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Recensione

The Great Flood si inserisce nel filone dei disaster movie con una forte impronta contemporanea: il cambiamento climatico non è solo lo sfondo, ma il vero motore narrativo. La Corea del Sud dimostra ancora una volta di saper gestire produzioni ambiziose, soprattutto sul piano tecnico. Le sequenze dell’inondazione sono spettacolari, ben girate e spesso immersive, con effetti visivi convincenti che reggono il confronto con produzioni hollywoodiane ben più costose.

Il problema emerge quando si va oltre la superficie. La sceneggiatura fatica a dare profondità ai personaggi: molti archetipi sono già visti, e alcune scelte emotive risultano forzate, soprattutto nei momenti in cui il film cerca di “commuovere a tutti i costi”. Il ritmo è altalenante: la prima parte costruisce bene la tensione, mentre la sezione centrale tende a ripetersi, diluendo l’impatto della minaccia.

Dove il film funziona meglio è nella rappresentazione del caos collettivo: panico, disinformazione, collasso delle istituzioni e reazioni umane credibili. Meno efficace invece il messaggio finale, piuttosto esplicito e poco sottile, che rischia di sembrare una lezione morale più che una conclusione naturale del racconto.

Nel complesso, The Great Flood è un film che colpisce per lo spettacolo visivo e l’attualità del tema, ma lascia la sensazione di un’occasione solo parzialmente sfruttata sul piano narrativo ed emotivo.

Voto finale

★★★☆☆ (6,5/10)

Pro e Contro

Pro

• Effetti speciali di alto livello

• Atmosfera tesa e realistica nelle scene di massa

• Tema attuale e rilevante

Contro

• Personaggi poco approfonditi

• Ritmo irregolare nella parte centrale

• Messaggio finale troppo didascalico

Curiosità

• Il film è stato girato utilizzando un mix di set allagati reali e CGI avanzata, riducendo l’uso del green screen nelle scene più ravvicinate.

• La produzione si è avvalsa di consulenti climatici per rendere plausibili gli scenari di collasso urbano mostrati nel film.

• È uno dei titoli coreani più costosi mai prodotti direttamente per Netflix.

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Il risultato è un racconto adulto, sensuale e sorprendentemente introspettivo.

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Trama

La storia ruota attorno a due campioni di danza: uno specializzato nei balli standard, l’altro nelle danze latino-americane. Entrambi sono ai vertici delle rispettive discipline, ma incompleti: per competere nel decathlon della danza sportiva, il cosiddetto “10-dance”, devono padroneggiare entrambi gli stili.

L’allenamento condiviso diventa presto un terreno di scontro, attrazione e crescita. La danza si trasforma in un linguaggio intimo, capace di mettere a nudo insicurezze, desideri e paure che i protagonisti hanno sempre tenuto sotto controllo.

Personaggi

I due protagonisti sono costruiti come opposti complementari. Da un lato la disciplina, il controllo e l’eleganza formale; dall’altro l’istinto, la fisicità e la passione. Nessuno dei due viene idealizzato: entrambi sono orgogliosi, fragili e spesso incapaci di comunicare apertamente.

La loro relazione evolve lentamente, tra resistenze e avvicinamenti, risultando credibile proprio perché non immediata né edulcorata.

Analisi e giudizio

Cosa funziona

Il punto di forza di 10DANCE è l’uso del corpo come narrazione. La danza non è mai decorativa, ma centrale: ogni movimento racconta un conflitto interiore o un cambiamento emotivo.

L’opera riesce a parlare di identità, competizione e desiderio senza ricorrere a melodrammi facili. Il tono è maturo, sensuale ma mai gratuito, e la tensione tra i protagonisti è costruita con pazienza e precisione.

Dove delude

Il ritmo è volutamente lento e contemplativo, una scelta che può scoraggiare chi cerca una storia più immediata o ricca di eventi.
Alcuni passaggi risultano ripetitivi, soprattutto nelle fasi di allenamento, e il contesto sportivo potrebbe risultare distante per chi non è interessato al mondo della danza.

Voto finale: 8/10

Un’opera intensa e raffinata, che usa la danza come metafora del confronto con sé stessi e con l’altro. 10DANCE è consigliato a chi cerca una storia adulta, sensoriale e fuori dai canoni narrativi più comuni.

Pro e contro

Pro

• Rappresentazione potente e sensuale della danza

• Personaggi complessi e credibili

• Uso del corpo come linguaggio narrativo

• Tono maturo e non stereotipato

Contro

• Ritmo lento

• Poche concessioni all’azione

• Ambientazione sportiva non per tutti

• Progressione narrativa molto graduale

Curiosità

Il titolo si riferisce al decathlon della danza sportiva, che unisce cinque balli standard e cinque latino-americani.
L’opera è apprezzata per l’accuratezza tecnica nella rappresentazione della danza.
10DANCE è spesso citato come esempio di racconto che supera le etichette di genere per concentrarsi sull’esperienza umana.

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La serie non nasconde mai le sue intenzioni: intrattenere, brillare e far sognare, anche a costo di semplificare la realtà.

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Trama

Emily è una giovane professionista del marketing che si trasferisce da Chicago a Parigi per lavorare in un’agenzia di comunicazione di lusso. Priva di conoscenza della lingua e delle dinamiche culturali francesi, si ritrova a navigare tra incomprensioni lavorative, relazioni sentimentali complicate e una vita sociale sempre più intrecciata con il suo profilo social.

Ogni stagione segue l’evoluzione della sua carriera e delle sue relazioni, tra successi improvvisi, scelte discutibili e triangoli amorosi ricorrenti.

Personaggi

Emily è una protagonista energica, ottimista e spesso ingenua. Il suo entusiasmo è sia il motore della serie sia uno dei suoi limiti, perché raramente viene messo davvero in discussione.

I personaggi secondari — colleghi, amici e interessi amorosi — ruotano intorno a lei come satelliti, offrendo contrasti culturali e dinamiche sentimentali che funzionano più come archetipi che come figure profonde.

Analisi e giudizio

Cosa funziona

Il vero punto di forza di Emily in Paris è l’estetica. Moda, location e fotografia trasformano ogni episodio in una vetrina glamour, immediatamente riconoscibile e perfetta per la fruizione veloce.

La serie è scorrevole, leggera e costruita per il binge-watching. Non richiede particolare attenzione e riesce spesso a risultare piacevole proprio grazie alla sua semplicità.

Dove delude

La scrittura è il tallone d’Achille. Molte situazioni sono prevedibili e basate su cliché culturali ormai noti.
Lo sviluppo dei personaggi è superficiale e le conseguenze delle azioni di Emily sono spesso minime o inesistenti, riducendo la credibilità del racconto.

Chi cerca una commedia romantica con maggiore profondità o realismo rischia di rimanere deluso.

Voto finale: 6.5/10

Una serie leggera e patinata, perfetta come evasione visiva, ma debole sul piano narrativo. Emily in Paris funziona come guilty pleasure, meno come racconto solido e memorabile.

Pro e contro

Pro

• Estetica curata e immediatamente riconoscibile

• Moda e location spettacolari

• Ritmo veloce e facile da seguire

• Ideale per una visione disimpegnata

Contro

• Personaggi poco approfonditi

• Uso massiccio di cliché

• Evoluzione narrativa limitata

• Superficialità tematica

Curiosità

La serie ha generato un forte dibattito proprio per la sua rappresentazione idealizzata di Parigi.
Il guardaroba della protagonista è diventato un elemento centrale della comunicazione della serie.
Nonostante le critiche, Emily in Paris ha ottenuto un enorme successo di pubblico stagione dopo stagione.

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Trama

La storia segue Paul Bäumer, un giovane tedesco che si arruola con entusiasmo insieme ai suoi compagni, spinto da ideali patriottici e promesse di gloria. L’illusione dura pochissimo. Il fronte occidentale si rivela un inferno fatto di trincee, fango, fame e morte improvvisa.

Con il passare del tempo, l’euforia iniziale lascia spazio alla disillusione totale. Paul e i suoi compagni scoprono che la guerra non ha vincitori, solo sopravvissuti temporanei e cadaveri dimenticati.

Personaggi

Paul è un protagonista silenzioso, osservatore più che eroe. La sua trasformazione è graduale e devastante: da ragazzo idealista a soldato svuotato, incapace di riconoscere sé stesso.

I personaggi secondari rappresentano diverse reazioni alla guerra: cinismo, rassegnazione, follia, speranza disperata. Nessuno viene idealizzato e nessuno è davvero al sicuro.

Analisi e giudizio

Cosa funziona

Il punto di forza del film è l’impatto visivo e sensoriale. Le scene di battaglia sono brutali, caotiche e prive di qualsiasi estetizzazione eroica. La regia immerge lo spettatore nel rumore, nel fango e nella paura costante.

La colonna sonora e il sound design contribuiscono a creare un senso di oppressione continua, mentre la fotografia restituisce un mondo grigio, sporco e disumanizzato. Il messaggio antimilitarista emerge con forza senza bisogno di spiegazioni.

Dove delude

Il film è volutamente freddo e distaccato. Questa scelta rafforza il messaggio, ma può rendere difficile un coinvolgimento emotivo profondo con i personaggi.
Alcuni elementi narrativi aggiunti rispetto al romanzo risultano meno incisivi e spezzano parzialmente il ritmo.

Non è una visione facile né rassicurante, e richiede una certa disponibilità emotiva.

Voto finale: 8.5/10

Un film potente, duro e necessario. Niente di nuovo sul fronte occidentale non intrattiene: colpisce, scuote e lascia il segno, ricordando quanto la guerra sia sempre una sconfitta umana.

Pro e contro

Pro

• Rappresentazione cruda e realistica della guerra

• Regia e fotografia di grande impatto

• Forte messaggio antimilitarista

• Atmosfera immersiva e opprimente

Contro

• Visione emotivamente pesante

• Distacco narrativo che può allontanare alcuni spettatori

• Ritmo non sempre uniforme

• Nessuna concessione alla spettacolarità

Curiosità

Il film sceglie di raccontare la guerra dal punto di vista dei soldati comuni, evitando ogni celebrazione eroica.
L’uso del suono è centrale per trasmettere il caos del fronte.
È considerato uno degli adattamenti cinematografici più duri e realistici del romanzo originale.

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Contenuto

La docuserie ripercorre la vita di Edmond Safra, il suo impero finanziario e il contesto in cui maturò la tragedia. La versione ufficiale parla di un incendio doloso causato dal suo infermiere, conclusosi con la morte accidentale del banchiere. Tuttavia, la serie mette in fila incongruenze, testimonianze e interrogativi che negli anni hanno alimentato dubbi e sospetti.

Attraverso ricostruzioni, interviste e materiale d’archivio, il racconto si muove tra Monaco, il mondo dell’alta finanza e le zone grigie della giustizia internazionale.

Analisi e giudizio

Cosa funziona

Il punto di forza della serie è l’approccio analitico. Non cerca lo shock fine a se stesso, ma costruisce il dubbio con pazienza, mostrando come un caso apparentemente chiuso possa rivelare molte crepe.

Il contesto monegasco, con le sue dinamiche di potere, segretezza e influenza economica, diventa quasi un personaggio a sé. La narrazione è ordinata, chiara e capace di mantenere alta l’attenzione senza ricorrere a espedienti sensazionalistici.

Dove delude

Chi si aspetta rivelazioni definitive o colpi di scena clamorosi potrebbe restare deluso. La serie non offre una verità alternativa certa, ma lascia spazio al dubbio.

Alcuni episodi insistono su elementi già noti, con una ripetizione che rallenta leggermente il ritmo. In certi passaggi la distanza emotiva è evidente, privilegiando l’analisi alla partecipazione.

Voto finale: 7.5/10

Un true crime sobrio e intelligente, che preferisce le domande alle risposte facili. Murder in Monaco – Il caso Edmond Safra è una visione consigliata a chi apprezza i documentari investigativi che stimolano il pensiero critico più che la spettacolarizzazione.

Pro e contro

Pro

• Ricostruzione chiara e ben documentata

• Approccio serio e non sensazionalistico

• Contesto affascinante e inquietante

• Capacità di stimolare il dubbio

Contro

• Nessuna rivelazione definitiva

• Ritmo a tratti ripetitivo

• Coinvolgimento emotivo limitato

• Richiede attenzione costante

Curiosità

Il caso Edmond Safra è stato oggetto di dibattiti internazionali per anni.
Monaco, per la sua particolare struttura giuridica e politica, ha contribuito ad alimentare sospetti e teorie alternative.
La docuserie invita lo spettatore a interrogarsi sul concetto stesso di verità giudiziaria.

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La ricostruzione della tragedia: gli eventi del disastro del Titan

Il documentario ricostruisce gli eventi minuto per minuto, offrendo uno spunto per riflettere sulla gestione dell’operazione. Le immagini mostrano la drammatica implosione del sommergibile e la risposta al disastro. La serie evidenzia anche le problematiche relative alla sicurezza, sottolineando come, nonostante i segnali di allarme, l’operazione sia continuata. Il documentario non solo racconta i fatti, ma esplora anche le scelte fatali fatte da chi organizzava l’evento.

Analisi delle cause e delle responsabilità

In questa parte del documentario, vengono esaminate le cause che hanno portato alla tragedia. Viene messo in discussione l’uso di un sommergibile che non aveva ricevuto tutte le certificazioni necessarie. La gestione della missione appare affrettata e poco attenta alla sicurezza, decisioni che non sono state mai correttamente giustificate. Gli esperti e le autorità offrono un’analisi critica sulle scelte fatte da OceanGate e sugli errori organizzativi che hanno contribuito al disastro.

Le implicazioni legali e morali: chi è responsabile?

Il documentario esplora anche le questioni legali e morali derivanti dall’incidente. Le interviste con esperti legali mettono in evidenza le azioni legali intraprese dopo il disastro. Nonostante le richieste di giustizia da parte delle famiglie delle vittime, la decisione di non attribuire colpe penali ha suscitato molte polemiche. La discussione si concentra anche sulla responsabilità delle istituzioni e delle aziende nel garantire la sicurezza nelle missioni di esplorazione sottomarina.

Conclusione: un documentario che solleva domande cruciali

Titan: Il disastro di OceanGate non solo racconta un incidente tragico, ma invita anche gli spettatori a riflettere sulla sicurezza delle missioni sottomarine e sulla responsabilità delle aziende coinvolte. Il documentario offre uno spunto di riflessione sul bilancio tra innovazione e sicurezza. La tragedia del Titan ha mostrato come la ricerca dell’eccellenza tecnologica debba sempre essere accompagnata dalla massima attenzione alle implicazioni di sicurezza.

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Trama

Benoit Blanc viene coinvolto in un caso apparentemente impossibile, legato a una morte che mette subito in discussione ogni certezza. L’indagine si svolge in un contesto isolato, dominato da tensioni morali, colpe sepolte e relazioni tossiche.

Man mano che il puzzle prende forma, il detective si ritrova ad affrontare un mistero che non ruota soltanto attorno al “chi è stato”, ma soprattutto al “perché”, spingendo l’indagine su un piano più personale e disturbante.

Personaggi

Benoit Blanc resta il fulcro assoluto del film, ma appare diverso rispetto al passato: meno caricaturale, più riflessivo e quasi stanco.
Il cast corale segue la tradizione della saga, con personaggi eccentrici e sospetti, ciascuno portatore di una maschera sociale destinata a crollare. Non tutti hanno lo stesso spazio narrativo, ma l’insieme funziona come meccanismo da giallo classico.

Analisi e giudizio

Cosa funziona

Il maggiore punto di forza del film è il cambio di tono. Wake Up Dead Man sceglie una strada più seria e atmosferica, avvicinandosi al noir e al mystery psicologico.
La regia è solida, la sceneggiatura ben strutturata e l’indagine riesce a mantenere alta l’attenzione senza affidarsi esclusivamente ai colpi di scena.

Daniel Craig offre probabilmente la sua interpretazione più matura nei panni di Blanc, dimostrando che il personaggio può evolversi senza perdere identità.

Dove delude

Chi si aspettava il tono brillante e ironico dei capitoli precedenti potrebbe rimanere spiazzato. L’umorismo è presente, ma molto più sottile.
Alcuni personaggi secondari risultano meno incisivi rispetto al passato e il ritmo, nella parte centrale, rallenta per lasciare spazio all’atmosfera.

Il film richiede più attenzione e meno leggerezza, una scelta coerente ma non adatta a tutti.

Voto finale: 7.5/10

Un capitolo più cupo e ambizioso che dimostra come Knives Out possa reinventarsi senza ripetersi. Non il più divertente della saga, ma forse il più maturo e coraggioso.

Pro e contro

Pro

• Cambio di tono riuscito e coerente

• Sceneggiatura solida e ben costruita

• Daniel Craig in una versione più profonda di Benoit Blanc

• Atmosfera tesa e coinvolgente

Contro

• Meno ironia rispetto ai capitoli precedenti

• Ritmo più lento nella parte centrale

• Personaggi secondari meno memorabili

• Non ideale per chi cerca un giallo leggero

Curiosità

Il titolo Wake Up Dead Man richiama volutamente atmosfere più cupe rispetto ai precedenti film della saga.
Rian Johnson ha dichiarato di voler esplorare nuovi sottogeneri del mystery con ogni capitolo.
Il film è concepito come storia autonoma, pur mantenendo la continuità del personaggio di Benoit Blanc.

Man vs Baby è una serie comedy del 2025 che segna il ritorno di Rowan Atkinson a una comicità quasi muta, fortemente fisica e basata sull’assurdo. Dopo Man vs Bee, la formula viene riproposta con una nuova “nemesi”: un neonato.
L’idea è semplice, diretta e dichiaratamente sopra le righe. Ma proprio questa semplicità è anche il suo limite più evidente.

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Trama

Un uomo goffo, solitario e palesemente inadatto alla vita quotidiana si ritrova a dover badare a un bambino per un periodo limitato. Quello che dovrebbe essere un compito banale si trasforma rapidamente in una guerra domestica fatta di disastri, incidenti e tentativi sempre più disperati di mantenere il controllo.

Ogni episodio costruisce una nuova escalation di caos, con il bebè che diventa il catalizzatore di ogni catastrofe possibile.

Cast

Rowan Atkinson è il cuore assoluto della serie: mimica, tempi comici e padronanza dello slapstick restano il suo marchio di fabbrica.
Il bambino, ovviamente, non è un personaggio attivo nel senso tradizionale, ma una presenza narrativa che innesca le situazioni.
I personaggi secondari hanno ruoli funzionali e caricaturali, pensati più come ostacoli comici che come figure realmente sviluppate.

Analisi e giudizio

Cosa funziona

La serie mantiene ciò che promette: comicità fisica pura, senza bisogno di dialoghi brillanti o intrecci complessi. Atkinson dimostra ancora una volta di saper reggere la scena da solo, grazie a un controllo del corpo e del ritmo comico che pochi interpreti possiedono.

La breve durata degli episodi aiuta a rendere il formato digeribile e adatto a una visione leggera.

Dove delude

Il limite principale di Man vs Baby è la ripetitività dell’idea. Dopo pochi episodi, il meccanismo comico diventa prevedibile: incidente, escalation, disastro finale.
A differenza dell’ape nella serie precedente, il bambino non ha una “personalità narrativa” che renda lo scontro più vario o sorprendente.

Il tono estremamente infantile rischia inoltre di stancare un pubblico adulto in cerca di qualcosa di più creativo o meno derivativo.

Voto finale: 6/10

Una serie leggera, adatta a una visione disimpegnata e familiare. Fa sorridere e talvolta diverte, ma difficilmente lascia il segno. Rowan Atkinson resta una garanzia anche quando il concept non è all’altezza del suo talento.

Pro e contro

Pro

• Rowan Atkinson ancora efficace nella comicità fisica

• Episodi brevi e facilmente fruibili

• Alcune gag slapstick ben costruite

• Ideale per una visione senza impegno

Contro

• Idea ripetitiva e poco sviluppata

• Comicità molto elementare

• Personaggi secondari poco incisivi

• Inferiore ai migliori lavori di Atkinson

Curiosità

La serie è costruita come una comedy quasi muta, pensata per funzionare in qualsiasi lingua.
Molte gag sono state girate più volte per motivi di sicurezza e precisione comica.
Il progetto nasce chiaramente per sfruttare il format “Man vs…”, più che per reinventarlo.

Record of Ragnarok è una serie anime basata sull’omonimo manga che mette in scena uno dei concept più semplici e potenti degli ultimi anni: un torneo uno contro uno tra dèi e uomini, con il destino dell’umanità come posta in gioco.
Prodotta per lo streaming, la serie ha rapidamente diviso il pubblico tra chi l’ha amata per la sua epicità e chi l’ha criticata per limiti tecnici evidenti.

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Trama

Ogni mille anni gli dèi si riuniscono per decidere se l’umanità meriti di continuare a esistere. Questa volta il verdetto è chiaro: estinzione totale.
A opporsi è Brunilde, una valchiria che propone un’ultima possibilità: il Ragnarök, un torneo di 13 combattimenti tra le più grandi divinità della storia e 13 esseri umani leggendari, scelti tra eroi, condottieri e figure storiche.

Ogni scontro è una battaglia all’ultimo sangue, dove forza, strategia e ideologia si scontrano tanto quanto i pugni.

Personaggi

Uno dei punti di forza della serie è il suo cast, che mescola mitologie e storia senza alcun pudore:

• Divinità come Zeus, Thor, Poseidone e Shiva vengono reinterpretate in chiave estrema e spettacolare.

• Gli esseri umani includono figure come Adamo, Lu Bu, Jack lo Squartatore e altri personaggi storici reinventati in modo audace.

Il risultato è una galleria di personaggi iconici, spesso sopra le righe, pensati per lasciare il segno più che per il realismo.

Analisi e giudizio

Cosa funziona

L’idea di base è potentissima e immediata. Record of Ragnarok sa come costruire l’hype: ogni combattimento è preceduto da lunghe introduzioni, flashback e monologhi che trasformano ogni scontro in un evento epico.

Il character design è riconoscibile e aggressivo, e alcuni duelli riescono davvero a trasmettere tensione ed emozione, soprattutto quando il racconto approfondisce il lato umano dei combattenti.

Dove delude

Il principale limite della serie è l’animazione. In più occasioni le battaglie risultano statiche, con un uso eccessivo di immagini fisse, rallenty e dialoghi interminabili che spezzano il ritmo.

La struttura è inoltre molto ripetitiva: presentazione del personaggio, flashback drammatico, combattimento, colpo di scena. Dopo alcuni episodi, la formula diventa prevedibile.

Chi cerca un anime d’azione fluido e tecnicamente impeccabile potrebbe rimanere deluso.

Voto finale: 7/10

Un anime che vive di idee forti, personaggi memorabili e momenti epici, ma penalizzato da una realizzazione tecnica altalenante. Non è un capolavoro, ma è estremamente coinvolgente per chi ama i tornei e le sfide “più grandi della vita”.

Pro e contro

Pro

• Concept originale e immediato

• Cast di personaggi iconici

• Ottima costruzione dell’epicità

• Flashback spesso efficaci

Contro

• Animazione spesso statica

• Ritmo irregolare

• Struttura narrativa ripetitiva

• Più parlato che azione in alcuni scontri

Curiosità

La serie mescola liberamente mitologie diverse senza preoccuparsi della fedeltà storica, privilegiando lo spettacolo.
Molti personaggi storici sono reinterpretati in modo volutamente provocatorio.
Il manga originale ha una popolarità enorme, spesso considerato superiore all’adattamento animato per qualità e ritmo.

Tomb Raider – La leggenda di Lara Croft è una serie animata che rilancia uno dei personaggi più iconici della storia dei videogiochi. Ambientata dopo gli eventi della recente trilogia videoludica, la serie prova a dare continuità narrativa a una Lara Croft più giovane, vulnerabile e segnata dalle sue avventure, allontanandosi dall’immagine puramente iconica del passato.

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Trama

La storia segue Lara Croft mentre affronta nuove spedizioni in giro per il mondo, alla ricerca di artefatti leggendari e verità sepolte. Ma il vero viaggio è interiore: Lara è ancora alle prese con il peso delle perdite subite e con le conseguenze delle scelte fatte nelle sue precedenti avventure.

Ogni missione mette alla prova non solo le sue capacità fisiche e intellettuali, ma anche il suo equilibrio emotivo, costruendo un racconto più introspettivo rispetto alle incarnazioni passate del personaggio.

Personaggi

Lara Croft è al centro assoluto della narrazione. Non è più soltanto un’eroina infallibile, ma una donna brillante, determinata e spesso tormentata.
I personaggi secondari fungono soprattutto da specchi emotivi o antagonisti funzionali, utili a far emergere i dubbi, la solitudine e la determinazione della protagonista.

Analisi e giudizio

Cosa funziona

La scelta dell’animazione permette alla serie di spingersi verso sequenze d’azione dinamiche e ambientazioni spettacolari senza i limiti del live action.
Il tono è più maturo rispetto ad altre trasposizioni di Tomb Raider, con un’attenzione particolare allo sviluppo psicologico di Lara e alla costruzione del suo mito personale.

L’aderenza alla trilogia videoludica recente è uno dei punti di forza: chi ha giocato quei titoli ritroverà temi, atmosfere e una Lara coerente con quel percorso narrativo.

Dove delude

Non tutte le trame riescono a essere memorabili e alcune missioni sembrano ripetersi nella struttura.
Il ritmo non è sempre costante: a episodi molto intensi seguono momenti più interlocutori, che rallentano la progressione generale.
Chi si aspetta un ritorno alla Lara Croft più ironica e sopra le righe potrebbe rimanere spiazzato da questa versione più seria e introspettiva.

Voto finale: 7.5/10

Una serie solida e ben costruita che riesce a dare profondità a un personaggio spesso ridotto a icona. Non perfetta, ma convincente e promettente, soprattutto per chi ama l’evoluzione narrativa di Lara Croft.

Pro e contro

Pro

• Approfondimento psicologico riuscito della protagonista

• Ottima resa dell’azione grazie all’animazione

• Coerenza con la recente trilogia videoludica

• Ambientazioni varie e suggestive

Contro

• Trame non sempre memorabili

• Ritmo altalenante in alcuni episodi

• Personaggi secondari poco sviluppati

• Meno spazio all’ironia classica della saga

Curiosità

La serie è pensata come ponte narrativo tra i videogiochi più recenti e una possibile nuova fase del franchise.
L’animazione consente di omaggiare numerose ambientazioni storiche care ai fan della saga.
Il progetto mira a consolidare un’unica linea narrativa coerente per il futuro di Tomb Raider.