma indistruttibile.

• Potere e corruzione: la terra è potere, e il potere è sempre sporco.

• Conflitto tra modernità e tradizione: l’America rurale contro l’America dei capitali.

• Giustizia “alla frontiera”: quando la legge non basta, a parlare è il ranch.

• Identità e memoria: cosa significa vivere in un territorio che esiste prima di te?

Ogni stagione amplia il conflitto, rendendo la storia sempre più epica e personale.

Cosa funziona

• Kevin Costner monumentale: perfetto nel ruolo del patriarca stoico che parla poco e pesa tutto.

• Paesaggi mozzafiato: il Montana diventa un personaggio vivo, magnifico e feroce.

• Tono epico e moderno allo stesso tempo: western contemporaneo senza sembrare retrò.

• Personaggi indimenticabili: Beth, Rip, Kayce, Jamie—ognuno con un proprio inferno personale.

• Scrittura intensa di Taylor Sheridan: dialoghi affilati, tensione costante, morale ambigua.

• Regia cinematografica: più vicina a un film di alto livello che a una serie TV tradizionale.

Cosa convince meno

• Ritmo a volte irregolare: alcuni episodi meditativi rallentano troppo.

• Toni spesso troppo machisti: certe dinamiche possono risultare pesanti.

• Alcune storyline ripetitive: specialmente quelle “nuovo nemico → guerra → resa dei conti”.

• Violenza frequente e non sempre necessaria: non è una serie “leggera”.

• Jamie Dutton a volte scritto in modo incoerente: grande potenziale, non sempre sfruttato.

Valutazione finale

Yellowstone è una serie che ha ridefinito il western moderno: potente, sporca, elegante e brutale.
Non cerca la simpatia—cerca l’impatto.
E ci riesce: tra conflitti familiari, tradimenti, alleanze improbabili e scenari che tolgono il fiato, Yellowstone conquista e diventa una dipendenza.

Può essere imperfetta, a tratti eccessiva o melodrammatica, ma raramente insignificante.

Voto: 8,5 / 10

Pro e Contro

Curiosità

• Ha generato un vero “Sheridan-verse” con spin-off e prequel.

• La serie ha contribuito a far impennare il turismo in Montana.

• Molti attori hanno svolto training reale da cowboy: cavalli, mandrie, corde e vere attività di ranch.

• Kevin Costner ha accettato solo dopo che gli fu garantita una narrativa epica e continua.

• Le scene nel ranch sono girate in una proprietà reale, uno dei più grandi ranch privati degli USA.

La protagonista, Mia, è una fotografa introversa che incontra Evan, uomo affascinante, perfetto, troppo perfetto. Quello che sembra un colpo di fulmine si rivela presto un gioco sporco, orchestrato da qualcuno che conosce Mia meglio di quanto lei vorrebbe.
Da lì in poi la storia corre verso un crescendo fatto di stalking digitale, segreti sepolti e una spirale di controllo quasi impercettibile… finché diventa letale.

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Trama e tematiche

Mia scarica Heart Eyes, un’app di incontri che promette “match emotivi scientifici basati sui micro-espressivi del volto”.
Quando conosce Evan, tutto sembra filare liscio: è presente, comprensivo, brillante, affettuoso.

Troppo affettuoso.

L’amore lampo si trasforma in un’ombra costante: messaggi continui, apparizioni non richieste, coincidenze inquietanti.
Mia scopre che Evan potrebbe non essere chi dice di essere. E che qualcuno sta usando la tecnologia per osservare, prevedere e manipolare le sue scelte.

Temi principali:

• la vulnerabilità digitale del mondo degli appuntamenti

• amore romantico vs ossessione patologica

• identità online come maschera

• controllo emotivo attraverso algoritmi

• gaslighting e dipendenza affettiva

Cosa funziona

• Atmosfera in evoluzione: parte soft, poi il thriller cresce come un’onda che non avevi visto arrivare.

• La protagonista è credibile: Mia è fragile ma non ingenua, e la sua crescita è uno dei punti forti.

• Riflessione moderna sulle app di dating: mostra la faccia oscura dell’algoritmo sentimentale.

• Suspense crescente: il film ingrana veramente negli ultimi 45 minuti.

Cosa convince meno

• Antagonista un po’ archetipico: Evan funziona, ma non sempre sorprende.

• Finale un po’ troppo “ordinato”: dopo tanta tensione, la chiusura risulta prevedibile.

• Alcuni dialoghi troppo esplicativi: spiegano cose che si potevano intuire visivamente.

• Secondari sottoutilizzati: amici e colleghi appaiono e spariscono senza peso reale.

Valutazione finale

Heart Eyes – Appuntamento con la morte è un thriller romantico che sa come giocare con le aspettative: inizia come un film da domenica pomeriggio, finisce come un incubo lucido e inquietante.
Non è perfetto, ma funziona: intrattiene, tiene col fiato corto nella seconda metà e lascia una domanda che punge più di ogni colpo di scena.

Quanto siamo davvero protetti quando cerchiamo amore online?

Voto: 7 / 10

Pro e Contro

Curiosità

• il titolo “Heart Eyes” è ispirato all’emoji con gli occhi a cuore, usata nell’app come simbolo dei match “perfetti”.

• Gran parte delle riprese utilizza schermi, chat e notifiche come elementi diegetici.

• Il film gioca volutamente con il contrasto tra luce calda da rom-com e palette fredda da thriller

Non è una serie di fantasia: è un “documentario di qualcosa che non possiamo più filmare”, costruito con lo stesso rigore dei documentari sugli animali vivi.
Il risultato è un viaggio nel Cretaceo talmente realistico da risultare emozionante, educativo e quasi… nostalgico.

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Stagione 1 – L’impatto rivoluzionario

La prima stagione introduce il pubblico in un mondo dove i dinosauri non sono creature da blockbuster, ma animali veri: mangiano, curano i piccoli, migrano, combattono, costruiscono nidi, mostrano rituali, corteggiamenti, strategie di sopravvivenza.

La CGI è così avanzata da mimetizzarsi con ambienti reali, e Attenborough dona autorevolezza a ogni scena.
È una stagione più naturalistica che narrativa, pensata per stupire e insegnare.

Punti forti della Stagione 1:

• Effetti digitali straordinari

• Ricostruzioni scientifiche credibili

• Tono elegante e rispettoso della materia

• Ritmo “documentaristico” puro

Punti deboli della Stagione 1:

• Meno dinamica di altre stagioni

• Zero trama continua

• Qualche episodio più lento

Stagione 2 – Più specie, più azione, più varietà

La seconda stagione amplia il respiro narrativo: nuovi ecosistemi, nuovi predatori, nuove interazioni sociali.
È più spettacolare della prima, con scene più complesse e comportamenti mai mostrati nei media mainstream.

Le ambientazioni diventano più estreme — deserti, coste ventose, foreste fitte — e la regia assume toni più cinematografici.
Pur mantenendo rigore scientifico, questa stagione osa di più e diverte di più.

Punti forti della Stagione 2:

• Più dinamica e ritmata

• Nuovi dinosauri memorabili

• Maggior cura dell’emotività animale

• CGI ulteriormente migliorata

Punti deboli della Stagione 2:

• Meno effetto sorpresa rispetto al debutto

• Qualche segmento che ricicla idee della prima stagione

Stagione 3 – La più ambiziosa e matura

La terza stagione è il vero punto di arrivo: più emozionale, più complessa, più audace.
Qui non si raccontano solo animali, ma storie naturali vere e proprie: rivalità, migrazioni, lotte di potere, strategie riproduttive raffinate, perfino piccoli drammi familiari.

La CGI raggiunge un livello di fotorealismo impressionante, con attenzione ai dettagli minuscoli: piume, pelle, umidità, l’acqua che si rompe sotto le zampe dei dinosauri.

È la stagione più “narrativa”, più poetica e più coinvolgente.

Punti forti della Stagione 3:

• Più emozionante e cinematografica

• Ecosistemi e specie mai visti prima

• Storie naturali avvincenti

• Qualità visiva al massimo

Punti deboli della Stagione 3:

• Qualche scelta narrativa meno scientifica

• Richiede attenzione (meno “family-friendly”)

Valutazione complessiva

Pianeta Preistorico è un capolavoro per chi ama la natura, i dinosauri e la divulgazione scientifica.

Le tre stagioni formano un percorso completo:

• Stagione 1 → scoperta

• Stagione 2 → espansione

• Stagione 3 → maturità

Dal primo mosasauro alla migrazione dei titanosauri, dall’accudimento dei cuccioli al comportamento dei predatori piumati, tutto è costruito per essere vero, non “spettacolare” per forza.

È una serie che lascia il segno perché tratta animali estinti con la stessa dignità e complessità degli animali vivi.

Voto complessivo: 9 / 10

Pro e Contro (Generali delle 3 stagioni)

Curiosità

• Le animazioni sono costruite con un team misto di paleontologi, zoologi e tecnici VFX.

• Ogni specie è ricostruita sulla base delle più recenti scoperte scientifiche.

• È la prima serie a mostrare dinosauri piumati in modo realistico e non caricaturale.

• Il progetto nasce per “far vedere la natura che non possiamo più osservare”.

Il film gioca su due piani temporali — passato e presente — e usa la memoria e la nostalgia come fili invisibili che uniscono i protagonisti. È una storia che parla di attese, di scelte e di quanto sia fragile ma potente una scintilla sopita.

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Trama e tematiche

Bilge è una donna pragmatica, determinata, abituata a decidere con la testa; Can è un uomo dalla mente curiosa, romantica, innamorata del passato e delle tracce che lascia. Il loro primo incontro — carico di innocenza, speranza e vulnerabilità — resta nella memoria, ma la vita li porta lontano. Quando il destino li fa rincontrare, emergono dubbi, rimpianti, ma anche la speranza che quell’incontro ancestrale non fosse un errore.

Temi principali:

• il tempo che separa e che può riunire

• memoria, identità e nostalgia

• scelte di vita vs sentimenti veri

• seconda opportunità e destino

• l’amore come “desiderio sospeso” che attende il momento giusto

Cosa funziona

• Il cast principale ha chimica e intensità emotiva: gli attori trasmettono bene la malinconia di due vite parallele.

• Struttura a due tempi efficace: passato/presente si alternano con delicatezza, dando profondità alla storia.

• Atmosfera romantica e sognante: la componente nostalgica e riflessiva è il vero punto di forza del film.

• Temi universali: amore, perdita, ricordi — elementi che parlano al cuore e trasversalmente a molti spettatori.

Cosa convince meno

• Prevedibilità della trama: chi ha visto decine di romance con “amore perduto → ritrovo” riconoscerà subito tutti i passaggi.

• Personaggi secondari poco caratterizzati: la storia rimane centrata su Bilge e Can, gli altri restano sullo sfondo.

• Ritmo un po’ dilatato: alcune scene di ricongiungimento e introspezione allungano la narrazione rispetto a quello che serve.

• Melodramma piuttosto marcato: non è un difetto per chi ama il genere, ma può risultare eccessivo per chi cerca realismo sobrio.

Valutazione finale

Due mondi, un desiderio è un film romantico perfetto per chi cerca una storia d’amore che sa di passato, rimpianto e speranza. Non è originale nella struttura, ma punta con onestà sul sentimento e sulla nostalgicità, e per questo può colpire.
È ideale per una serata “cuore”, con la giusta predisposizione al romantico e all’introspezione.

Voto: 6,5 / 10

Pro e Contro

Curiosità

• Il film è diretto da Ketche e vede nel cast principale Hande Erçel e Metin Akdülger.

• Il film usa il tema del desiderio espresso — o sussurrato — da bambini come metafora del destino che si riapre anni dopo.

La forza della serie non sta nelle sorprese (anche se ce ne sono), ma nella capacità di rendere universale ogni dettaglio dei Pearson: una cena, un litigio, un viaggio, un compleanno, perfino un silenzio.
Niente è banale se sai raccontarlo bene. E This Is Us lo racconta benissimo.

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Trama e tematiche

La storia ruota attorno ai Pearson, famiglia apparentemente ordinaria che diventa specchio di un’infinità di emozioni: identità, perdita, fragilità, razzismo, amore, maternità, adozione, destino e perdono.

La serie segue tre linee temporali:

• il passato, con Jack e Rebecca che crescono i Big Three

• il presente, con Randall, Kevin e Kate adulti alle prese con i propri bagagli emotivi

• il futuro, rivelato a frammenti, come un puzzle che si compone lentamente

Il risultato è un percorso emotivo che accompagna lo spettatore per sei stagioni, dove ogni episodio sa colpire con una sincerità disarmante.

Temi principali:

• famiglia come rifugio e come ferita

• trauma generazionale

• l’amore come scelta quotidiana

• identità personale e peso del passato

• imperfezione come normalità

Cosa funziona

• Personaggi tridimensionali e profondi: ognuno cresce davvero, sbaglia, crolla, risorge.

• Jack Pearson, uno dei padri televisivi più amati e meglio scritti degli ultimi decenni.

• Struttura narrativa brillante, con salti temporali che non sono mai gratuiti.

• Scrittura che colpisce al cuore, senza diventare stucchevole.

• Temi trattati con rispetto e maturità: malattia mentale, lutto, adozione, abuso di alcol, razzismo.

• Cast straordinario, da Milo Ventimiglia a Sterling K. Brown (premiato a più riprese).

Cosa convince meno

• Alcuni finali di episodio costruiti per far piangere: non sempre sottili.

• Picchi di melodramma nelle stagioni centrali.

• Qualche storyline riciclata (soprattutto per Kevin e Kate).

• Ritmo non sempre uniforme, soprattutto nel lungo arco delle sei stagioni.

Valutazione finale

This Is Us è una serie che cura qualcosa dentro.
Non ha bisogno di mostri, esplosioni o intrighi politici: mette al centro gli esseri umani, nella loro bellezza e nel loro disastro.

È un viaggio emotivo che insegna una cosa semplice e difficilissima:
nessuno è perfetto, ma tutti possiamo provare a essere migliori.

Una delle serie family-drama più riuscite del decennio.

Voto: 9 / 10

Pro e Contro

Curiosità

• In origine il progetto prevedeva otto figli invece dei Big Three.

• Jack non era inizialmente pensato come figura così centrale: è diventato il cuore pulsante della serie grazie alla reazione del pubblico.

• Le scene nel futuro sono state pianificate fin dalla stagione 2 per costruire un finale coerente.

• Sterling K. Brown (Randall) è stato il primo attore afroamericano a vincere un Emmy in quella categoria dopo vent’anni.

Il film cerca di reinventare la saga, concentrandosi sulle origini di Seiya e sulla nascita del suo ruolo come Cavaliere di Pegasus.
L’idea poteva funzionare: ripartire da un personaggio, renderlo centrale, raccontare un nuovo inizio.
Peccato che il risultato sia un action movie industriale, con poco cuore, poca mitologia e una comprensione superficiale di ciò che ha reso i Saint Seiya un fenomeno mondiale.

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Trama

Seiya è un giovane combattente di strada che scopre di possedere un potere misterioso, “il cosmo”, e viene trascinato in una guerra tra fazioni che proteggono o vogliono eliminare Lady Sienna, incarnazione della dea Atena.
Tra addestramenti, inseguimenti, armature tecnologiche e predestinazione, il film imbastisce un percorso dell’eroe piuttosto standard e poco ispirato.

Temi presenti, anche se solo accennati:

• Il cosmo come risveglio interiore

• Destino e sacrificio

• Protezione della dea come missione

• Amicizia e lealtà (qui quasi assenti, purtroppo)

• La crescita di Seiya come guerriero

Chi conosce l’anime e il manga nota immediatamente quanto manchi l’essenza emotiva e spirituale della saga originale.

Cosa funziona

• Alcune coreografie nei combattimenti sono ben gestite e dinamiche.

• L’estetica delle armature tenta una fusione tra stile moderno e richiami ai Cloth originali.

• Mackenyu (Seiya) porta presenza scenica e un minimo di intensità al protagonista.

• Il lato action è più solido del lato narrativo.

Cosa convince meno

• Storia impoverita: elimina quasi tutta la mitologia dei Cavalieri.

• Tono troppo occidentale: sembra un cinecomic qualunque, non Saint Seiya.

• Personaggi secondari inesistenti: Shiryu, Hyoga, Shun, Ikki? Non pervenuti.

• Villain poco sviluppati e minaccia generica.

• Armature troppo “Power Rangers” nell’estetica e nel montaggio.

• Pacing disomogeneo: parte lenta, finale affrettato.

Valutazione finale

I Cavalieri dello Zodiaco (2023) non è un disastro totale, ma è lontanissimo da ciò che i fan si aspettavano.
È un film che avrebbe potuto essere epico, ma si accontenta di essere un action fantasy medio, con ambizioni più produttive che artistiche.

Non cattura la spiritualità del cosmo, non esalta il legame tra Cavalieri, non valorizza la mitologia.
Eppure, paradossalmente, ha abbastanza buone intenzioni da farti sperare che un eventuale sequel — se mai dovesse accadere — possa imparare dagli errori.

Voto: 5,5 / 10

Pro e Contro

Curiosità

• Le armature sono più simili a esoscheletri che ai Cloth dell’anime: scelta voluta per un look più “occidentale”.

• Il film avrebbe dovuto essere l’inizio di un universo cinematografico, ma l’esito critico e commerciale ha congelato i piani.

• Solo pochi elementi richiamano davvero l’opera originale, come il simbolismo di Pegasus e l’idea del cosmo.

• Le riprese hanno privilegiato combattimenti ravvicinati e set chiusi per contenere i costi.

Dimenticate il Pinguino caricaturale del passato: qui abbiamo un uomo ambizioso, intelligente, implacabile e sorprendentemente umano nella sua fame di riconoscimento. Colin Farrell è irriconoscibile e gigantesco, letteralmente magnetico: il suo Oz è un outsider che scala il sottobosco criminale senza mai perdere l’eleganza… né la ferocia.

La serie è cupa, densa, sporca. Racconta Gotham non come un teatro gotico, ma come un mondo reale, brutale, senza glamour: solo potere, soldi, dolore e sopravvivenza.

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Dopo l’alluvione vista in The Batman, la città è un caos totale. Le vecchie famiglie criminali sono allo sbando, la polizia è corrotta quanto prima e la criminalità vive un momento di transizione.
Cobblepot vede l’occasione della vita: trasformarsi da “tirapiedi” della mafia a figura dominante dei nuovi equilibri criminali.

La serie esplora:

• l’ascesa nel crimine organizzato

• le origini del potere

• l’ambizione come arma e condanna

• la famiglia, quella di sangue e quella criminale

• la città come creatura viva

Non c’è supereroismo, non c’è Batman (o quasi): c’è solo Gotham e i suoi predatori.

Cosa funziona

• Colin Farrell immenso: trasforma Cobblepot in un boss credibile, ambiguo, carismatico.

• Atmosfera criminale autentica: Gotham sembra una versione ancora più sporca di Chicago anni ’70.

• Ritmo serrato, tensione costante: ogni episodio spinge Oz più in alto e più vicino al baratro.

• Scrittura matura: dialoghi affilati, alleanze instabili, politica mafiosa credibile.

• Regia cinematografica: taglio noir, fotografia cupissima, estetica in linea con The Batman.

Cosa convince meno

• Tono molto cupo: richiede attenzione e non concede mai leggerezza.

• Violenza grafica frequente: non per tutti.

• Alcune sottotrame si dilungano: soprattutto quelle politiche.

• Poco Batman → qualcuno potrebbe sentirne la mancanza.

Valutazione finale

The Penguin è uno dei prodotti più maturi mai usciti dal mondo di Gotham.
È un gangster drama feroce, con un protagonista complesso che oscilla tra vittima e carnefice, tra ambizione e autodistruzione.
Non ha la spettacolarità degli eroi in maschera, ma ha una cosa che pochi adattamenti di fumetti riescono ad avere: realismo emotivo e criminale.

Se amate il lato oscuro, terreno e politico della città di Batman, questa serie è un must assoluto.

Voto: 8,5 / 10

Pro e Contro

Curiosità

• Colin Farrell ha mantenuto diverse abitudini del personaggio anche fuori dal set per non uscire dal mindset criminale.

• La serie funge da ponte diretto verso The Batman – Part II.

• È stata girata interamente con lo stesso mood visivo del film: luci basse, pioggia, neon sporchi e quartieri degradati.

• Il Pinguino è stato pensato più come protagonista da serie crime (alla Sopranos) che come villain classico.

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Cast e Regia

Il film è diretto da Darren Aronofsky, maestro del cinema psicologico, che questa volta sorprende con un approccio più ironico e movimentato. Al fianco di Butler troviamo Zoë Kravitz, Regina King, Liev Schreiber, Vincent D’Onofrio, Matt Smith, Bad Bunny e altri interpreti che contribuiscono a rendere la storia corale, ricca di personalità e contrasti.

Stile e Atmosfera

Aronofsky abbandona momentaneamente i toni cupi e introspettivi dei suoi lavori più celebri per abbracciare lo stile del crime caper pulp. New York diventa un vero personaggio: sporca, rumorosa, pulsante, con un ritmo narrativo serrato che alterna momenti di ironia a esplosioni di violenza. L’estetica richiama Scorsese e il cinema anni ’90, ma con la cifra stilistica personale del regista.

Voto

★★★½ / 5

Pro e Contro

Pro

• Atmosfera pulp originale e coinvolgente

• Cast di grande livello, con un Austin Butler convincente

• New York resa viva e protagonista assoluta

Contro

• Trama a volte troppo densa e affollata

• Alcuni personaggi secondari risultano stereotipati

• Il tono ibrido può spiazzare chi si aspetta un thriller più lineare

Curiosità

• Il film è tratto dal romanzo Caught Stealing di Charlie Huston, il primo di una trilogia.

• Il progetto è stato avviato già nel 2013 con un team diverso, ma solo nel 2024 ha preso forma con Aronofsky e Butler.

• La colonna sonora porta la firma di Rob Simonsen in collaborazione con la band Idles, scelta che amplifica l’energia del film.

Al centro della storia ci sono il chirurgo plastico Robert Ledgard (Antonio Banderas) e Vera, una donna rinchiusa nella sua villa-laboratorio, avvolta in una seconda pelle sintetica che lui stesso le ha impiantato.
Ma questa è solo la superficie: ciò che nasconde il film è molto più oscuro, più crudele, più tragico.

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Trama e tematiche

Dopo aver perso la moglie in un incendio, Ledgard si ossessiona con la creazione di una pelle artificiale in grado di resistere al fuoco.
Quando scopre l’identità del rapitore e presunto stupratore della figlia, decide di vendicarsi… ma a modo suo.
La vendetta diventa un progetto chirurgico, scientifico, perverso: un atto di distruzione psicologica e identitaria che va oltre la violenza fisica.

Temi principali:

• identità e corpo

• trasformazione forzata

• vendetta e follia

• desiderio come controllo

• la pelle come prigione e come maschera

Il film non parla solo di cosa ci rende “noi stessi”, ma di quanto sia fragile la nostra identità quando altri possono manipolarla.

Cosa funziona

• Antonio Banderas magnetico: glaciale, misurato, inquietante, in una delle sue migliori interpretazioni.

• Atmosfera elegante e velenosa: colori saturi, ambientazioni curate, tensione palpabile in ogni inquadratura.

• Il colpo di scena: agghiacciante, perfettamente dosato, impossibile da dimenticare.

• La scrittura di Almodóvar: sofisticata, malata e poetica allo stesso tempo.

Cosa convince meno

• Tono molto cupo: non è un film facile, né digeribile da tutti.

• Alcune sequenze sgradevoli: volutamente disturbanti, possono risultare eccessive per un pubblico sensibile.

• Ritmo a tratti irregolare: alcuni passaggi sono volutamente lenti e contemplativi.

• Morbidità della trama: non tutti reggono un livello di manipolazione psicologica così alto.

Valutazione finale

La pelle che abito è un viaggio nella follia, nella vendetta e nella distruzione dell’identità umana.
È un film esteticamente bellissimo e moralmente devastante, che rimane nella testa per giorni.
Almodóvar costruisce un’opera d’arte disturbante che non scende mai a compromessi.

Voto: 8,5 / 10

Pro e Contro

Curiosità

• Il film è ispirato al romanzo Tarantula di Thierry Jonquet.

• Segna la reunion cinematografica tra Almodóvar e Banderas dopo oltre vent’anni.

• La villa-laboratorio, con le sue linee fredde e colori saturi, è diventata iconica per il contrasto tra bellezza e orrore.

• Almodóvar considera questo film la sua opera più “crudele”.

È una commedia d’azione pensata per famiglie, con il mix “padre che protegge”, “figlia indipendente”, “minacce che tornano” e un viaggio che diventa missione. Il tono è leggero, a tratti troppo, ma concede momenti spettacolari che rischiano però di risultare privi di vera energia.

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Trama e tematiche

Dan Morgan ha voltato pagina: non più solo assassinato segreto, ora vuole essere padre presente, marito affidabile e famiglia in vacanza. Ma la vacanza in Europa si trasforma in campo di battaglia quando un uomo del suo passato (Kit Harington) emerge e costringe i Morgan a combattere per stare insieme.

Temi chiave:

• la famiglia come primo nemico e poi prima alleata;

• il passato che non muore mai, anche se credi di averlo lasciato alle spalle;

• la vacanza perfetta che esplode in caos;

• protezione vs fiducia: quanto puoi controllare la vita dei tuoi figli?

L’ambientazione europea regala freschezza: Londra a Natale, Parigi che corre — ma la sceneggiatura fatica a sfruttare a pieno tutto il potenziale.

Cosa funziona

• Mark Wahlberg nei panni del padre/eroe familiare: tiene la scena, ha carisma, mostra padronanza del ruolo.

• Location europee spettacolari: girato tra Londra e Parigi, l’ambiente rende il film più cinematografico.

• Momenti di azione visivamente efficaci: sequenze su autobus panoramici, inseguimenti, panorami festivi. 

• Accessibile per la famiglia: il tono generale è quello di “azione leggera + risate + momenti emotivi”.

Cosa convince meno

• Trama troppo prevedibile: sequel che ripete formule già viste.

• Humor e colpi di scena poco incisivi: sembra più “prodotto” che originale.

• Personaggi secondari poco caratterizzati: si concentra quasi esclusivamente su Dan e famiglia.

• Contrasti tonali stridono: vacanza natalizia + rapine + minacce possono risultare poco credibili come mix.

Valutazione finale

The Family Plan 2 è un film che farà felice chi vuole una serata leggere con la famiglia, pronto per popcorn e relax — ma non è una “azione-commedia” che cambia le carte in tavola.
Se cercate originalità e grandi sorprese, rischiate di uscire un po’ insoddisfatti. Se volete ritmo, location belle e Mark Wahlberg che protegge la sua famiglia… allora sì, è una scelta abbordabile.
Voto: 6 / 10

Pro e Contro