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Norimberga: il processo che ha cambiato la storia diventa cinema (ma senza rivoluzionarlo)

AltaAle — Tue, 30 Dec 2025 14:08:06 +0000

Ambientato all’indomani della Seconda guerra mondiale, Nuremberg segue le fasi cruciali del processo di Norimberga, il primo grande tribunale internazionale della storia moderna. Al centro del racconto ci sono magistrati, imputati e testimoni, chiamati a confrontarsi non solo con i crimini del nazismo, ma con il concetto stesso di giustizia, responsabilità e colpa collettiva.

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Norimberga è un film che affronta un tema enorme con un approccio volutamente sobrio. Niente spettacolarizzazioni, niente scene madri costruite per colpire lo spettatore a tutti i costi: il film sceglie la strada del rigore, quasi del rispetto reverenziale verso la Storia.

La messa in scena è classica, essenziale, dominata da interni, dialoghi serrati e lunghi confronti verbali. È un cinema che punta tutto sulla parola e sulle interpretazioni, più che sull’azione. Da questo punto di vista, il cast regge bene il peso del racconto, restituendo personaggi credibili, mai caricaturali, anche quando si tratta di figure storicamente odiate.

Il limite principale del film è proprio la sua impostazione estremamente tradizionale. Norimberga racconta ciò che è successo in modo corretto e ordinato, ma raramente riesce a trasformare il materiale storico in vero cinema memorabile. Alcune sequenze sembrano più illustrate che vissute, e il coinvolgimento emotivo resta spesso trattenuto, quasi controllato.

Dove il film colpisce davvero è nelle riflessioni etiche: la difficoltà di giudicare crimini mai affrontati prima, il confine sottile tra giustizia e vendetta, la necessità di creare un precedente giuridico per il futuro. Temi potentissimi, che emergono con chiarezza anche senza toni enfatici.

Norimberga è quindi un film importante, più che entusiasmante. Un’opera che informa, fa riflettere e rispetta la memoria storica, ma che difficilmente resterà impressa per scelte registiche o narrative particolarmente audaci.

Voto finale

★★★½☆ (7/10)

Pro e Contro

Pro

Approccio serio e rispettoso della materia storica
Dialoghi solidi e interpretazioni convincenti
Temi etici ancora attualissimi

Contro

Regia molto classica e poco incisiva
Ritmo lento e poco cinematografico
Scarso coinvolgimento emotivo

Curiosità

Il film si ispira a documenti storici e testimonianze reali del processo di Norimberga.
Molte scene sono state ricostruite fedelmente sulla base degli atti processuali originali.
È uno dei pochi film recenti a concentrarsi più sull’aspetto giuridico che su quello bellico del dopoguerra.

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Mrs Playmen – La vera storia dietro la rivista che scandalizzò l’Italia

AltaAle — Thu, 13 Nov 2025 13:23:06 +0000

La serie Mrs Playmen racconta l’incredibile vicenda di Adelina Tattilo, una donna che, in Italia negli anni ’70, prende in mano la direzione della rivista erotica Playmen dopo l’abbandono del marito, e trasforma un mensile per uomini in un simbolo di emancipazione culturale. Ambientata in una Roma ancora intrisa di moralismo e censura, la serie parte da una premessa provocatoria – l’erotismo come strumento di libertà – e ci trascina nello scontro tra costumi tradizionali e desiderio di rottura.

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Trama e tematiche

Dopo che il marito di Adelina scompare lasciando debiti e un’impresa editoriale sull’orlo del fallimento, Adelina si trova costretta a prendere le redini di Playmen. In un’Italia dove il divorzio è ancora un tabù e il ruolo della donna limitato, ella sfida le convenzioni e ridefinisce non solo l’erotismo ma anche il ruolo editoriale femminile. La serie esplora più di una rivista provocatoria: è la storia di una battaglia per la libertà, per il corpo, per la rappresentazione, per un’Italia che lentamente cambia. Tema centrale è allora la tensione tra la forma (la rivista, le foto, il nudo) e il contenuto (l’editoria, l’arte, il rischio), e come Adelina funge da ponte tra l’uno e l’altro.

Cosa funziona

Ambientazione e ricostruzione storica: gli anni ’70 italiani (cultura pop, censura, fermenti sociali) sono ben descritti e restituiscono un senso di epoca autentica.
Protagonista forte e complessa: Adelina Tattilo viene raffigurata come donna determinata, vulnerabile ma con visione, e l’interpretazione di Carolina Crescentini le dà una profondità che colpisce.
Tematica editoriale e culturale intrigante: la trasformazione della rivista da semplice oggetto di scandalo a laboratorio di idee è un’idea affascinante e poco vista.
Approccio equilibrato alla provocazione: la serie sa usare l’erotismo senza banalizzarlo; più riflessione che puro sensazionalismo.

Cosa convince meno

Tempistiche e ritmo altalenanti: in alcuni episodi la narrazione rallenta e i passaggi possono sembrare diluiti.
Aspettative vs realtà: chi cercava una rappresentazione più esplicita o scandalosa potrebbe restare deluso: la serie preferisce la suggestione alla spettacolarità.
Personaggi secondari meno sviluppati: alcuni comprimari vengono accennati ma non approfonditi, lasciando un senso di opportunità mancate.

Valutazione finale

Mrs Playmen è una serie audace e culturalmente rilevante, che mescola biografia, costume e editoria con eleganza. Non è perfetta – il ritmo a tratti vacilla e il taglio provocatorio non è estremo – ma risulta comunque una visione stimolante. Se vi incuriosisce la storia nascosta dietro la cultura pop italiana del dopoguerra, merita sicuramente uno sguardo.
Voto: 7,5 / 10

Pro e Contro

Pro	Contro
Ambientazione ben ricostruita negli anni ’70	Ritmo non sempre costante
Protagonista femminile forte e ispiratrice	Aspettative di “scandalo” ereditate dal soggetto non del tutto soddisfatte
Tematica originale e poco trattata in tv	Personaggi secondari poco approfonditi
Equilibrio tra provocazione e riflessione	Alcuni passaggi narrativi risultano prevedibili

Curiosità

La serie è ispirata alla storia vera di Adelina Tattilo, considerata una figura pionieristica nell’editoria erotica italiana.
La rivista Playmen fu fondata nel 1967 e arrivò in pochi anni a una circolazione molto elevata per l’epoca.
Pur incentrata sull’erotismo, la serie non punta al sensazionalismo fine a sé stesso, ma lo usa come lente per osservare la società e i cambiamenti culturali.
La produzione conta sette episodi ed è distribuita su Netflix dal 12 novembre 2025.

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Matogrosso (2025) – Il viaggio di una voce e un corpo liberi

AltaAle — Fri, 07 Nov 2025 11:45:40 +0000

In un Brasile segnato da dittatura, costumi rigidi e sovrastrutture, Ney Matogrosso emergente non suona come un uomo perfetto: suona come un urlo, un corpo che scardina una forma.
Il film “Matogrosso”, diretto da Esmir Filho, non si limita a narrare una carriera musicale — parla di identità, ribellione e trasformazione artistica.

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La storia segue Ney de Souza Pereira fin dalla giovinezza in una zona povera del Brasile, fino al suo salto nell’innovativa band Secos & Molhados, e oltre, alla conquista del palco come solista con voce da controtenore e presenza scenica androgina.
La sua ascesa avviene tra contrasti familiari, repressione politica, malattia, amore e rinascita. Un film dove la musica non è solo colonna sonora, ma linfa vitale, battito umano di una generazione che chiedeva liberazione.

Temi principali

Identità e liberazione: Ney non accetta ruoli precostituiti; trasforma il palco in zona di libertà.
Arte come riscatto: dalla provincia al globo, dalla repressione all’apertura.
Corpo e voce: l’immagine eccentrica e la voce unica diventano simboli di rottura.
Contesto politico: l’arte in un Brasile di dittatura, la musica come atto di resistenza.
Memoria e trasformazione: la carriera di Ney non è solo successo, è evoluzione.

Produzione, cast e stile

Il protagonista è Jesuíta Barbosa nei panni di Ney; un cast ricco di interpreti brasiliani di spicco. Il film è distribuito su Netflix in Italia e vanta una durata di circa 131 minuti.
Esteticamente, il film è sontuoso: costumi, scenografie, sequenze musicali che catturano il palcoscenico degli anni ’70 brasiliani e la metamorfosi di un artista. La regia alterna momenti contemplativi, concerti incandescenti e flashback emotivi.

Cosa funziona e cosa lascia perplessi

Punti di forza	Limiti
Interpretazione potente di Jesuíta Barbosa: corpo, voce, presenza visiva.	Alcune sezioni risultano più videoclip che racconto strutturato: ritmo irregolare.
Sequenze musicali coinvolgenti che restituiscono l’essenza del palco.	Il contesto politico/sociale viene talvolta accennato più che approfondito.
Estetica curata e originale: colori, costumi, scenografie memorabili.	Il film può risultare meno accessibile per chi non conosce Ney o il contesto brasiliano.
Tema della liberazione individuale forte e contemporaneo nonostante l’ambientazione storica.	Alcuni personaggi secondari restano poco definiti: la storia prevale sul dettaglio.

Voto finale

8,1 / 10
Matogrosso è un biopic che non teme di essere estetico e sensuale, ma riesce anche a parlare con voce franca della libertà e della trasformazione.
Non è perfetto, ma è intenso, visivamente vivido e musicalmente potente.
Se sei curioso di un artista che ha riscritto le regole del palco e della voce, questo film merita la visione.

Una voce che rompe il silenzio.
Un corpo che riscrive la scena.
Un uomo che ha scelto di essere artista libero.
“Matogrosso” non è solo la storia di Ney Matogrosso: è un’esplorazione di cosa significhi liberarsi-per-essere e restare se stessi quando tutti vogliono cambiarti.

“La voce non serve solo a cantare. Serve a far tremare una storia che resiste.”

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Death by Lightning (2025) – Il colpo che ha scosso una nazione

AltaAle — Thu, 06 Nov 2025 14:46:35 +0000

Quando pensi all’America del tardo XIX secolo, forse immagini saloon, frontiere, elezioni rocambolesche. Ma Death by Lightning vuole portarti dentro l’unico momento in cui tutto è andato in frantumi: il breve mandato del ventesimo presidente degli Stati Uniti, James A. Garfield, la sua ascesa, il colpo, la lenta agonia… e la smorfia della storia che ride dietro.
La miniserie creata da Mike Makowsky per Netflix non è un biopic convenzionale: è un thriller politico con radici profonde nell’identità nazionale, nell’ossessione e nella follia.

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James Garfield (interpretato da Michael Shannon) vive una carriera rapida: da contadino all’università, dall’Ohio al Congresso, fino alla Presidenza. Un patriota, un idealista, ma anche un uomo sveglio in un sistema marcio. Accanto a lui, la first lady Lucretia (Betty Gilpin) che tiene la famiglia al centro mentre il mondo scivola.
Poi c’è Charles Guiteau (Matthew Macfadyen): personaggio minore, fallito, ossessionato dal potere che non gli è stato concesso. Lui vuole un posto nell’orbita del potere, e quando lo rifiutano decide di prenderlo… con un proiettile.
Nel frattempo, dietro le quinte si agitano senatori corrotti, medici incompetenti, un vicepresidente (Nick Offerman) che ride ma sa – e la macchina dello Stato che procede, anche quando esplode.
In quattro episodi la serie racconta l’ascesa, l’assassinio, la malattia e la caduta, ma soprattutto punta sul perché e sul chi ha perso davvero. Non tanto “chi ha sparato”, ma “che cosa è stato ucciso”.

Temi principali

Ambizione dolente: Garfield voleva servire, non dominare. Guiteau voleva dominare perché teme di essere invisibile.
Il potere del fallimento: chi rifiuta di rinunciare, anche sapendo di essere perdente, a volte scrive la storia con sangue.
La verità non basta: un colpo, un’infezione, una nazione che non capisce… la verità viene dopo.
Sistema vs idealismo: la politica è un teatro di compromessi, e il teatro può uccidere.
Storia dimenticata / attualità sottile: la miniserie non è solo su Garfield, è su cosa succede quando un “piccolo uomo” decide di fare una “grande cosa”.

Produzione, cast e stile

Il cast è potente: Michael Shannon nel ruolo di Garfield, Matthew Macfadyen come Guiteau, Nick Offerman nel ruolo del vice Chester Arthur, Betty Gilpin come Lucretia Garfield e altri nomi solidi.
Regia e ambientazione lavorano con cura: si respira la fine del secolo XIX, ma senza trasformarlo in antiquariato. La fotografia è elegante e cupa, la scrittura serrata, i dialoghi raffinati ma taglienti.
La miniserie conta quattro episodi: pochi per contenere un mondo, ma sufficienti per lasciare una traccia forte. Stilisticamente, è una miscela di dramma storico e thriller psicologico.

Cosa funziona & cosa lascia perplessi

Punti di forza	Limiti
Matthew Macfadyen nella parte dell’ossessivo Guiteau è magnetico: fa tremare lo schermo.	Il tempo è poco: quattro episodi costringono a compressioni narrative che a volte si fanno sentire.
Trama che unisce storia, politica e riflessione morale: raro e potente nel panorama TV.	Personaggi femminili e alcune figure di contorno restano meno definite e sfruttate.
Ambientazione storica credibile, produzione di qualità elevata.	Se cerchi ritmo serrato e azione continua, qui trovi più tensione silenziosa che esplosioni.
Tema centrale forte: il fallimento come motore della storia.	Alcune transizioni narrative risultano accelerate: vogliono coprire troppo in poco spazio.

Voto finale

8,3 / 10
Death by Lightning è una miniserie che sorprende per profondità e ambizione. Non è perfetta — richiede attenzione, non è “solo intrattenimento leggero”. Ma ciò che offre è significativo: un pezzo di storia che diventa specchio del presente.
Se ami i drama politici, le storie che fanno pensare e non solo guardare, questa è una tappa obbligata

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Il Mostro (2025) – Una miniserie che sfida l’enigma del Mostro di Firenze

AltaAle — Thu, 23 Oct 2025 13:43:59 +0000

Il Mostro è la nuova miniserie diretta da Stefano Sollima, un racconto cupo e teso che riporta sullo schermo uno dei capitoli più inquietanti della cronaca nera italiana: gli omicidi del cosiddetto “Mostro di Firenze”. In quattro episodi intensi, la serie ricostruisce la lunga e tormentata indagine che, tra verità, depistaggi e ossessioni, ha segnato l’Italia dagli anni Sessanta agli Ottanta.
Il risultato è un prodotto televisivo ambizioso, che unisce la forza del true crime alla qualità del cinema d’autore.

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Trama (senza spoiler)

La storia prende il via nel 1982, quando una coppia viene uccisa in un’auto nei dintorni di Firenze. Da qui parte un’indagine che scava nel passato, riportando alla luce delitti simili risalenti al 1968.
La narrazione segue investigatori, magistrati, giornalisti e familiari, mostrando come l’inchiesta si intrecci con la vita quotidiana di una comunità sconvolta. Il mistero cresce di episodio in episodio, fino a toccare il cuore oscuro di una vicenda che ancora oggi non ha trovato una verità definitiva.

Temi principali

Il male quotidiano: la serie suggerisce che il vero “mostro” non è solo il killer, ma anche il silenzio, la paura e la complicità di chi ha preferito non vedere.
La memoria e il tempo: con il passare degli anni, la verità si frammenta e le testimonianze diventano sempre più incerte.
La giustizia imperfetta: Il Mostro esplora le crepe del sistema giudiziario e il peso morale delle indagini che si trascinano troppo a lungo.
La provincia italiana: più che una semplice ambientazione, la campagna toscana diventa un personaggio a sé, intrisa di bellezza e inquietudine.

Regia, cast e messa in scena

Sollima costruisce un racconto serrato e visivamente potente: la fotografia è cupa, sporca, con toni che richiamano il thriller e il noir. Le location reali toscane aggiungono autenticità e un senso di inquietudine palpabile.
Nel cast spiccano Marco Bullitta, Francesca Olia e Liliana Bottone, con interpretazioni intense e credibili. I personaggi non sono mai stereotipati, ma complessi, ambigui, spesso travolti da emozioni e ossessioni.
Ogni episodio mantiene un ritmo sostenuto, alternando momenti di introspezione psicologica a sequenze investigative di grande tensione.

Cosa funziona

Regia matura e visivamente curata.
Atmosfera autentica, sospesa tra cronaca e cinema.
Cast convincente e scrittura che evita i toni sensazionalistici.
Ritmo narrativo equilibrato e tensione crescente.

Cosa convince meno

Struttura narrativa non lineare che può confondere chi cerca una trama semplice.
Alcuni personaggi secondari restano sullo sfondo.
Mancanza di un finale risolutivo, coerente con la realtà ma potenzialmente frustrante.
Qualche scena cruda che può risultare disturbante per gli spettatori più sensibili.

Voto finale

7 / 10
Una miniserie elegante e inquietante che restituisce il clima di paura e mistero dell’Italia dell’epoca. Non priva di imperfezioni, ma intensa e ben recitata, Il Mostro si distingue come una delle migliori produzioni italiane recenti nel genere crime.

Pro & Contro

Pro

Fotografia e regia di altissimo livello.
Cast solido e interpretazioni credibili.
Tono realistico e rispettoso dei fatti.
Narrazione che bilancia emozione e rigore.

Contro

Struttura complessa che richiede attenzione.
Finale aperto che può lasciare insoddisfatti.
Alcune sottotrame solo accennate.
Ritmo non sempre costante tra gli episodi centrali.

Curiosità

Il Mostro è stata girata in Toscana, nei luoghi reali in cui avvennero gli omicidi, per dare massimo realismo alla ricostruzione.
La miniserie è composta da quattro episodi da circa un’ora ciascuno.
La regia di Sollima conferma la sua capacità di raccontare il potere e la violenza con sguardo lucido, già visto in Gomorra e Romanzo Criminale.
Il titolo richiama non solo il “Mostro di Firenze”, ma anche la dimensione più ampia del male umano e sociale che pervade l’intera narrazione.

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Bohemian Rhapsody (2018) – L’omaggio travolgente ai Queen

AltaAle — Wed, 22 Oct 2025 13:08:42 +0000

Bohemian Rhapsody racconta l’ascesa della leggendaria rock-band britannica Queen e del suo carismatico frontman Freddie Mercury, con uno sguardo che va dagli esordi fino alla storica performance al Live Aid del 1985. Il film, diretto da Bryan Singer (e completato da Dexter Fletcher) e interpretato da Rami Malek nei panni di Mercury, è una celebrazione potente della musica e del carisma della band.

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Trama

La narrazione inizia con il gruppo ormai affermato, proiettandosi poi in un flashback nei primi anni Settanta: Farrokh Bulsara (il giovane Mercury) entra nel gruppo che diventerà i Queen e inizia un viaggio fatto di successi, eccessi, crisi personali e musica indimenticabile. La parte centrale del film segue i successi del gruppo, le tensioni interne, le sfide personali di Mercury, prima di culminare nel concerto epico del Live Aid. Il ritmo è serrato, le scene musicali coinvolgenti, e la direzione punta a suscitare emozione più che analisi profondamente storica.

Temi principali

Il potere della musica: il film mostra come la creatività e l’energia sul palco siano diventate veicoli di libertà e identità.
Identità e performance: Mercury vive la sua trasformazione da uomo ordinario a icona mondiale, incarnando la tensione tra vita privata e palcoscenico.
Sogno e sacrificio: la scalata al successo è affiancata da momenti di solitudine, smarrimento e difficoltà personali, in particolare per Mercury.
Celebrare senza approfondire: il film punta più all’ispirazione e all’emozione che alla complessità storica o biografica.

Regia, cast e messa in scena

La regia è elegante e visivamente suggestiva, soprattutto nelle sequenze concertistiche che rendono giustizia all’energia dei Queen. Rami Malek è il vero fulcro del film: la sua interpretazione di Freddie Mercury è magnetica, capace di restituire parte del carisma sul palco e della vulnerabilità fuori da esso. Il resto del cast — Gwilym Lee, Ben Hardy, Joseph Mazzello — compone una squadra credibile e solida. Le sequenze musicali sono montate con ritmo e intensità, e la colonna sonora fa ovviamente storia a parte.

Cosa funziona

Le sequenze live sono coinvolgenti e regalano un’esperienza quasi da concerto.
Rami Malek riesce a incarnare Mercury con autenticità e presenza scenica.
La scelta di puntare sull’emozione e sull’esperienza pop rende il film accessibile anche a chi non conosce approfonditamente la storia dei Queen.
Il piacere visivo e sonoro è elevato: musica, costumi, palco, luce — tutto collabora.

Cosa lascia perplessi

La precisione storica è sacrificata in favore di un racconto più spettacolare: alcune vicende vengono semplificate o alterate per ragioni narrative.
Il film evita di approfondire certi aspetti della vita privata di Mercury, in particolare la complessità della sua identità sessuale e delle sue relazioni.
Chi cerca un ritratto critico e completo della figura di Mercury e della band potrebbe trovarsi deluso dalla superficie relativamente liscia del film.

Voto finale

8 / 10
Un film che emoziona, fa cantare, vibrare e ricordare. Non perfetto dal punto di vista biografico, ma potente nel suo intento: celebrare una leggenda della musica.

Pro & Contro

Pro

Interpretazione straordinaria di Rami Malek.
Sequenze musicali che rendono l’energia dei Queen.
Ottima per spettatori che vogliono lasciarsi trasportare dalla musica e dalla storia.
Ottima produzione visiva e sonora.

Contro

Biografia non sempre rigorosa: eventi compressi, fatti semplificati.
Approccio poco profondo ad alcune dimensioni complesse della vita di Mercury (identità, sessualità, contesto).
Alcune libertà narrative possono disturbare gli appassionati che cercano verità storica.

Curiosità

Il film ha ottenuto numerosi riconoscimenti, tra cui quattro premi Oscar (tra cui Miglior Attore per Rami Malek).
È diventato uno dei biopic musicali di maggior successo al botteghino.
La scena del concerto al Live Aid è stata girata in grande scala con attenzione ai dettagli storici e scenografici, coinvolgendo la partecipazione di numerosi comparse e tecnici per ricreare l’atmosfera dell’evento.
Nonostante il titolo richiami il celebre brano “Bohemian Rhapsody”, il film non si limita a raccontare solo quella canzone ma ripercorre diversi momenti salienti della carriera dei Queen.

Conclusione

Bohemian Rhapsody è un film che fa battere il cuore di chi ama il rock, la musica in grande e la figura iconica di Freddie Mercury. Se siete alla ricerca di un ritratto approfondito, critico e completo della band, potreste desiderare di più. Se invece volete assaporare energia, leggenda, palco e voce, questo film è un’eccellente scelta. Consigliato per la potenza emotiva e la celebrazione musicale che regala.

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Murdaugh – Morte in famiglia: quando il privilegio diventa veleno

AltaAle — Thu, 16 Oct 2025 16:38:00 +0000

La serie Murdaugh – Morte in famiglia, adattamento del famoso podcast Murdaugh Murders, non è un semplice racconto criminale: è l’analisi implacabile di un sistema che credeva di essere immune. Al centro sta Alex Murdaugh (Jason Clarke) e la moglie Maggie (Patricia Arquette). Vivono in South Carolina con ricchezza e prestigio, impero legale e influenza. Ma basta un incidente in barca che coinvolge il figlio Paul — e la facciata inizia a incrinarsi.

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La notte del 7 giugno 2021 è linfa narrativa della storia. Paul e Maggie vengono trovati uccisi nell’azienda di famiglia, Moselle, e Alex sostiene di aver trovato i corpi. Ma qualcosa non torna: dati telefonici e prove video dimostrano che Alex è stato vicino all’azione. Da lì, la serie si allarga: frodi finanziarie, insabbiamenti, una rete di omissioni e segreti che da decenni gravano sulla contea.

La grandezza del racconto sta nel mostrare il potere come malattia lenta. Non serve che un uomo impugni una pistola: le grandi armi sono le istituzioni, gli avvocati, le relazioni, i legami di fiducia corrotti. E quando queste crollano, restano polvere, silenzio, lacrime mai confessate.

Perché la serie funziona — e dove inciampa

La scrittura di Death in the Family (titolo originale) è stratificata: alterna interviste, ricostruzioni in soggettiva, momenti di cronaca e flashback che fanno emergere pezzo dopo pezzo la rete oscura dei Murdaugh. Questo rende la visione affascinante, perché ogni episodio svela qualcosa che ribalta le certezze.

In particolare, il cast è una delle forze principali: Clarke incarna Alex con una forza ambigua e minacciosa; Arquette dà spessore a Maggie, figura chiave nei silenzi e nei gesti compromessi. Brittany Snow nei panni della giornalista Mandy Matney è l’occhio esterno che scandaglia i misteri con ostinazione; il personaggio funge quasi da corda tesa tra spettatore e fatti.

Eppure, non tutto fila perfettamente. A volte i ritmi rallentano, la mole di personaggi secondari e sottotrame può confondere, e l’esposizione appare evidente: certe informazioni vengono spiegate anziché lasciate insinuarsi. Quando la serie cerca il momento emotivo forte, a tratti vacilla nel non voler esagerare — effetto che rende alcuni momenti meno incisivi di quanto dovrebbero essere.

Pro & Contro

Punti di forza	Limiti
Cast solido e credibile, con presenze carismatiche	Ritmo altalenante fra episodi
Narrazione stratificata che monta la tensione	Sovrabbondanza di sottotrame può distrarre
Tema del potere e del privilegio ben indagato	Alcuni dialoghi didascalici o esplicativi
Approccio che non edulcora la realtà	Momenti emotivi che non esplodono come sperato

Valutazione: ★★★★☆ (4/5)

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Seydou – Il sogno non ha colore: un viaggio tra sogni, calcio e identità

AltaAle — Tue, 14 Oct 2025 14:35:51 +0000

Ci sono sogni che si somigliano, e altri che sembrano incompatibili. E poi ci sono quelli che si incontrano nel cuore di un ragazzo che ha vissuto più vite di quante dovrebbe contenere la sua giovane età. Seydou – Il sogno non ha colore è il ritratto autentico di un ragazzo che porta sulle spalle il peso della fama, il fascino del talento e la responsabilità di un messaggio più grande di lui.

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Da Io Capitano al rettangolo verde

Seydou Sarr è un volto che non si dimentica. Dopo l’impatto emotivo travolgente del suo ruolo in Io Capitano, in pochi si sarebbero aspettati di ritrovarlo, mesi dopo, con gli scarpini da calcio, ad allenarsi con lo sguardo fisso su un altro sogno: quello di diventare un calciatore professionista.

Il documentario racconta proprio questo: la doppia traiettoria di un ragazzo che non vuole scegliere tra le sue due passioni. Che non vuole essere etichettato, chiuso dentro una definizione comoda per gli altri. Seydou corre, recita, osserva. E nel farlo, diventa uno specchio potente per tutti i giovani che si sentono “fuori posto”.

Un viaggio tra inclusione e appartenenza

Ma Seydou – Il sogno non ha colore non è solo il racconto di un sogno. È anche, e forse soprattutto, una riflessione sull’identità e sull’inclusione. La voce di Seydou si intreccia a quelle di grandi calciatori e personaggi del mondo dello sport e dello spettacolo, in una narrazione corale che svela quanto possa essere faticoso crescere in un paese che troppo spesso ti guarda ancora come “l’altro”.

Il razzismo non viene urlato, ma raccontato con lucidità e grazia. E proprio questa scelta narrativa rende il messaggio ancora più forte: non servono accuse violente, basta la verità.

Un documentario sincero e necessario

La forza di questo documentario sta nella sua sincerità. Non c’è spettacolarizzazione, non c’è retorica. C’è un ragazzo che si interroga, che si emoziona, che sorride mentre corre su un campo da calcio, che si commuove mentre parla di casa. C’è la voglia di raccontare un’Italia diversa, quella che accoglie ma anche quella che giudica. Quella che esclude ma che può imparare ad ascoltare.

Ogni scena ha una sua verità. Ogni dialogo, anche il più semplice, contribuisce a costruire un quadro complesso, sfaccettato, profondamente umano.

Perché guardarlo

Seydou – Il sogno non ha colore è molto più di un documentario biografico. È una lettera aperta a chi è cresciuto con più domande che risposte. È un promemoria per chi ha dimenticato cosa significa sognare con tutto sé stesso. È uno sguardo pulito, forte e dolce, su un ragazzo che vuole vivere pienamente ogni possibilità.

Un’opera che andrebbe mostrata nelle scuole, nei campi di calcio, nei teatri, e ovunque si parli di sogni, identità e cambiamento.

Non è importante se il futuro di Seydou sarà in uno stadio o su un set.
Ciò che conta è che ci sta già insegnando qualcosa. E lo fa con coraggio, semplicità e una voce che vale la pena ascoltare.

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The Lost Bus – Correre contro il fuoco

AltaAle — Tue, 07 Oct 2025 19:22:28 +0000

The Lost Bus è un thriller catastrofico diretto da Paul Greengrass che racconta un episodio drammatico realmente accaduto: durante l’incendio devastante del Camp Fire nel 2018, un autista di scuolabus e una maestra si trovano a dover affrontare un inferno inatteso per salvare 22 bambini. Matthew McConaughey interpreta il ruolo del conducente Kevin McKay, mentre America Ferrera veste i panni dell’insegnante Mary Ludwig.

La premessa è semplice ma potente: quando le fiamme divorano tutto e la paura domina ogni respiro, l’umanità e la determinazione comuni diventano le vere armi. Il film dipinge questo scenario con furia visiva, tensione costante e momenti di intensa solitudine.

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Luci e ombre del dramma

Cosa funziona

Approccio immersivo: Greengrass usa la macchina a mano, il suono ravvicinato, le immagini frammentate per far sentire lo spettatore dentro il disastro.
Performance forti: McConaughey dà corpo a un uomo stremato, alle prese con rimorsi, responsabilità e terrore; Ferrera offre un contrappunto stabile, umano, pronto a intervenire.
Suspense ben calibrata: la progressione del pericolo è costante, con scelte difficili, momenti di speranza e situazioni che mettono i protagonisti di fronte a dilemmi morali.
Tematiche attuali: il film non è solo un racconto di salvataggio, ma riflette sul cambiamento climatico, sulla fragilità delle comunità esposte agli incendi e sulle responsabilità individuali e collettive.

I limiti

Drammatizzazione forzata: alcune scene sono amplificate per effetto cinematografico, sacrificando la verosimiglianza a favore dello spettacolo.
Caratterizzazione secondaria debole: i personaggi che non sono Kevin o Mary restano in background, con motivazioni poco esplorate.
Tensione emotiva altalenante: quando il film si concentra su flashback o drammi personali, perde un po’ della forza che ha nei momenti catastrofici.

Pro & Contro

Pro	Contro
Tensione costante e atmosfera claustrofobica	A volte più spettacolo che realtà
Ottima interpretazione dei protagonisti	Personaggi secondari poco valorizzati
Regia che porta lo spettatore dentro il disastro	Qualche momento melodrammatico di troppo
Temi contemporanei e riflessioni implicite

Valutazione: ★★★★☆ (4/5)

Impressione finale

The Lost Bus non è un film facile: vuole mettere lo spettatore sotto pressione, fargli respirare il fumo, fargli sentire il peso dell’angoscia. Nel farlo, commette qualche eccesso, ma in cambio restituisce un’esperienza intensa, urgente e toccante. È un racconto di sopravvivenza e coraggio, ma anche un monito: quando tutto sembra perduto, sono le persone comuni a fare la differenza.

Monster: La storia di Ed Gein – Un’icona dell’orrore sotto i riflettori

AltaAle — Tue, 07 Oct 2025 19:19:11 +0000

La terza stagione di Monster (2025) si concentra sulla figura di Ed Gein, il contadino del Wisconsin diventato tristemente famoso per i suoi crimini macabri: profanazioni di tombe, omicidi e pratiche agghiaccianti che ispirarono film come Psycho e Non aprite quella porta.

La serie non si limita a mostrare i fatti, ma indaga le radici psicologiche e culturali dell’assassino: il rapporto morboso con la madre Augusta, l’isolamento sociale e la progressiva discesa nella follia.

Charlie Hunnam interpreta Gein con sguardo freddo e disturbante, mentre Laurie Metcalf nei panni della madre incarna il fanatismo religioso e il controllo soffocante che hanno segnato la sua mente.

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Potenzialità e ambizione

Uno dei punti di forza della serie è il tentativo di umanizzare senza giustificare: Gein non è solo un mostro, ma il prodotto di un contesto malato, di una famiglia opprimente e di una società che lo ha ignorato fino al tracollo.

La narrazione alterna momenti realistici a visioni allucinate e simboliche, mostrando come il confine tra memoria e delirio si dissolva nella mente del protagonista. Alcune sequenze richiamano il cinema horror classico, costruendo un legame diretto tra la cronaca nera e il mito che ne è scaturito.

Dove la serie inciampa

La struttura narrativa è a tratti confusa, con continui salti temporali che spezzano il ritmo e disorientano lo spettatore.
La violenza grafica è molto presente e in certi momenti appare più compiaciuta che necessaria, rischiando di distrarre dal lato psicologico.
Alcune sottotrame (come quella legata ai media e alla reazione pubblica) vengono appena accennate e potevano essere sviluppate meglio.

Pro & Contro

Pro	Contro
Approccio psicologico e riflessivo al mito di Gein	Narrazione frammentata e discontinua
Cast di alto livello, con interpretazioni intense	Violenza eccessiva in alcune scene
Riflessione sul legame tra orrore reale e cultura pop	Alcune sottotrame lasciate in sospeso
Ricostruzione d’epoca curata e credibile

Valutazione: ★★★☆☆ (3/5)

Impressione finale

Monster: La storia di Ed Gein è una serie ambiziosa, disturbante e visivamente potente. Non sempre coerente, ma capace di scavare nell’animo umano e di riflettere sul confine sottile tra verità e leggenda. Più che un semplice true crime, è una riflessione sull’origine del male e sul modo in cui la società trasforma l’orrore in spettacolo.

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