Eppure, eccoci qui: a fare il tifo per un SecUnit antisociale che, suo malgrado, finisce sempre nel caos più totale.

La serie, tratta dalle celebri novelle di Martha Wells, porta sullo schermo un personaggio che funziona perché non cerca mai di essere “carino”, ma vero: cinico, stanco, pragmatico, borderline depresso, eppure — quasi contro la sua stessa volontà — capace di crescere.

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Trama – senza spoiler

In un futuro iper-corporativo dove tutto è regolato da contratti, licenze e protocolli, i viaggi interplanetari non avvengono senza un SecUnit: una sorta di guardia del corpo semi-robotica programmata per proteggere i clienti.

Uno di questi SecUnit, però, ha hackerato il proprio modulo di controllo.
Non obbedisce più agli ordini.
Non risponde a nessuno.
Non è libero davvero, ma non è nemmeno schiavo.

È… Murderbot.

Quando il gruppo di scienziati che dovrebbe proteggere si trova coinvolto in un complotto mortale, Murderbot finisce costretto a intervenire per tenerli in vita — non perché gli importi degli umani, ma perché odia il caos, le inefficienze e le minacce che disturbano la sua routine.

Il risultato?
Un viaggio fatto di sparatorie, bug di sistema, battute taglienti e momenti di sorprendente vulnerabilità.

Cosa funziona davvero

• Il tono sarcastico e amaro del protagonista: Murderbot è uno dei personaggi più memorabili degli ultimi anni perché rifiuta tutte le regole del “robot buono”.

• Il world-building è concreto e credibile: corporazioni spietate, tecnologie sporche, pianeti ostili — un futuro plausibile, non patinato.

• Il ritmo è rapido e mai prevedibile: si passa dall’azione pura all’introspezione con fluidità.

• La dinamica con gli umani è irresistibile: odio dichiarato + senso di responsabilità negato = comicità involontaria + tensione emotiva.

• Ottima resa del conflitto interiore: identità, autodeterminazione, libertà, trauma… tutto senza moralismi.

Dove la serie inciampa

• Alcuni episodi centrali rallentano: troppo focus su aspetti tecnici del mondo può affaticare chi cerca solo azione.

• L’humour di Murderbot non piace a tutti: è molto specifico, molto secco, molto misantropo.

• Gli umani risultano meno interessanti del protagonista: paradossalmente, sono loro a sembrare “programmati” a tratti.

• Alcuni effetti visivi sono altalenanti: soprattutto nelle sequenze planetarie più ambiziose.

Valutazione finale

Murderbot è una serie che sorprende: intelligente, ironica, cruda e a tratti commovente.
Non è fantascienza tradizionale.
È un character-study travestito da serie sci-fi, con un protagonista unico che si odia e si ama allo stesso tempo.

Per chi vuole fantascienza moderna, psicologica e piena di personalità, è una delle serie più interessanti dell’anno.

Voto: 8 / 10

Pro e Contro

Curiosità

• Il personaggio di Murderbot è considerato uno dei più amati della sci-fi moderna grazie ai romanzi originali, noti per ironia e introspezione.

• Il termine “Murderbot” non è ufficiale: è come il protagonista si autodefinisce, in modo ironico e auto-denigratorio.

• La serie è pensata per avere stagioni brevi ma intense, ciascuna ispirata a un volume diverso.

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Da quel momento capisci che questo non è un film normale.
È un racconto sull’esistenza, sull’amore, sui ricordi, sulla bellezza che non notiamo mai… e su un uomo che forse non conosceremo davvero, ma che diventa la lente attraverso cui guardiamo noi stessi.

Diviso in tre atti molto diversi tra loro, The Life of Chuck prende il racconto breve di Stephen King e lo trasforma in una riflessione delicata e imprevedibile.
La regia non cerca il thriller o l’horror: cerca la meraviglia malinconica.

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Tom Hiddleston: un Chuck che non parla, ma dice tutto

Paradossalmente, Chuck è quasi un’assenza.
Non è protagonista nel senso tradizionale: è un’ombra, un ricordo, un vuoto che si riempie solo alla fine.
Hiddleston gli dà un’aura tranquilla, luminosa, quasi spirituale.
Più che un personaggio, è un simbolo: la somma di tutte le piccole cose che rendono la vita degna di essere vissuta.

Il resto del cast costruisce attorno a lui un mosaico di emozioni, soprattutto nei primi due atti, dove il tono oscilla tra surreale, poetico e comico.

Un film a tre anime

Atto I – La fine del mondo che arriva con dolcezza

Il pianeta cade a pezzi: luci che si spengono, strade che cedono, cieli che crollano.
Ma la gente è calma, quasi stranamente serena.
È come se l’universo stesse morendo… ma volesse dire addio con gentilezza.

Atto II – La casa dei ricordi

Qui la storia diventa più intima: scopriamo brandelli della vita di Chuck, della sua infanzia, dei suoi legami, dei momenti che lo hanno formato.
È la parte più emotiva, quella che stringe davvero lo stomaco.

Atto III – La danza finale

Un atto breve, poetico, quasi teatrale.
Una celebrazione della vita normale, delle sue piccole meraviglie, di ciò che resta nelle persone quando noi non ci siamo più.

Cosa funziona

• Struttura unica e coraggiosa, fedele allo spirito di Stephen King più poetico.

• Tom Hiddleston intenso, delicato, magnetico anche nel silenzio.

• Atmosfera sospesa tra fiaba e fine del mondo.

• Alternanza di toni: comico, tragico, dolce, filosofico.

• Finale che colpisce dritto al cuore.

Dove il film può dividere

• I tre atti sono molto diversi tra loro: non tutti apprezzeranno questo stile quasi antologico.

• Poca action, pochissimo intreccio tradizionale: è un film contemplativo, non un thriller.

• Rischio di “sentimentalismo” percepito, soprattutto nel finale.

• Non tutto viene spiegato: alcune domande restano aperte di proposito.

Valutazione finale

The Life of Chuck è un film raro: difficile da definire, impossibile da incasellare.
Non parla della morte.
Parla della vita.
Di quella vera: confusa, luminosa, fatta di emozioni minime che, viste da lontano, compongono un disegno sorprendente.

Non piacerà a chi cerca una trama rigida e lineare.
Ma chi ama le storie che parlano al cuore troverà un’esperienza intensa, malinconica e sorprendentemente piena di speranza.

Voto: 8,2 / 10

Pro e Contro

Curiosità

• Il film mantiene la struttura in tre atti del racconto originale, ma li espande con materiale inedito.

• Chuck appare relativamente poco in scena, ma la sua presenza emotiva domina tutto il film.

• La regia punta su immagini metaforiche, più che su effetti visivi spettacolari.

• È uno dei progetti più insoliti tratti da King, lontano dai suoi classici horror.

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Il risultato?
Un film strano, ambizioso, imperfetto, che prende la mitologia assurda del vecchio Troll 2 — goblin vegetariani che trasformano gli umani in pappa verde — e la aggiorna con un tono dark fantasy più serio, più visivo, più “prestige horror” alla Netflix.

Non è un capolavoro, ma almeno non è un disastro.
È un film che ci prova, e a volte ci riesce.

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Trama (senza spoiler)

La storia segue Nora, giovane botanica che torna nella cittadina montana di Nilbog — sì, il nome è lo stesso — dove anni prima suo fratello è scomparso misteriosamente.
La comunità sembra calma, gentile, ospitale. Troppo ospitale.

Presto emerge che Nilbog custodisce un segreto antico: creature che non sono troll, non sono goblin, ma una cosa nel mezzo, nate da un equilibrio malato tra natura e magia corrotta.
Il film abbraccia un folklore rinnovato: magia verde, radici che si muovono, rituali agrari, metamorfosi inquietanti.

Niente comicità involontaria.
Qui il verde non fa ridere.
Fa schifo. E fa paura.

Cosa funziona

• L’atmosfera: buia, fangosa, umida, piena di radici, muschio e luce verde malata.

• La reinterpretazione dei “troll”: non più mascheroni ridicoli, ma creature modellate sul folklore europeo, con design organico e disturbante.

• La protagonista: Nora è credibile, fragile ma determinata.

• Il tono horror: finalmente il film punta alla tensione vera, non al trash accidentale.

• I richiami meta: piccole citazioni al film del ’90 piazzate qua e là, senza trasformarlo in parodia.

Cosa non funziona

• La sceneggiatura è altalenante: alcune spiegazioni del folklore sono buttate lì.

• Il ritmo ha cali evidenti, soprattutto nella parte centrale.

• La CGI a tratti balla, specie nelle scene in piena luce.

• Il finale è affrettato: si sente l’odore del “setup per un sequel”.

• La paura vera arriva tardi, dopo quasi mezz’ora di introduzione.

Valutazione finale

Troll 2 (2025) non ha l’obiettivo di replicare il mito trash del passato.
E fa bene.
È un film che cerca una sua identità: più horror, più moderno, più serio, più oscuro.

Ha difetti, certo.
A momenti inciampa, in altri sorprende. Ma almeno, questa volta, si ride solo quando vuole il film — non del film.

È un reboot imperfetto ma onesto, adatto agli amanti dell’horror leggero con venature fantasy.

Voto: 6,8 / 10

Pro e Contro

Curiosità

• Il nome Nilbog compare ancora… ed è sempre Goblin al contrario.

• La produzione ha dichiarato di aver volutamente evitato il tono comico: il reboot doveva essere un horror “serio”.

• Alcune creature sono realizzate con prostetici pratici, non solo CGI.

• Nel film è presente un cameo di un attore del Troll 2 originale, ma nascosto sotto trucco pesantissimo.

Troll 2 appartiene fieramente alla seconda categoria: un’opera che non funziona in nulla, e proprio per questo funziona in tutto.
È un disastro cinematografico, una catastrofe narrativa, un delirio recitativo… ma anche uno dei cult trash più amati e citati di sempre.

La trama? Una famiglia in vacanza scopre che una cittadina idilliaca è abitata da goblin vegetariani che trasformano le persone in… pappa vegetale da mangiare.
Sì, goblin. E no, nessun troll nel film. Il titolo è stato appiccicato per puro marketing.
E già questo spiega molto.

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Perché Troll 2 è diventato un culto (involontario)

La magia di Troll 2 è tutta nella sua totale inconsapevolezza.
Ogni scena è talmente fuori rotta — recitazione rigida, dialoghi assurdi, costumi improbabili, effetti che sembrano fatti con materiale scolastico — che il film diventa un’esperienza.

Non esiste un secondo che non ti faccia chiedere:
“Ma davvero qualcuno ha girato questo?”

Ed è proprio lì il punto: sì, qualcuno l’ha fatto. Con serietà.
E proprio quella serietà assoluta dentro un caos totale rende Troll 2 un fenomeno.

I momenti iconici

• Il famigerato urlo: “Oh my gooooood!”

• Il tavolo della cena congelata.

• Le trasformazioni vegetali degne di una recita scolastica.

• La nonna strega che sembra uscita da una pubblicità degli anni ’80.

• Le scene di tensione dove non succede nulla, ma proprio nulla.

Se ami il cinema trash, questo film è un buffet.

Cosa funziona (sì, funziona davvero)

• Il valore cult: è un film perfetto da vedere in gruppo, da commentare, da ridere insieme.

• L’involontaria comicità: ci sono battute che non dovevano far ridere, eppure sono oro puro.

• L’atmosfera anni ’90 più naïf possibile: nostalgica, kitsch, irresistibile.

• Il gusto del “non si vede più roba così”: perché oggi nessuno avrebbe il coraggio… o l’incoscienza.

Cosa non funziona (tutto il resto)

• Recitazione ai limiti dell’amatoriale.

• Dialoghi che sfidano la logica umana.

• Trama scritta con una mano legata.

• Effetti speciali che sembrano fatti con plastilina.

• Tensione inesistente, coerenza narrativa pure.

Ma è proprio qui che nasce il mito.

Valutazione finale

Troll 2 è un caso unico: un film disastroso che diventa, col tempo, irresistibile.
Non è da vedere per la qualità, ma per l’esperienza.
Perché ci sono pellicole che ti conquistano con la bravura.
E altre che ti conquistano con il loro fallimento spettacolare.

Voto oggettivo: 3 / 10
Voto come cult-trash: 9 / 10

Pro e Contro

Curiosità

• Nonostante il titolo, non compare nemmeno un troll in tutto il film.

• Il cast era composto in gran parte da attori non professionisti.

• Negli anni è nata una community mondiale dedicata al film, con proiezioni-evento.

• È considerato uno dei film più trash mai realizzati, al punto da essere rivalutato come fenomeno pop.

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La premessa è folle, disturbante, ma stranamente plausibile: due complottisti paranoici, Teddy e suo cugino Don, sono convinti che la CEO di una multinazionale farmaceutica, Michelle Fuller, non sia umana, ma un’aliena mimetizzata tra noi.
Il loro piano? Rapirla. Interrogarla. “Smaskerararla”.
È in quel seminterrato, claustrofobico e gelido, che il film comincia la sua danza malata di ribaltamenti di potere, verità instabili e identità che si sfaldano.

Lanthimos non racconta un’invasione aliena. Racconta un’invasione mentale: la follia che si nutre delle crepe della realtà.
Bugonia è un film che ti prende alla gola, non con i salti sulla sedia, ma con la sensazione che qualcuno stia pensando per te.

Perché colpisce

• Emma Stone è glaciale e disturbante. Letteralmente un enigma vivente.

• Jesse Plemons dà corpo a un uomo fragile e violento, uno che non capisci mai se è vittima, carnefice o entrambe le cose.

• La satira è brutale: parla di paranoia, capitalismo, complotti, manipolazione e disperazione collettiva.

• La tensione è costante, senza bisogno di effetti o esagerazioni: è tutto nella psicologia, nella minaccia che non sai se è reale.

• Il film ti rende complice, e a tratti ti senti sporco a guardarlo.

Dove zoppica — e può ferire

• Non è un film per tutti: è lento, soffocante, mentale.

• Alcune sequenze si allungano troppo, come se il film ti provocasse di proposito.

• Ambiguità totale: non c’è una verità facile, e questo può irritare chi vuole risposte nette.

• Finale duro, spiazzante e volutamente privo di consolazione.

Valutazione

Bugonia non offre intrattenimento.
Offre un’esperienza disturbante, una satira cattiva, un esercizio di tensione costruito per farti sudare attraverso i personaggi.
È uno dei film più audaci del 2025, nel bene e nel male.

Voto: 8 / 10

Pro e Contro

Perché guardarlo (o evitarlo)

Se vuoi un film che ti metta davvero a disagio e che dica cose scomode sul presente, Bugonia è un colpo secco tra le costole.
Se cerchi svago, battute o un finale “che sistema tutto”… meglio stare lontani.

La stagione finale è un mix esplosivo di nostalgia, terrore, lacrime e sacrifici.
I Duffer chiudono la storia con un tono più adulto, più cupo, più consapevole: i protagonisti non sono più bambini, e Hawkins non è più un posto dove il male arriva “da fuori”. Ora il Sottosopra è parte della città, la infesta, la consuma.
E come spesso accade nelle grandi saghe, il finale è una guerra totale.

Il ritmo è serrato, gli episodi più lunghi, la posta in gioco definitiva. Ci sono scelte coraggiose, qualche rischio, alcune imperfezioni — ma la serie riesce a chiudere con dignità, cuore e una potenza visiva che fa tremare.

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Trama e tematiche

Dopo l’apertura del portale nella stagione 4, Hawkins è diventata il centro della faglia tra i due mondi.
Il Sottosopra avanza come una malattia. Vecna è ferito, ma vivo. E vuole finire quello che ha iniziato.

Il gruppo è diviso tra:

• Eleven che deve affrontare il suo destino

• Will finalmente al centro emotivo della storia

• Mike, Lucas e Dustin che combattono come una piccola resistenza

• Max sospesa tra vita e oscurità

• Hopper e Joyce che tentano di proteggere ciò che resta

Temi centrali:

• il sacrificio come ultimo atto d’amore

• crescere significa lasciare andare

• il trauma condiviso che crea famiglia

• il male come cicatrice che non scompare

• amicizia e identità come uniche armi contro il caos

È la stagione più emotiva e più oscura della serie.

Cosa funziona

• Will finalmente protagonista: la sua connessione con il Sottosopra porta momenti intensi.

• Eleven più fragile e più potente che mai: non più “l’arma”, ma una ragazza che sceglie chi essere.

• Vecna è un villain formidabile: la sua presenza domina tutta la stagione.

• Ritmo e tensione altissimi, soprattutto negli episodi finali.

• Momenti iconici che entrano subito nella memoria: scontri, rivelazioni, addii.

• Effetti speciali e design del Sottosopra ai massimi livelli.

• La colonna sonora fa di nuovo centro, tra malinconia ed epicità.

Cosa convince meno

• Episodi molto lunghi: non tutti mantengono la stessa intensità.

• Qualche storyline secondaria sacrificata per far spazio al conflitto principale.

• Momenti fanservice un po’ forzati in alcuni dialoghi.

• Alcune morti “evitate” o troppo morbide, rispetto alla posta in gioco.

• Il finale chiude, ma lascia fili sottili, più emotivi che narrativi.

Valutazione finale

Stranger Things 5 è un finale massiccio, emotivo, imperfetto ma potente.
Chiude la storia dei personaggi in modo rispettoso e maturo, regala scene memorabili e mantiene la promessa: un ultimo viaggio pieno di cuore, paura e nostalgia.

Non è la stagione più perfetta della serie, ma è quella che più somiglia a un addio sincero.

Voto: 8,5 / 10

Pro e Contro

Curiosità

• I Duffer hanno confermato di aver scritto il finale già anni fa, per mantenerlo coerente con la crescita dei personaggi.

• È la stagione con il budget più alto dell’intera serie.

• Molti set del Sottosopra sono fisici, non solo CGI: per dare peso e volume agli attori.

• Will Byers è l’arco emotivo portante, come omaggio al bambino che ha iniziato tutto.

• L’episodio finale supera abbondantemente i 100 minuti, diventando quasi un film conclusivo.

Il film gioca su due fronti: la lotta esteriore contro il pericolo ambientale (e biologico) e la lotta interiore della paternità, del sacrificio e della speranza quando tutto sembra perso.

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Trama e tematiche

Tre anni dopo l’invasione dei Reapers, creature mortali che hanno decimato il 95% della popolazione, l’umanità sopravvive in comunità isolate ad alta quota. Will e suo figlio Hunter si trovano in una di esse. Quando i filtri d’ossigeno necessari per Hunter finiscono, Will è costretto a scendere al livello inferiore con Nina e Katie per recuperare risorse e trovare una soluzione definitiva. Durante il percorso, emergono segreti, speranze infrante e la consapevolezza che la sopravvivenza non basta: bisogna combattere per vivere davvero.

Temi centrali:

• sopravvivenza in ambienti estremi;

• amore paterno e responsabilità;

• fiducia nella scienza e nel sacrificio;

• ideali vs realtà;

• altitudine come metafora della sicurezza e della vulnerabilità.

Cosa funziona

• Ambiente e atmosfera: Le montagne rocciose, le altitudini rarefatte e la sensazione di isolamento contribuiscono efficacemente alla tensione.

• Premessa originale: L’idea che le creature non possano superare una determinata altitudine dà un twist interessante al genere “end-of-the-world”.

• Performance solide: Anthony Mackie e Morena Baccarin rendono credibile il dramma personale del film, non solo l’azione.

• Buone scene d’azione: Alcuni set-piece (la miniera, il contatto con le creature) sono ben costruiti e coinvolgenti.

Cosa convince meno

• Trama derivativa: Troppi richiami ad altri survival o creature-feature fanno perdere originalità.

• Personaggi poco approfonditi: Molti comprimari restano sullo sfondo e la loro evoluzione manca di spessore.

• Logica della premessa discutibile: Il “non sopra gli 8 000 piedi” appare più stratagemma che spiegazione rigorosa, il che può far uscire dallo spettacolo.

• Tono altalenante: Alcune scene di forte impatto sono seguite da momenti più lenti che spezzano il ritmo.

Valutazione finale

Elevation è un film che cerca di alzarsi sopra la media dei thriller post-apocalittici con una premessa forte e un ambiente distintivo. Non sempre centra tutti i colpi, ma riesce a offrire un’esperienza che intrattiene e mantiene una carica emotiva reale grazie ai legami familiari al centro della storia.

Voto: 6,5 / 10

Pro e Contro

Curiosità

• Il film è diretto da George Nolfi e ha come protagonisti Anthony Mackie e Morena Baccarin.

• Le riprese sono avvenute in Colorado, nelle Rocky Mountains, per sfruttare location reali ad alta quota.

• Il film è uscito nel 2024 negli USA e ha trovato una nuova vita in streaming nel 2025.

• La tematica dell’altitudine come “zona sicura” richiama l’idea che anche nei momenti peggiori ci può essere un rifugio… ma che rifugio non significa impunità.

La storia inizia con il rapimento improvviso del protagonista, Oh Dae-su, senza motivazioni chiare, e lo vede imprigionato per quindici anni in una cella, senza contatti con l’esterno. Al suo rilascio, Dae-su ha cinque giorni per scoprire il motivo del suo calvario e vendicarsi del responsabile. Ma ciò che scopre va ben oltre ogni aspettativa.

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Trama e tematiche

Oh Dae-su è un uomo comune, finito in una spirale di solitudine, rabbia e frustrazione nella sua prigionia. Quando viene liberato, la sua vita è irrimediabilmente cambiata: la vendetta diventa non solo un obiettivo ma un morbo che lo consuma. Il film esplora fino a che punto è possibile spingersi quando l’essere umano è privato della libertà e immerso nell’ossessione.

Alla base c’è una riflessione sulla sofferenza inflitta e ricevuta, sulla memoria e sull’identità: cosa rimane di noi dopo anni di prigionia? E quanto è sottile la linea che separa la vittima dal carnefice? Oldboy non risparmia scene scioccanti né momenti di pura crudeltà, ma lo fa per indagare la psiche e il corpo bruciati.

Cosa funziona

• Impatto visivo e narrativa cruda: il film non si nasconde dietro pacatezza. Le immagini sono forti, la tensione elevata, e la struttura narrativa ti trascina dentro un vortice senza via d’uscita.

• La sequenza del corridoio: uno dei pezzi più memorabili del cinema moderno, girato in un lungo piano sequenza che amplifica il senso di lotta disperata.

• Profondità tematica: pur essendo un film violento, va oltre il semplice thriller, indagando la vendetta come meccanismo autodistruttivo, la colpa e la redenzione.

• Interpretazione e regia: Choi Min-sik (nei panni di Dae-su) dà una performance fisica e mentale impressionante. Park Chan-wook dirige con stile e cattiveria calcolata.

Cosa convince meno

• Violenza estrema, non per tutti: chi non ama scene crude o situazioni limite potrebbe trovarlo eccessivo o disturbante.

• Situazioni narrative estreme: alcune svolte della trama possono risultare poco credibili o troppo “oltre”, rischiando di togliere immersione a chi preferisce realismo più sobrio.

• Difficoltà emotiva nell’immedesimazione: i personaggi sono così tormentati e l’atmosfera così carica che diventa difficile avere empatia o conforto durante la visione.

Valutazione finale

Oldboy è un film potente, corrosivo e visivamente memorabile. Non cade mai nella pietà facile né nel semplice exploit violento gratuito: è una riflessione spietata sul dolore, la vendetta e l’identità. Se avete stomaco forte e siete pronti a un’esperienza intensa, è un must del cinema asiatico. Altrimenti, siate cauti.
Voto: 9 / 10

Pro e Contro

Curiosità

• Oldboy fa parte della cosiddetta “Trilogia della vendetta” del regista: preceduto da Sympathy for Mr. Vengeance e seguito da Lady Vengeance.

• Il celebre piano sequenza nel corridoio è diventato un esempio citato di tecnica nelle scuole di cinema e tra gli appassionati.

• In alcune classifiche cinematografiche moderne è annoverato tra i migliori film asiatici e tra i più influenti del XXI secolo.

Con un cast d’eccezione – Hugh Jackman, Christian Bale, Michael Caine e una sorprendente Scarlett Johansson – il film intreccia il tema della scienza e dell’illusione in un racconto in cui nulla è come sembra. Il ritmo è denso, i colpi di scena si moltiplicano, e la linea tra realtà e finzione si fa sempre più sottile.

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Christopher Nolan firma con The Prestige uno dei suoi film più enigmatici e affascinanti. Ambientato nella Londra di fine Ottocento, racconta la rivalità tra due illusionisti, Robert Angier e Alfred Borden, che trasformano la loro passione per la magia in una guerra personale fatta di inganni, sacrifici e ossessioni.

Con un cast d’eccezione – Hugh Jackman, Christian Bale, Michael Caine e una sorprendente Scarlett Johansson – il film intreccia il tema della scienza e dell’illusione in un racconto in cui nulla è come sembra. Il ritmo è denso, i colpi di scena si moltiplicano, e la linea tra realtà e finzione si fa sempre più sottile.

Trama e tematiche

La trama si apre con un misterioso incidente che segna la fine dell’amicizia tra i due maghi. Da quel momento, ognuno cercherà di superare l’altro, anche a costo della propria umanità.
Nolan costruisce un intreccio a scatole cinesi, alternando passato e presente, diari segreti e spettacoli, fino al celebre finale che ribalta ogni certezza.

Il film riflette sulla natura stessa dello spettacolo e dell’arte: quanto siamo disposti a sacrificare per un applauso? Quanto il genio si confonde con la follia? In The Prestige, la risposta non è mai semplice – ed è proprio qui che risiede il suo fascino.

Cosa funziona

• Regia e montaggio: Nolan orchestra il racconto come un grande trucco di magia, costruendo tensione e mistero con una precisione quasi meccanica.

• Interpretazioni: Jackman e Bale incarnano due opposti complementari – l’artista ossessionato e l’uomo di scena – offrendo una rivalità carica di emozione e ambiguità.

• Atmosfera: la fotografia cupa e la Londra vittoriana rendono perfettamente l’idea di un mondo dove la scienza e la magia convivono in equilibrio instabile.

Cosa convince meno

• Eccessiva complessità narrativa: i continui salti temporali e le strutture a incastro possono confondere chi non è abituato al cinema “enigmistico” di Nolan.

• Personaggi freddi: l’ossessione dei protagonisti li rende affascinanti, ma difficili da amare.

• Finale troppo cerebrale: il colpo di scena è brillante, ma lascia una sensazione di distacco emotivo.

Valutazione finale

The Prestige è un film elegante, intelligente e ambizioso. Forse non il più accessibile di Nolan, ma uno dei più coerenti con la sua visione di cinema come inganno controllato.
Chi cerca emozione pura potrebbe trovarlo freddo; chi ama decifrare i segreti dietro la messa in scena lo considererà un piccolo capolavoro.

Voto: 8 / 10

Pro e Contro

Pro e Contro

Curiosità

• Il film è ispirato all’omonimo romanzo di Christopher Priest.

• Nikola Tesla è interpretato da David Bowie, in uno dei ruoli più iconici della sua carriera cinematografica.

• La struttura del film rispecchia le tre fasi di un trucco di magia: la promessa, la svolta, il prestigio.

• Il titolo “The Prestige” indica la parte finale del numero, quella in cui l’impossibile diventa realtà.

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Il dottor Victor Frankenstein (Oscar Isaac) è uno scienziato brillante, ambizioso, forse arrogante. Vuole sfidare la morte, creare la vita dove non ce n’è.
La sua Creatura (Jacob Elordi) è ciò che resta quando quel sogno ha successo: non l’eroe, non il mostro perfetto, ma l’inganno, l’errore, l’essere che chiede “chi sono?” e “cosa hai fatto?”.
Tra laboratori isolati, ghiacciai, tormenti interiori e vendette annunciabili, il film disegna un percorso: nascita, ribellione, relazione tra creatore e creatura — e la domanda finale non è “chi è il mostro?” ma “cosa abbiamo diventato?”.

Temi principali

• Ambizione e colpa: l’uomo che vuole creare vita paga un prezzo.

• Alienazione e identità: la creatura non chiede vendetta, chiede riconoscimento.

• Bellezza e orrore: l’immagine dell’arte macchiata dal sangue.

• Creazione e distruzione: l’atto di dare vita diventa atto di morte.

• Umano e non umano: ciò che ci facciamo è ciò che siamo diventati.

Produzione, cast e stile

Il film è scritto, diretto e co-prodotto da Guillermo del Toro. Nel cast: Oscar Isaac (Victor Frankenstein), Jacob Elordi (la Creatura), Mia Goth, Christoph Waltz, Charles Dance, Lars Mikkelsen. 
Lo stile visivo mescola gotico e romantico, operando su atmosfere cupe, scenografie solenni, movimenti di macchina che abbracciano il corpo come verità disturbata. La durata è di circa 2h 29m.
Distribuito da Netflix: uscita selettiva in sala dal 17 ottobre 2025, streaming globale dal 7 novembre 2025. 

Cosa funziona e cosa lascia perplessi

Punti di forza	Limiti
Interpretazioni intense: Oscar Isaac e Jacob Elordi reggono la tensione emotiva.	Ritmo lento: chi cerca l’horror puro può sentirsi distante.
Visione autoriale forte: del Toro rielabora il mito con profondità.	Alcune scene narrativamente dense: richiedono attenzione.
Produzione visiva e sonora di alto livello: gotico, elegante, potente.	Non è un remake “pop” o leggero: richiede lo spettatore pronto.
Temi che vanno oltre il mostro: creazione, colpa, identità.	Alcuni elementi della storia originale restano oscuri o riscritti — può non piacere ai puristi.

Voto finale

8,6 / 10
Frankenstein (2025) è un film che non si accontenta di rifare il mito: lo riscrive, lo sente e lo presenta con forza.
Non perfetto per tutti, ma eccezionale per chi ama il cinema che pensa mentre spaventa.
Un film che canta la mostruosità come parte della nostra essenza.

In sintesi

Non è solo la storia del dottore e del suo esperimento.
È la storia del desiderio di essere visti.
Della creatura che chiede amarezza, non solo vendetta.
E dell’uomo che realizza che creare non significa controllare.

“Se crei la vita, devi anche sopportare che ti chieda il conto.”