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La notte del 7 giugno 2021 è linfa narrativa della storia. Paul e Maggie vengono trovati uccisi nell’azienda di famiglia, Moselle, e Alex sostiene di aver trovato i corpi. Ma qualcosa non torna: dati telefonici e prove video dimostrano che Alex è stato vicino all’azione. Da lì, la serie si allarga: frodi finanziarie, insabbiamenti, una rete di omissioni e segreti che da decenni gravano sulla contea.

La grandezza del racconto sta nel mostrare il potere come malattia lenta. Non serve che un uomo impugni una pistola: le grandi armi sono le istituzioni, gli avvocati, le relazioni, i legami di fiducia corrotti. E quando queste crollano, restano polvere, silenzio, lacrime mai confessate.

Perché la serie funziona — e dove inciampa

La scrittura di Death in the Family (titolo originale) è stratificata: alterna interviste, ricostruzioni in soggettiva, momenti di cronaca e flashback che fanno emergere pezzo dopo pezzo la rete oscura dei Murdaugh. Questo rende la visione affascinante, perché ogni episodio svela qualcosa che ribalta le certezze.

In particolare, il cast è una delle forze principali: Clarke incarna Alex con una forza ambigua e minacciosa; Arquette dà spessore a Maggie, figura chiave nei silenzi e nei gesti compromessi. Brittany Snow nei panni della giornalista Mandy Matney è l’occhio esterno che scandaglia i misteri con ostinazione; il personaggio funge quasi da corda tesa tra spettatore e fatti.

Eppure, non tutto fila perfettamente. A volte i ritmi rallentano, la mole di personaggi secondari e sottotrame può confondere, e l’esposizione appare evidente: certe informazioni vengono spiegate anziché lasciate insinuarsi. Quando la serie cerca il momento emotivo forte, a tratti vacilla nel non voler esagerare — effetto che rende alcuni momenti meno incisivi di quanto dovrebbero essere.

Pro & Contro

Punti di forza	Limiti
Cast solido e credibile, con presenze carismatiche	Ritmo altalenante fra episodi
Narrazione stratificata che monta la tensione	Sovrabbondanza di sottotrame può distrarre
Tema del potere e del privilegio ben indagato	Alcuni dialoghi didascalici o esplicativi
Approccio che non edulcora la realtà	Momenti emotivi che non esplodono come sperato

Valutazione: ★★★★☆ (4/5)

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Da Io Capitano al rettangolo verde

Seydou Sarr è un volto che non si dimentica. Dopo l’impatto emotivo travolgente del suo ruolo in Io Capitano, in pochi si sarebbero aspettati di ritrovarlo, mesi dopo, con gli scarpini da calcio, ad allenarsi con lo sguardo fisso su un altro sogno: quello di diventare un calciatore professionista.

Il documentario racconta proprio questo: la doppia traiettoria di un ragazzo che non vuole scegliere tra le sue due passioni. Che non vuole essere etichettato, chiuso dentro una definizione comoda per gli altri. Seydou corre, recita, osserva. E nel farlo, diventa uno specchio potente per tutti i giovani che si sentono “fuori posto”.

Un viaggio tra inclusione e appartenenza

Ma Seydou – Il sogno non ha colore non è solo il racconto di un sogno. È anche, e forse soprattutto, una riflessione sull’identità e sull’inclusione. La voce di Seydou si intreccia a quelle di grandi calciatori e personaggi del mondo dello sport e dello spettacolo, in una narrazione corale che svela quanto possa essere faticoso crescere in un paese che troppo spesso ti guarda ancora come “l’altro”.

Il razzismo non viene urlato, ma raccontato con lucidità e grazia. E proprio questa scelta narrativa rende il messaggio ancora più forte: non servono accuse violente, basta la verità.

Un documentario sincero e necessario

La forza di questo documentario sta nella sua sincerità. Non c’è spettacolarizzazione, non c’è retorica. C’è un ragazzo che si interroga, che si emoziona, che sorride mentre corre su un campo da calcio, che si commuove mentre parla di casa. C’è la voglia di raccontare un’Italia diversa, quella che accoglie ma anche quella che giudica. Quella che esclude ma che può imparare ad ascoltare.

Ogni scena ha una sua verità. Ogni dialogo, anche il più semplice, contribuisce a costruire un quadro complesso, sfaccettato, profondamente umano.

Perché guardarlo

Seydou – Il sogno non ha colore è molto più di un documentario biografico. È una lettera aperta a chi è cresciuto con più domande che risposte. È un promemoria per chi ha dimenticato cosa significa sognare con tutto sé stesso. È uno sguardo pulito, forte e dolce, su un ragazzo che vuole vivere pienamente ogni possibilità.

Un’opera che andrebbe mostrata nelle scuole, nei campi di calcio, nei teatri, e ovunque si parli di sogni, identità e cambiamento.

Non è importante se il futuro di Seydou sarà in uno stadio o su un set.
Ciò che conta è che ci sta già insegnando qualcosa. E lo fa con coraggio, semplicità e una voce che vale la pena ascoltare.

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La premessa è semplice ma potente: quando le fiamme divorano tutto e la paura domina ogni respiro, l’umanità e la determinazione comuni diventano le vere armi. Il film dipinge questo scenario con furia visiva, tensione costante e momenti di intensa solitudine.

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Luci e ombre del dramma

Cosa funziona

• Approccio immersivo: Greengrass usa la macchina a mano, il suono ravvicinato, le immagini frammentate per far sentire lo spettatore dentro il disastro.

• Performance forti: McConaughey dà corpo a un uomo stremato, alle prese con rimorsi, responsabilità e terrore; Ferrera offre un contrappunto stabile, umano, pronto a intervenire.

• Suspense ben calibrata: la progressione del pericolo è costante, con scelte difficili, momenti di speranza e situazioni che mettono i protagonisti di fronte a dilemmi morali.

• Tematiche attuali: il film non è solo un racconto di salvataggio, ma riflette sul cambiamento climatico, sulla fragilità delle comunità esposte agli incendi e sulle responsabilità individuali e collettive.

I limiti

• Drammatizzazione forzata: alcune scene sono amplificate per effetto cinematografico, sacrificando la verosimiglianza a favore dello spettacolo.

• Caratterizzazione secondaria debole: i personaggi che non sono Kevin o Mary restano in background, con motivazioni poco esplorate.

• Tensione emotiva altalenante: quando il film si concentra su flashback o drammi personali, perde un po’ della forza che ha nei momenti catastrofici.

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Pro & Contro

Pro	Contro
Tensione costante e atmosfera claustrofobica	A volte più spettacolo che realtà
Ottima interpretazione dei protagonisti	Personaggi secondari poco valorizzati
Regia che porta lo spettatore dentro il disastro	Qualche momento melodrammatico di troppo
Temi contemporanei e riflessioni implicite

Valutazione: ★★★★☆ (4/5)

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Impressione finale

The Lost Bus non è un film facile: vuole mettere lo spettatore sotto pressione, fargli respirare il fumo, fargli sentire il peso dell’angoscia. Nel farlo, commette qualche eccesso, ma in cambio restituisce un’esperienza intensa, urgente e toccante. È un racconto di sopravvivenza e coraggio, ma anche un monito: quando tutto sembra perduto, sono le persone comuni a fare la differenza.

La serie non si limita a mostrare i fatti, ma indaga le radici psicologiche e culturali dell’assassino: il rapporto morboso con la madre Augusta, l’isolamento sociale e la progressiva discesa nella follia.

Charlie Hunnam interpreta Gein con sguardo freddo e disturbante, mentre Laurie Metcalf nei panni della madre incarna il fanatismo religioso e il controllo soffocante che hanno segnato la sua mente.

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Potenzialità e ambizione

Uno dei punti di forza della serie è il tentativo di umanizzare senza giustificare: Gein non è solo un mostro, ma il prodotto di un contesto malato, di una famiglia opprimente e di una società che lo ha ignorato fino al tracollo.

La narrazione alterna momenti realistici a visioni allucinate e simboliche, mostrando come il confine tra memoria e delirio si dissolva nella mente del protagonista. Alcune sequenze richiamano il cinema horror classico, costruendo un legame diretto tra la cronaca nera e il mito che ne è scaturito.

Dove la serie inciampa

• La struttura narrativa è a tratti confusa, con continui salti temporali che spezzano il ritmo e disorientano lo spettatore.

• La violenza grafica è molto presente e in certi momenti appare più compiaciuta che necessaria, rischiando di distrarre dal lato psicologico.

• Alcune sottotrame (come quella legata ai media e alla reazione pubblica) vengono appena accennate e potevano essere sviluppate meglio.

Pro & Contro

Pro	Contro
Approccio psicologico e riflessivo al mito di Gein	Narrazione frammentata e discontinua
Cast di alto livello, con interpretazioni intense	Violenza eccessiva in alcune scene
Riflessione sul legame tra orrore reale e cultura pop	Alcune sottotrame lasciate in sospeso
Ricostruzione d’epoca curata e credibile

Valutazione: ★★★☆☆ (3/5)

Impressione finale

Monster: La storia di Ed Gein è una serie ambiziosa, disturbante e visivamente potente. Non sempre coerente, ma capace di scavare nell’animo umano e di riflettere sul confine sottile tra verità e leggenda. Più che un semplice true crime, è una riflessione sull’origine del male e sul modo in cui la società trasforma l’orrore in spettacolo.

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A Small Light porta sullo schermo la storia vera di Miep Gies, la giovane segretaria di Otto Frank che, durante l’occupazione nazista ad Amsterdam, rischiò la vita per nascondere la famiglia Frank e altri perseguitati. La serie, prodotta da National Geographic e distribuita su Disney+, non è una semplice ricostruzione storica: è un ritratto intimo di coraggio, fragilità e resistenza silenziosa.

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La forza di un personaggio “normale”

Protagonista è Bel Powley, che interpreta Miep con naturalezza e autenticità. Non è un’eroina senza macchia: è una ragazza comune, a volte insicura, che però sceglie di fare la cosa giusta in un contesto disumano. Accanto a lei, Joe Cole nel ruolo del marito Jan aggiunge profondità e calore umano.

Il cuore della serie sta nel mostrare come persone ordinarie possano compiere scelte straordinarie, trasformandosi in fari di speranza anche nei momenti più oscuri.

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Stile e atmosfera

• Ricostruzione storica accurata: costumi, scenografie e ambientazioni rendono palpabile la vita ad Amsterdam negli anni ’40.

• Tono intimo e umano: più che sulla guerra in sé, la serie si concentra sulle relazioni, sulla paura quotidiana e sulla forza dell’empatia.

• Regia attenta: alterna momenti di tensione crescente a scene domestiche che mostrano il lato fragile e umano dei protagonisti.

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Punti di forza

• Interpretazione intensa di Bel Powley.

• Narrazione che umanizza la storia, evitando il tono didascalico.

• Capacità di emozionare senza cadere nel melodramma.

• Focus su figure meno conosciute rispetto ad Anna Frank, ma altrettanto cruciali.

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Limiti

• Ritmo a volte lento, con episodi che privilegiano la costruzione emotiva più che l’azione.

• Per chi cerca un racconto epico, la serie potrebbe sembrare “troppo domestica”.

• Alcuni personaggi secondari restano un po’ in ombra.

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Pro & Contro

Pro	Contro
Storia vera raccontata con delicatezza	Ritmo non sempre costante
Bel Powley in una delle sue prove migliori	Alcuni personaggi minori poco sviluppati
Ricostruzione storica curata e credibile
Messaggio universale di speranza e coraggio

Valutazione: ★★★★☆ (4,5/5)

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Impressione finale

A Small Light è una serie che non lascia indifferenti. Non spettacolarizza la tragedia, ma mostra la forza dei gesti quotidiani, il coraggio silenzioso che può fare la differenza. È una celebrazione della resilienza umana, che ricorda come anche la più piccola luce possa illuminare l’oscurità.

Protagonista è Henk Rogers (interpretato da Taron Egerton), imprenditore olandese-americano che, negli anni ’80, scopre il potenziale del gioco e decide di portarlo al mondo intero. Inizia così una corsa contro il tempo tra interessi economici, spionaggio e le tensioni della Guerra Fredda.

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Stile e atmosfere

Il film non è un biopic tradizionale:

• Mescola thriller politico, dramma legale e momenti quasi da spy-movie.

• Usa un’estetica anni ’80 con colori vivaci, musica synth e persino sequenze in stile “pixel art” che richiamano il mondo dei videogiochi.

• Alterna ironia e tensione, mantenendo un ritmo incalzante.

Punti di forza

• Taron Egerton trascina il film con un’interpretazione carismatica e coinvolgente.

• La vicenda è appassionante e poco conosciuta, capace di sorprendere anche chi conosce solo il gioco.

• Buon equilibrio tra intrattenimento e fedeltà storica.

• Colonna sonora anni ’80 che amplifica l’atmosfera.

Limiti

• Alcuni passaggi semplificano troppo la complessità legale e politica della vicenda.

• L’ultima parte scivola in un tono quasi “action”, poco coerente con l’impianto iniziale.

• Personaggi secondari non sempre sviluppati in profondità.

Pro & Contro

Pro	Contro
Storia appassionante e poco nota	Finale un po’ forzato verso l’action
Taron Egerton in gran forma	Alcune semplificazioni narrative
Estetica anni ’80 accattivante	Personaggi secondari sottotono
Mix riuscito di thriller, biopic e ironia

Valutazione: ★★★★☆ (4/5)

Impressione finale

Tetris non parla solo di un videogioco, ma di libertà, creatività e di come la cultura possa oltrepassare muri ideologici e politici. È un film che diverte, intrattiene e racconta un pezzo affascinante di storia recente, mostrando come dietro a quattro blocchi colorati ci fosse una partita molto più grande.

The Offer è una miniserie in 10 episodi che ricostruisce la complessa produzione di Il Padrino (1972), uno dei film più celebri della storia del cinema. Il punto di vista è quello del produttore Albert S. Ruddy (Miles Teller), che si ritrova a dover lottare tra pressioni della Paramount, conflitti interni a Hollywood e minacce dirette da parte della mafia, preoccupata dell’immagine che il film potrebbe trasmettere.

La serie diventa così un viaggio tra compromessi, rischi e passioni, mostrando come un’opera immortale abbia rischiato più volte di non vedere la luce.

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Cast e interpretazioni

• Miles Teller convince nel ruolo di Ruddy, portando sullo schermo un mix di determinazione e vulnerabilità.

• Matthew Goode brilla nei panni del produttore Robert Evans, con una performance sopra le righe ma magnetica.

• Dan Fogler interpreta Francis Ford Coppola con eccentricità e cuore.

• Giovanni Ribisi lascia il segno come Joe Colombo, boss mafioso che si intromette nella produzione.

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Punti di forza

• Ricostruzione d’epoca: costumi, scenografie e atmosfera anni ’70 sono curate con grande attenzione.

• Dietro le quinte affascinante: scoprire gli ostacoli che hanno portato alla realizzazione di un capolavoro rende la serie irresistibile per i cinefili.

• Ritmo narrativo: alterna momenti di tensione a siparietti più leggeri, mantenendo viva l’attenzione.

• Personaggi carismatici: Evans e Colombo spiccano per intensità.

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Limiti

• La serie tende a romanzare eccessivamente alcuni eventi, sacrificando l’accuratezza storica.

• Alcuni episodi centrali risultano dilatati, con sottotrame meno incisive.

• L’approccio è molto “hollywoodiano”: meno introspezione, più spettacolo.

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Pro & Contro

Pro	Contro
Fascino del dietro le quinte di un film leggendario	Non sempre fedele alla realtà storica
Cast azzeccato con prove convincenti	Alcuni episodi troppo lunghi
Ricostruzione accurata degli anni ’70	Romanzatura che a volte semplifica
Personaggi carismatici e magnetici

Valutazione: ★★★★☆ (4/5)

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Impressione finale

The Offer è una dichiarazione d’amore al cinema e a Il Padrino. Pur con qualche libertà narrativa e qualche lungaggine, resta una miniserie avvincente che celebra la passione e i compromessi dietro la creazione di un capolavoro. Un must per chi ama la settima arte e vuole scoprire cosa succede quando Hollywood incontra la mafia.

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Adrien Brody, che per questo ruolo vinse l’Oscar come miglior attore, interpreta Szpilman con un’intensità quasi disarmante: il suo corpo dimagrito, il volto scavato, i gesti fragili diventano simbolo di una resistenza che non ha bisogno di parole.

Musica contro barbarie

La narrazione segue il progressivo isolamento del protagonista: dal ghetto di Varsavia, alla separazione dalla famiglia, fino alla fuga e alla vita nascosta tra le rovine della città. La musica, e in particolare il pianoforte, diventa rifugio e linguaggio di sopravvivenza.

Emblematica è la scena in cui Szpilman, scoperto da un ufficiale nazista, si salva suonando Chopin: la bellezza che resiste davanti all’orrore, l’arte che diventa ancora una volta l’ultima difesa della dignità umana.

Regia e atmosfere

Polanski, sopravvissuto lui stesso alla persecuzione nazista, dirige con uno stile sobrio, senza mai indulgere nello spettacolo della violenza. La macchina da presa osserva, testimone silenziosa, mentre la città si sgretola e il mondo crolla intorno al protagonista.

La fotografia cupa e realistica trasmette la distruzione del ghetto e la desolazione di Varsavia, mentre la colonna sonora classica si intreccia con i suoni della guerra, creando un contrasto struggente.

Pro & Contro

Pro	Contro
Interpretazione magistrale di Adrien Brody	Tematiche dure, non adatte a chi cerca leggerezza
Regia sobria e potente di Polanski	Ritmo lento, che può risultare pesante per alcuni
Capacità di raccontare l’orrore senza spettacolarizzarlo
Scena del pianoforte tra le più intense del cinema

Valutazione: ★★★★★ (5/5)

Impressione finale

Il pianista è uno dei film più importanti e dolorosi del cinema contemporaneo. Non cerca eroi, non offre catarsi facile: mostra la sopravvivenza come fatto nudo, crudele eppure intriso di una piccola scintilla di speranza. È un’opera che commuove, che lascia il segno, che ricorda come la musica e l’arte possano essere resistenza anche davanti all’orrore più disumano.

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Lily James è Whitney: carismatica, determinata, fragile quando serve. Il film inizia con il suo entusiasmo da neolaureata che sogna un progetto idealista (volontariato, app sociali), finché non viene catturata dalle promesse di startup, venture capital e successi facili. Da qui in poi, il film segue la traiettoria ormai nota: la collaborazione con Tinder, la tossicità dei rapporti sul posto di lavoro, l’espulsione dall’azienda che aveva contribuito a far decollare, e infine il revival imprenditoriale con Bumble.

Dal punto di vista visivo e narrativo, Swiped è ben confezionato: buon ritmo, fotografia pulita, dialoghi che fugano via bene il tempo. Ma il prezzo di questa grazia è che il film a tratti sembra raffreddare la sua stessa rabbia: i momenti di denuncia ci sono, ma non sempre riescono a graffiare, perché il copione tende a tornare a narrazione sicura e incoraggiante piuttosto che esplorare fino in fondo le ombre.

C’è anche qualcosa da apprezzare oltre la storia personale: il film mette in luce la cultura tech maschile, il silenzio rispetto alle lamentele, le dinamiche di potere velenose. E quando lo fa, è efficace. Ma al tempo stesso, rimane sempre un po’ dietro la superficie: non sempre approfondisce ciò che resta “fuori scena” nelle cronache reali.

Pro & Contro

Pro	Contro
Lily James offre una performance solida che tiene insieme forza e vulnerabilità	Personaggi secondari non sempre ben caratterizzati, restano un po’ di contorno
Temi attuali: molestie, disuguaglianza, cultura startup, potere delle donne	Il ritmo tende a essere prevedibile, la formula biopic classica non sorprende
Produzione di buon livello, confezione elegante	Manca un’analisi più profonda della tensione morale e personale di Whitney oltre il professionale
Messaggio di empowerment che può ispirare	Alcune semplificazioni: non tutto è mostrato con nuance, alcuni conflitti appaiono affrettati

Valutazione: ★★★☆☆ (3,5/5)

Impressione finale

Swiped è un film con tutte le carte in regola per essere interessante: storia forte, protagonista ispiratrice, contesto moderno che molti conoscono. Ma non va oltre una certa sicurezza narrativa: rimane più dentro il genere del racconto di successo che quello della denuncia aspra. Vale la pena vederlo, specialmente se ti interessa l’imprenditoria femminile, il tech, o le storie di resilienza… ma resta la sensazione che avrebbe potuto essere più coraggioso.

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Il film, tratto dal libro Wiseguy di Nicholas Pileggi, racconta l’ascesa e la caduta di Henry Hill (Ray Liotta), giovane affascinato dal potere e dal rispetto dei mafiosi italoamericani di New York. Accanto a lui scorrono figure iconiche: Jimmy Conway (Robert De Niro), elegante e calcolatore, e soprattutto Tommy DeVito (Joe Pesci), imprevedibile e violento.

Regia e stile

Scorsese firma un film che è insieme realismo crudo e spettacolo cinematografico. La sua regia alterna piano-sequenza memorabili (il celebre ingresso al Copacabana) a momenti di violenza improvvisa che lasciano lo spettatore senza fiato. La colonna sonora – dai Rolling Stones a Eric Clapton – scandisce i decenni e accompagna la parabola di Henry dal fascino iniziale al baratro della paranoia.

Il montaggio serrato, la voce narrante e il continuo passaggio tra momenti intimi e scene corali creano un ritmo ipnotico: Quei bravi ragazzi non rallenta mai, eppure lascia spazio a riflessioni amare sul prezzo della vita criminale.

Temi e interpretazioni

Il film è una riflessione sul sogno americano rovesciato: Henry non vuole essere povero come i suoi genitori, e nella mafia trova ricchezza, potere, donne e rispetto. Ma dietro l’illusione c’è un meccanismo che divora chiunque ci entri.

Le interpretazioni sono magistrali: Ray Liotta regala complessità e fragilità al suo protagonista, De Niro è carismatico e glaciale, e Joe Pesci – premio Oscar come miglior attore non protagonista – incarna la violenza più cieca, rendendo Tommy DeVito una delle figure più temute della storia del cinema.

Pro & Contro

Pro	Contro
Regia di Scorsese: virtuosismo e realismo insieme	Violenza grafica non adatta a tutti
Cast straordinario (Liotta, De Niro, Pesci)	Ritmo serrato che può risultare travolgente
Colonna sonora iconica e memorabile
Uno dei più grandi gangster movie di sempre

Valutazione: ★★★★★ (5/5)

Impressione finale

Quei bravi ragazzi è molto più di un gangster movie: è un viaggio nell’illusione del potere, un racconto di seduzione e distruzione che ancora oggi rimane un punto di riferimento assoluto per il cinema contemporaneo. Scorsese firma un capolavoro che racconta la mafia come poche volte era stato fatto: senza romanticismo, ma con tutto il fascino e il disincanto che solo il grande cinema sa restituire.