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Prodotta e in parte diretta da David Fincher, Mindhunter non è solo una serie poliziesca, ma un laboratorio psicologico. Ambientata alla fine degli anni ’70, segue la nascita dell’unità di analisi comportamentale dell’FBI, quella che introdurrà il termine “serial killer” nel linguaggio comune. I protagonisti — Holden Ford (Jonathan Groff), Bill Tench (Holt McCallany) e la psicologa Wendy Carr (Anna Torv) — costruiscono, interrogazione dopo interrogazione, un metodo che cambierà per sempre il modo di indagare il male.

Il punto di forza della serie è che non mostra la violenza, la fa immaginare. Non c’è bisogno di sangue, perché è tutto nella parola: nei racconti disturbanti dei killer, nella tensione delle interviste, nel silenzio delle sale d’interrogatorio. Fincher orchestra con il suo stile chirurgico: luci fredde, inquadrature simmetriche, ritmo lento e ossessivo. È un’estetica della mente, più che del crimine.

Ogni episodio scava più a fondo — nei delitti, ma anche nei protagonisti. Holden si perde nella fascinazione per i mostri che studia, Bill Tench ne paga il prezzo nella vita privata, Wendy lotta con l’istituzione che non accetta la sua intelligenza. La serie diventa così una riflessione sul limite: quanto puoi entrare nel buio senza restarne contaminato?

Purtroppo, dopo due stagioni, Mindhunter si è fermata — vittima dei costi di produzione e del perfezionismo di Fincher. Ma anche così, resta una delle serie più eleganti e disturbanti mai prodotte da Netflix: rigorosa come un manuale, inquietante come un sogno che non riesci a dimenticare.

Punti di forza e debolezze

Punti di forza	Debolezze
Regia e fotografia d’autore firmate Fincher	Ritmo lento, che può stancare chi cerca azione
Dialoghi intensi e scrittura raffinata	Mancanza di una vera conclusione narrativa
Interpretazioni impeccabili di tutto il cast	Atmosfera costantemente cupa e distante
Approccio realistico, quasi documentaristico	Richiede attenzione: non è una serie “di sottofondo”

Valutazione: ★★★★★ (5/5)

Curiosità

• Il personaggio di Holden Ford è ispirato all’agente reale John E. Douglas, uno dei fondatori dell’unità di analisi comportamentale.

• Le interviste ai killer nella serie sono tratte da trascrizioni reali.

• Fincher ha girato la maggior parte delle scene con luci naturali o fluorescenti per rendere l’atmosfera più “claustrofobica”.

• Tra gli attori che interpretano serial killer, spicca Cameron Britton, che veste i panni di Edmund Kemper: una performance inquietante e magistrale.

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La serie non lesina sull’azione, ma è nei momenti di silenzio che mostra il suo coraggio: la fatica nei passi, la paura negli occhi, la tensione tra dover fare male e voler proteggere. Le battaglie magiche hanno impatto, ma la vera battaglia è quella interiore: Néro che cerca una via in un mondo dove il dubbio è più letale di una spada.

Il cast regge bene il peso della storia; Pio Marmaï emerge quando la scrittura gli lascia spazio, ma è anche tra le vittime di un intreccio che a volte si infoltisce troppo. Il mondo costruito è ricco, ma non sempre coerente: mitologia, politica, fede e vendetta si annodano tra loro con qualche inciampo. Ci sono episodi che scorrono con ritmo, altri dove la tensione cala, e alcune arcate narrative secondarie paiono contorno più che contributo.

Ma è nei risvegli emotivi che Néro lascia il segno: quando Néro bacia la sua figlia come se potesse riparare gli anni persi; quando lo sguardo del tradito incontra la crudeltà dell’industria del potere; quando, infine, ogni ombra getta un riflesso sull’anima. È una serie che non promette facili redenzioni ma si costruisce sulle crepe.

Pro & Contro

Punti di forza	Limiti
Ambientazione cupa e suggestiva	A volte la mitologia appare confusa o poco spiegata
Tensione emotiva e conflitto paterno credibile	Alcuni episodi rallentano troppo
Azione, magia e battaglie ben montate	Personaggi secondari che restano nell’ombra
Momenti silenziosi che feriscono più delle battaglie	Alcune battute narrative prevedibili

Valutazione: ★★★★☆ (3.5–4 / 5)

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Hirayama — interpretato con grazia e umiltà da Kōji Yakusho, premiato a Cannes come miglior attore — è un uomo che vive nel presente. Non lo dice mai, ma lo respira. Osserva gli alberi, la luce che filtra, i visi che incontra per pochi secondi. Ogni cosa, per lui, è degna di attenzione. È un film che non spiega, mostra. E nel mostrare, commuove.

La fotografia di Franz Lustig è un abbraccio visivo: colori morbidi, geometrie urbane, luce che diventa sentimento. Ogni inquadratura è composta con la cura di chi ama le cose piccole. Il sonoro – da Lou Reed a Patti Smith – accompagna i gesti quotidiani come se ogni canzone appartenesse a una memoria segreta.

Wenders parla di solitudine senza tristezza: quella scelta, quella che non è isolamento ma consapevolezza. Perfect Days non ha bisogno di conflitto, perché la tensione nasce dal silenzio. Quando, nel finale, un ricordo riemerge e la routine si incrina, il film non cerca spiegazioni: lascia che sia lo spettatore a capire che la vita non è altro che una somma di momenti imperfetti e perfetti allo stesso tempo.

È un film lento, sì. Ma chi riesce a rallentare, scopre qualcosa di prezioso: il valore dell’attenzione. Guardare il mondo come se fosse la prima volta.

Punti di forza e debolezze

Punti di forza	Debolezze
Regia contemplativa e profondamente umana	Ritmo estremamente lento, non per tutti
Interpretazione straordinaria di Kōji Yakusho	Mancanza di trama tradizionale
Fotografia e colonna sonora perfettamente in armonia	Qualche sequenza può apparire ridondante
Emozione pura senza bisogno di parole	Finale volutamente aperto e sospeso

Valutazione: ★★★★★ (5/5)

Curiosità

• Il film è stato nominato all’Oscar 2024 come miglior film internazionale.

• I bagni che Hirayama pulisce sono reali, progettati da architetti contemporanei per il progetto “The Tokyo Toilet”.

• Wenders ha dichiarato che l’idea gli è nata “camminando, osservando Tokyo al mattino, e pensando che la semplicità può essere rivoluzionaria”.

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Non è una storia epica, ma un racconto intimo: non assiste a cataclismi, ma a gesti piccoli che rimangono. Pedro non diventa un eroe, ma un uomo che si scopre vulnerabile, che impara a chiedere aiuto, che si lascia toccare da ciò che non controlla. E Caramelo non è un animale da compagnia, ma un compagno che, con silenzio e fedeltà, restituisce speranza.

La regia di Diego Freitas mescola toni leggeri e ombre dolorose: il film non scade mai nella retorica, pur affrontando la malattia, la solitudine, il fallimento. E quando Pedro cucina, quando accarezza Caramelo, quando tenta di rialzarsi — quegli atti piccoli diventano epici. L’umorismo lieve e alcune battute alleggeriscono le lacrime che spuntano inevitabili.

Il film non è perfetto: la trama non sorprende chi ha visto molte storie simili, e certi momenti avrebbero potuto essere più “spinti” emotivamente. Ma è proprio nella misura che Caramelo vince: non pretende di essere memorabile, ma riesce a farsi ricordare. È un film che “parla piano”, ma a lungo.

Pro & Contro

Pro	Contro
La presenza del cane come vero personaggio, non espediente	Racconto già visto in molte sue varianti
Trattamento delicato del tema della malattia	Alcune scene emotive un po’ prevedibili
Momenti di luce e umorismo che mitigano la tensione	Non sempre la narrazione dà spazio a tutti i personaggi
Atmosfera onesta e sincera, senza forzature	Finale “pulito” che non osa troppo

Valutazione: ★★★★☆ (4/5)

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Fin dai primi episodi, il racconto alterna scene di violenza asciutta e realistica a momenti di malinconia, in cui Billy guarda un orizzonte che sembra sempre più lontano. Non ci sono santi né mostri, solo uomini spinti oltre il limite.

La regia e la fotografia sono tra i punti più forti: polvere, luce, deserti e silenzi compongono un West che non è più quello romantico, ma quello dei disillusi. La serie è brava a togliere il superfluo, a non celebrare la leggenda ma a scavarla, fino a mostrare la verità più amara: dietro il nome che tutti ricordano c’è un ragazzo che voleva soltanto non morire anonimo.

Non mancano, però, i difetti: qualche episodio riempitivo, personaggi secondari poco sviluppati e alcune licenze narrative che alleggeriscono la tensione. Ma quando Billy the Kid colpisce, lo fa con una potenza visiva ed emotiva che riporta in vita lo spirito più autentico del western.

Pro & Contro

Punti forti	Limiti e debolezze
Ritratto umano e fragile dell’outlaw	Personaggi secondari poco approfonditi
Regia e fotografia straordinarie	Qualche episodio “riempitivo”
Azione intensa ma mai gratuita	Alcune scelte narrative forzate
Colonna sonora e atmosfera impeccabili	Ritmo altalenante nella seconda parte

Valutazione: ★★★★☆ (4/5)

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Trama: Lost Station Girls

Tra il 1995 e il 2001, quattro giovani donne scompaiono nei pressi della stazione ferroviaria di Perpignan, nel sud della Francia: di tre il corpo verrà ritrovato con mutilazioni, di una non si è mai avuta traccia.

Quello che sembra un caso sparso diventa, con il tempo, l’ossessione della poliziotta Flore Robin, che nel giorno del primo delitto entra in servizio e si trova legata al caso per vent’anni.

La serie francese, distribuita come Les Disparues de la Gare, si snoda in sei episodi di circa 45 minuti, e racconta non solo la caccia all’assassino, ma anche il peso del fallimento investigativo, il giudizio mediatico, la complicità silenziosa della società e il tormento personale di chi cerca risposte.

Camille Razat interpreta Flore con misura e determinazione: non è eroina perfetta, ma qualcuno che si consuma col caso, che sente il tempo scorrere mentre resta ferma. Accanto a lei, Hugo Becker e Mélanie Doutey portano le loro versioni dei parenti, dei sospetti, di chi è stato lasciato nel mito della sparizione.

Lo stile narrativo è sobrio, vicino al documentario, con uno sguardo che quasi “lamenta” le omissioni: non spettacolarizza la violenza, ma lascia che sia la quotidianità a mostrarla, nei silenzi, negli sguardi, nei corridoi della stazione. Le ambientazioni — Perpignan, Montpellier — sono riprese con toni desaturati, che restituiscono il senso di sospensione, di attesa che si dilata.

E quando l’assassino si mostra, non è in un momento esplosivo, ma più come un’ombra guastata e banale — ed è nella banalità del male che il racconto colpisce.

Pro & Contro

Pro	Contro
Narrazione che rispetta le vittime e non glorifica il killer	Alcuni episodi rallentano troppo, con poca tensione
Ritratto credibile della fatica investigativa e del dolore umano	Alcuni personaggi secondari restano in ombra
Stile visivo sobrio e atmosfere sospese	Le dinamiche investigative non sempre appaiono spiegate con chiarezza
Tensione emotiva che cresce senza ricorrere a colpi di scena forzati	La risoluzione può sembrare “già scritta” in parte

Valutazione: ★★★★☆ (4/5)

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La serie gioca con l’idea che ogni desiderio esaudito nasconda un prezzo, e che il vero incantesimo sia quello di affrontare le proprie paure. I momenti in cui Iblis cerca di piegare Ka-young, e quelli in cui lei resiste con freddezza totale, diventano specchi l’uno dell’altro. Magia, romanticismo e oscurità si mescolano fino a renderci incerti su chi manipoli chi.

La forza visiva è un punto a favore: luci notturne, atmosfere sospese, contrasti tra spazi vuoti e dettagli che sembrano pulsare di significato. Suzy in Ka-young e Kim Woo-bin in Iblis cercano di reggere da soli il peso narrativo — per quanto talvolta i dialoghi sfiorino l’enfasi, la chimica sottile tra gelo ed eros tiene viva la tensione.

La serie non è perfetta: alcune storyline secondarie arrancano, e il ritmo a volte pare rallentare nei periodi di introspezione. Ma chi entra in I desideri del genio per cercare più che magia — per cercare ferite, desiderio e controllo — troverà un mondo stratificato, capace di sorprendere.

Pro & Contro

Pro	Contro
Idea di base originale: un genio che non crede più nei desideri	Alcuni subplot secondari poco sviluppati
Ambientazioni e estetica suggestive	Ritmo altalenante nei momenti di introspezione
Chimica ambigua e tensione emotiva	Dialoghi che a volte scivolano nell’eccesso
Temi maturi: desiderio, identità, potere emotivo	Richiede attenzione: non è una serie da guardare distrattamente

Valutazione: ★★★★☆ (4/5)

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Nel frattempo, Charlie intreccia dialoghi su un forum automobilistico con un confidente anonimo, ignara che dall’altra parte della tastiera c’è proprio Beau. L’equilibrio fragile tra “chi sei” e “chi vuoi diventare” diventa la tensione centrale del film. Quando realtà e identità segreta si scontrano, quel sogno meccanico si trasforma in una commedia romantica fatta di malintesi, sfide economiche e sentimenti sinceri che emergono tra bulloni e smalto.

Lacey Uhlemeyer dirige con mano leggera un film che sa essere piuttosto “cono di comfort”: non vuole scardinare il genere, ma ti porta lì, nel suo mondo, con personaggi che vorresti fossero veri. Madelaine Petsch, nei panni di Charlie, regala energia e determinazione, ma resta – purtroppo – vincolata da battute e situazioni già viste. Jacob Scipio come Beau funziona se lo si prende per quel che è: un antagonista con charme, non un rivoluzionario. I dialoghi, a tratti, suonano un po’ teatralmente sovradimensionati, e quel gioco di “chi sei veramente?” è raccontato con delicatezza ma anche con poco rischio.

Il film prova a fare vedette: dare voce alle imprenditrici, capovolgere ruoli di genere, parlare della pressione aziendale. Ma non spinge davvero il fiato: restiamo spesso nella superficie del conflitto. Alcuni momenti risuonano, soprattutto quando Charlie si pregunta se il sogno valga la battaglia. Altri — i colpi di scena e le scenate emotive — rischiano invece di stridere per scollamento tra intenzione e realizzazione.

Pro & Contro

Pro	Contro
Ambientazione insolita e interessante: l’officina meccanica tutta al femminile	Trama prevedibile e poco sorprendente
Protagonista determinata con conflitti interni intriganti	Personaggi secondari poco sviluppati
Il tema dell’identità online vs reale ha potenziale	Dialoghi e situazioni che restano nella comfort zone del genere
Momenti romantici ben dosati e scenografia coerente	La rivalità “commerciale + identità segreta” è una combinazione già vista

Valutazione: ★★☆☆☆ (2.5 / 5)

La serie, prodotta da FX Australia e durata tre stagioni (2018–2021), è una delle opere più autentiche e minimali del crime moderno. Niente supercriminali, niente effetti speciali, niente dialoghi artificiosi: solo la vita quotidiana di un uomo che tenta di restare umano in un mondo che lo costringe a essere spietato.

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Stile e tono

Diretta da Nash Edgerton, Mr Inbetween trova la sua forza nella semplicità: episodi brevi (20–25 minuti), ritmo asciutto e una scrittura chirurgica. Ogni scena pesa, ogni battuta serve, ogni silenzio dice qualcosa.

L’atmosfera oscilla tra realismo urbano e ironia nera. C’è violenza, ma non spettacolarizzata; umorismo, ma mai gratuito. È una serie che preferisce suggerire piuttosto che mostrare, e proprio per questo resta impressa.

Cosa funziona

• Scott Ryan è straordinario: interpreta Ray con una calma glaciale, rendendolo insieme minaccioso e vulnerabile. È un antieroe credibile, complesso e umano.

• Scrittura eccellente: ogni episodio racconta un piccolo frammento di vita che, nel tempo, costruisce un ritratto profondo e realistico.

• Tono unico: la serie bilancia con naturalezza momenti di violenza e riflessione, senza mai risultare artificiosa.

• Umanità vera: Ray non è solo un killer — è un uomo che ama la figlia, si prende cura del fratello malato e cerca un senso nel caos.

Dove inciampa

• Durata limitata: con soli 26 episodi totali, la serie finisce proprio quando vorresti sapere di più.

• Stile minimalista: per chi cerca ritmo alto e azione continua, può sembrare lenta o “troppo silenziosa”.

• Alcune sottotrame accennate (come la vita sentimentale di Ray) potevano essere approfondite meglio.

Pro & Contro

Pro	Contro
Interpretazione magistrale di Scott Ryan	Poche puntate: si chiude troppo presto
Scrittura realistica e asciutta	Alcune sottotrame restano incomplete
Tono bilanciato tra violenza e ironia	Ritmo “calmo” per gli amanti dell’azione pura
Uno dei migliori crime recenti

Valutazione: ★★★★★ (5/5)

Scene memorabili

• La rissa nel parcheggio: violenza secca, senza fronzoli, puro realismo.

• Le scene con la figlia: momenti di tenerezza che spezzano il cinismo.

• Le conversazioni al bar con Gary: ironiche, surreali, ma rivelatrici.

• Il finale: sobrio, potente, e coerente con tutto ciò che la serie ha costruito.

Impressione finale

Mr Inbetween è un piccolo capolavoro nascosto. Una serie che non urla, ma colpisce nel profondo. Mostra il lato quotidiano del male, senza mai giudicarlo, e trasforma un sicario australiano in un personaggio universale.
Cruda, ironica, malinconica: un gioiello di scrittura e interpretazione che dimostra come il vero noir non ha bisogno di esagerare — basta mostrarci l’uomo dietro la maschera.

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Un concetto affascinante che però, nella pratica, si perde tra riscritture, tagli di montaggio e scelte di marketing. Il risultato? Un film pieno di potenzialità, ma frammentato e sbilanciato.

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Trama in breve

Dopo la morte di Superman, il governo americano decide di formare una task force composta da criminali dotati di abilità speciali. Amanda Waller (Viola Davis) seleziona il tiratore Deadshot (Will Smith), l’imprevedibile Harley Quinn (Margot Robbie), Captain Boomerang, Killer Croc, El Diablo e altri antieroi per affrontare una nuova minaccia soprannaturale.

Ma quando la missione degenera e la squadra scopre di essere solo pedina di un gioco più grande, i “cattivi” dovranno scegliere se comportarsi da eroi o restare ciò che sono sempre stati.

Stile e tono

David Ayer costruisce un film visivamente accattivante, con un’estetica punk, neon e musica rock continua. L’idea è chiara: portare nel mondo DC un’energia più caotica e ribelle.
Il problema è che, dietro la facciata, la narrazione crolla. Il montaggio spezza il ritmo, l’introduzione dei personaggi è eccessivamente lunga e la seconda parte scivola nel caos visivo.

Tuttavia, l’atmosfera resta unica: sporca, violenta e ironica. È un film che vuole essere sfrontato, ma finisce per sembrare trattenuto.

Punti di forza

• Margot Robbie è perfetta: la sua Harley Quinn è magnetica, folle e carismatica.

• Will Smith offre un Deadshot umano, che bilancia l’umorismo con un tocco emotivo.

• Colonna sonora iconica, con brani rock e hip hop che donano ritmo e stile.

• Alcuni momenti d’azione funzionano bene, specialmente nei conflitti tra i membri del team.

Limiti

• Trama confusa e villain poco incisivo (Incantatrice risulta debole e mal gestita).

• Eccessivo montaggio da videoclip, che sacrifica coerenza narrativa.

• Toni altalenanti: il film non sa se essere serio, ironico o grottesco.

• Pochi legami emotivi tra i personaggi, che restano figure stilizzate più che persone reali.

Pro & Contro

Pro	Contro
Cast carismatico e coinvolgente	Villain debole e trama poco chiara
Estetica punk e colonna sonora potente	Montaggio caotico e ritmo irregolare
Harley Quinn e Deadshot dominano la scena	Mancanza di coerenza tonale
Alcuni momenti d’azione ben riusciti	Finale prevedibile e poco d’impatto

Valutazione: ★★★☆☆ (3/5)

Scene memorabili

• La presentazione della squadra con i profili rapidi e ironici.

• Il rapporto tra Joker e Harley Quinn: tossico, passionale e visivamente potente.

• Il sacrificio di El Diablo, uno dei pochi momenti davvero emozionanti.

• Lo scontro finale: visivamente confuso, ma carico di tensione.

Impressione finale

Suicide Squad è un film che avrebbe potuto essere un punto di svolta per la DC, ma si perde nella sua stessa ambizione. Rimane un esperimento interessante, con momenti e personaggi memorabili, ma troppo instabile per lasciare un segno profondo.
Un cocktail di follia, colori e caos — gustoso all’inizio, ma che lascia un retrogusto amaro.